Maria Montessori

30 de junio de 2024

2023, 100'

Dirección: Léa Todorov

París, año 1900. Lili d'Alency es una popular cortesana que esconde un secreto. Su hija Tina nació con una discapacidad y la mantiene alejada para proteger su carrera y su reputación. Pero el día que se ve obligada a tener que cuidar de ella, Lili decide marcharse a Roma para comenzar una nueva vida. Allí conoce a María Montessori, una doctora que está desarrollando un revolucionario método educativo para trabajar con los llamados 'niños deficientes' y que años después se convertirá en una de las pedagogías mejor valoradas en todo el mundo: el Método Montessori.

La última película de esta temporada en el Niemeyer no ha defraudado. Una historia tierna y real con la que incluso ahora, más de un siglo más tarde, quizás no todo el mundo pueda (o quiera) conectar. No solo vemos una amabilidad y un cariño hacia los niños con discapacidad extraordinario para la época, sino que nos da toda una lección de la educación en general de una manera que incluso a estas alturas no se ha llegado a implementar como debe en todos los ámbitos. A pesar de que la historia parezca centrarse en la educación y el trato a los niños, hay un gran análisis sobre lo que implicaba ser mujer en aquellos contextos y la manera en la que no podíamos reclamar como nuestro aquello que habíamos criado. En este caso, además, llama particularmente la atención: las mujeres deben ocuparse de los niños y cuidar de ellos salvo que ello lleve a méritos o reconocimiento, en cuyo caso se debe buscar una figura masculina detrás. La María Montessori de la película (y asumo que también la de la vida real) tarda en encontrar la forma y el momento de afrontar justo esto, y es precisamente la ayuda de otra mujer la que le lleva a ello. Ambas crecen a su manera, juntas, reconciliándose con los conceptos del cuidado, del cariño y del orgullo. La interacción con los niños (y las actuaciones que nos regalan) es siempre bella, y aquellas escenas en las que conectan con ellos a través de la música me quisieron recordar al importante papel que tenía esta en Close Encounters of the Third Kind, donde también es usada como puente para la comunicación. Me pregunto cuántos profesores habrán visto Maria Montessori, y sobretodo cuántos de ellos habrán entendido y asumido todo lo que tenía que ofrecer. 

Reparto: Jasmine Trinca, Leïla Bekhti, Pietro Ragusa, Emily Di Ronza, Rafaëlle Sonneville-Caby, Raffaele Esposito, Laura Borelli, Nancy Huston, Agathe Bonitzer, Sébastien Pouderoux, Marius Arnaud, Alice Astolfi, Baptiste Astolfi, Ylan Bazile, Tess Bentolila, Oscar Bloess, Aymie Brochard, Isidore Canto-Larranaga y Ausin, Lena Cetkovic, Carly Champouret Bonnot, Agathe Détourné, Lucie Driget Maniaval, Cyrus Gallay, Arthur Jubin, Achille Karakostopoulos, Aylan Khemar, Manon Le Saint, Whitney Lobry, Nathan Lorsold, Rayane Loucif, Louise Medded Guérin, Clément Meylheuc Lambert, Léonie Nobili, Léana Perrouault, Mattéo Pinto Coelho, Ilona Poupart, Sofia Regin Todorov, Alvin Renucci, Caroline Souffrin, Melissa Souici

Kinds of Kindness

29 de junio de 2024

2024, 164'

Dirección: Yorgos Lanthimos

Fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual.

El Lanthimos antiguo y raro, el de Killing of a Sacred Deer (y quizás también The Lobster), ha vuelto. Después de hacer Poor Things, que tanto éxito tuvo y se llevó varios Oscars y todavía más nominaciones, ha usado esa tracción para llevar a un gran público a un terreno que quizás para muchos de ellos fuera inexplorado. Tiene todo mi respeto por ello, por afianzarse como el director de Hollywood que es ahora pero no perder sus raíces. Kinds of Kindness se estrena en salas seis meses después de que lo hiciera Poor Things, quedando claro no solo que este hombre no para de trabajar nunca, sino que Emma Stone y él (que ya están trabajando en otra película juntos) tienen una relación tan estrecha que parecen casi estar casados; casi parece que Emma ve más a Yorgos que a su familia. La película empieza con fuerza con el Sweet Dreams (Are Made Of This) que ya nos había animado en su magnífico tráiler. Como ya era bien conocido, la película está divida en tres partes con tres historias completamente independientes: The death of R.M.F. (la muerte de R.M.F.), R.M.F. is flying (R.M.F. está volando) y R.M.F. eats a sandwich (R.M.F. se come un sándwich). Las tres tienen el mismo reparto, unos actores excepcionales, de hecho, pero dando vida a papeles totalmente distintos. Jesse Plemons, de hecho, se llevó el premio a mejor actor en Cannes por su interpretación. El estilo en las tres historias que se nos presentan es similar, habiendo dejado Lanthimos de lado el gran angular (casi ojo de pez) que tanto usó en Poor Things para volver a su estilo de Killing of a Sacred Deer y The Lobster. Se habló mucho en Cannes, de hecho, de lo mucho que recordaba a la primera, y puedo confirmar ahora lo acertada que es esa interpretación. Aunque las tres historias sean ciertamente diferentes y la gente hable mucho de cuál es la mejor o la que me ha gustado, a mí me han parecido una combinación tan buena que no quiero pensar en ellas como algo completamente separado. El estilo me parece muy similar, y es tremendamente refrescante ver a los actores cambiar de esa manera entre sus tres personajes, así que prefiero pensar en la película como un conjunto más que intentar analizarlas como tres partes claramente separadas. Todo lo relacionado con lo artístico en la película es excepcional, y me ha agradado especialmente una música que aparece más de una vez a lo largo de la película: la llamada Hymn en Kinds of Kindness, que me ha recordado muchísimo (casi demasiado) al Requiem de Ligeti que se escucha en 2001: A Space Oddyssey cuando se encuentra (más de una vez) el monolito. Estoy segura que no puedo ser la única que hace esa conexión, y voy a animar a la gente a escucharlas juntas para darse cuenta de ello si es que no lo han hecho ya. La sensación que provocan ambas músicas en sus respectivas películas es, además, muy similar. Sin duda a Lanthimos le pega utilizar un recurso como ese. Me encanta cuando hace sus películas un poco más raras, cuando se niega a caer en lo que Hollywood está acostumbrado a ver. Kinds of Kindness acaba con la misma fuerza con la que empezó, esta vez con ese baile de Emma Stone en traje en medio de un aparcamiento que parece añadirnos años de vida y que tanto había marcado ya a la comunidad cinéfila desde que salió el trailer. Me encanta este Lanthimos, el que no tiene problema en hacer lo que le da la gana y añadirle una fina capa de surrealismo a todo. Su nueva película no decepciona ni un poco aunque reconozco que quizás no sea para el público general, pero será un éxito absoluto para cualquiera al que le hubiera gustado de sobremaneraKilling of a Sacred Deer. 

Reparto: Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Joe Alwyn, Mamoudou Athie, Hunter Schafer, Susan Elle, Merah Benoit, Elton LeBlanc, Cynthia LeBlanc, Rose Bianca Grue, Krystal Alayne Chambers, Jess Weiss, Victoria Harris, Ja'Quan Monroe-Henderson, Timothy Hinrichs, Nathan Mulligan, Julianne Binard, Tessa Bourgeois, Tremayne Cole, Christian M. Letellier

El viaje de Chihiro

28 de junio de 2024

2001, 125'

Dirección: Hayao Miyazaki

Chihiro es una niña de diez años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un túnel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los seres humanos, sólo para los dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

Una de las películas más esperadas del ciclo de Miyazaki que estamos teniendo en Embajadores Foncalada, y posiblemente la más conocida de su director. Entré ya con expectativas muy altas (porque, por alguna razón, no la había visto nunca antes), y sin duda se cumplieron. Toda la película derrocha una belleza casi mágica, unas imágenes que hipnotizan a su público de una manera que solo Miyazaki sabe hacer. Las criaturas que vemos en pantalla son únicas y especiales cada una a su manera, tan cuidadosamente creadas que verlas en el entorno fantasticamente perfilado de la película hace que se sienta como estar en casa, como un suave abrazo. Hay tantos pequeños detalles, tantas brillantes características en los personajes, que no podría pararme a analizarlos todos. Me ha parecido ver bastantes similitudes con El chico y la garza (o, más bien, El chico y la garza tendrá muchas similitudes con El viaje de Chihiro), desde Yubaba que es medio pájaro medio humana tal y como lo es la garza de su última película, hasta lo mucho que recuerdan los warawara de El chico y la garza a los susuwatari de El viaje de Chihiro, que aparecen también en Mi vecino Totoro. No es de extrañar entonces que estas tres películas (Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro y El chico y la garza) sean hasta ahora mis favoritas de Miyazaki. Ha sido una tremenda suerte poder ver esta maravilla en la gran pantalla, y soy plenamente consciente de que no es algo que se pueda hacer todos los días. Me siguen quedando muchas ganas para las películas que están por venir, pero creo que estará muy difícil superar esta. 

Reparto: -

Título en inglés: Spirited Away

Not a Pretty Picture

27 de junio de 2024

1976, 82'

Dirección: Martha Coolidge

En 1962, a los 16 años, la directora Martha Coolidge fue violada durante una fiesta por parte de un compañero de clase mayor que ella. Doce años más tarde, la cineasta examina esta agresión sexual vivida en carne propia y recrea las circunstancias que la rodearon con un grupo de actores en un destartalado loft de Nueva York. Dispuesta a hablar de su agresión sin tapujos, Coolidge también sabe escuchar, permitiendo a su reparto mantener conversaciones sinceras sobre la psicología y la desequilibrada dinámica de poder inherente al abuso sexual.

Con unas imágenes y un formato que me recordaba a ratos a All the Beauty and the Bloodshed, Not a Pretty Picture nos trae una historia compleja y trágica de una manera amigable, haciendo que el público la vaya entendiendo al mismo ritmo al que lo hacen los actores a los que vemos preparar la representación de aquel preciso incidente. Artísticamente resulta muy bella, pero sorprende sobretodo lo rompedora que resulta teniendo en cuenta el año en el que se estrenó, cuando todo lo relacionado con las agresiones sexuales era mucho más tabú que ahora. Brilla especialmente lo que comparte el actor que interpretará al violador en la escena, que comparte cómo se siente acerca de lo que está a punto de representar y cómo conecta con su vida y las vidas de las personas a las que conoce. Vemos sutilezas en ello que nos aterran al mismo tiempo que las entendemos como plausibles, representando así el problema como lo que es: originado por los hombres y no por las mujeres. No son las mujeres con lo que se ponen o lo que hacen, sino los hombres con sus "necesidades" y su decisión de imponerse para conseguir lo que desean. Ha sido un placer ver esta copia restaurada en la pantalla grande, y siento que hay mucho en ella de lo que se podría aprender. 

Reparto: Michele Manenti, Jim Carrington, Anne Mundstuk, John Fedinatz, Amy Wright, Stephen Laurier, Hal Studer, Martha Coolidge, Reed Birney, Diana Gold

Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan

26 de junio de 2024

2006, 84'

Dirección: Larry Charles

Sacha Baron Cohen, el peculiar protagonista de Ali G anda suelto, interpreta a Borat, un reportero de Kazajistán. Por orden de su gobierno, el periodista va a Estados Unidos para rodar un documental pedagógico, que debe recoger las mejores enseñanzas de los USA para que su país las aproveche. Pero el trabajo no será tan fácil como parece...

Algunos dirán que no aguanta el paso del tiempo, pero quizás sea porque no la están viendo con la mirada adecuada. Divertida y surrealista unas veces, excesiva otras tantas, Borat es sin duda una película (y falso documental) particular. La extravagancia de su protagonista se junta con la personalidad característica de los estadounidenses para dar lugar a una mezcla más que curiosa. Y a pesar de todo eso, lo más raro de la película es, de hecho, ver cómo los neoyorquinos se escandalizan y sorprenden a ver a alguien que actúa de la forma en la que lo hace Borat, teniendo en cuenta que los habitantes de esa ciudad están ya más que acostumbrados a absolutamente todo. Sé que no es una película para recomendarle a todo el mundo, pero si uno entra con las expectativas bien ajustadas puede pasar un buen rato. 

Reparto: Sacha Baron Cohen, Pamela Anderson, Ken Davitian, Alan Keyes, Bob Barr, Luenell, Mitchell Falk

El hombre de la cámara

25 de junio de 2024

1929, 68'

Dirección: Dziga Vertov

El Hombre con la Cámara, muy en la línea de Berlín, sinfonía de una gran ciudad (Berlin: Die Sinfonie der Großstadt, 1927) describe el trascurso de un día en una ciudad rusa mediante cientos de pinceladas fílmicas sobre la vida cotidiana. Podría decirse que se trata de un retrato puntillista en el que sólo la totalidad de los breves retazos permiten percibir la ciudad en su totalidad. Con la complicidad de su hermano, el operador Mikhail Kaufman, Vertov, fiel a sus teorías, no permite ni por un momento que se pueda suponer que alguno de esos retazos pueda imaginarse inventado. Por ello en el vertiginoso montaje que plasma la fascinación de Vertov por el constructivismo y el futurismo, introduce constantemente imágenes del operador que con su cámara está filmando la realidad que le rodea.

Sin intertítulos, sin guión, sin teatralidad. Así se nos presenta la película, viniendo después una cinta que en ocasiones parece un documental normal y en ciertos momentos recuerda a The Cameraman de Buster Keaton, o quizás a los bellos efectos que este mismo director conseguía en Sherlock, Jr. con la pantalla de cine al final de la película. La calidad de la imagen de esta película soviética de 1929 es tan buena que sorprende, y nos regala experimentos artísticos extraños que son tremendamente ingeniosos y atractivos. En otras ocasiones, cuando estamos viendo un documental normal, lo que atrae es la belleza de las imágenes de las cosas más normales. Se nota que el director quiso jugar con lo que ofrecía aquello que por aquel entonces era el nacimiento del cine, y que uno no sabía a dónde iba a llegar. El cine mudo soviético es sin duda particular, y no se me podía quedar este clásico sin explorar. 

Reparto: -

Título en inglés: Man with a Movie Camera

De repente, el paraíso

24 de junio de 2024

2018, 97'

Dirección: Elia Suleiman

El director Elia Suleiman viaja a París y a Nueva York en busca de similitudes con su tierra natal, Palestina. También puede decirse que Suleiman huye de Palestina buscando un nuevo hogar, tan solo para darse cuenta de que Palestina parece estar siguiéndole, sin importar el sitio al que vaya. La promesa de una nueva vida pronto se convierte en una comedia llena de errores.

Con un estilo de Woody Allen que encarna su director, Elia Suleiman nos trae una película inconexa pero bella que no se sabe muy bien de qué va pero que tampoco busca tener un argumento claro, tan solo transmitir mediante imágenes. La historia es inconexa y en ocasiones uno no sabe dónde está su protagonista ni en qué momento ha viajado de un país a otro, sin que nos importe demasiado esa sensación porque se va disfrutando del camino. Las referencias al país de origen de Elia Suleiman (tanto en la realidad como en la película), que también es el que produce De repente, el paraíso, son pocas y sutiles pero están ahí, como ese ángel con la bandera palestina que es perseguido por la NYPD hasta desaparecer (¿ha desaparecido por la acción de los estadounidenses? ¿o ha huido dejando entender que nunca podrán capturarlo?). Hay incluso una pequeña broma sobre el empeño de los norteamericanos de hacer películas en las que personajes que deberían estar hablando otra lengua se comunican entre ellos en inglés, particularmente irónico porque se sigue haciendo mucho; por lo pronto me viene a la mente la reciente Napoleon. De repente, el paraíso quizás no sea directa en sus ideas pero sin duda es agradable de ver. 

Reparto: Ali Suliman, Elia Suleiman, Holden Wong, Robert Higden, François Girard, Gael García Bernal, Sebastien Beaulac, Raia Haidar, Alain Dahan, Basil McKenna, Aldo Lopez, Stephen Mwinga

Título en inglés: It Must Be Heaven

The 39 Steps

23 de junio de 2024

1935, 86'

Dirección: Alfred Hitchcock

Richard Hannay está en un music-hall londinense. De repente, suena un disparo y comienza una pelea. En medio del tumulto, una chica asustada le pregunta si puede ir con él. Richard accede y la lleva a su apartamento...

Sin duda Alfred Hitchcock apuntaba maneras ya desde bastante pronto en su carrera, pero sus películas tempranas no llegan del todo a lo que fueron sus grandes obras maestras. Aunque su estilo se empiece a intuir, sus primeras películas como lo es The 39 Steps pueden quedar algo olvidadas entre las de otros directores, sin destacar tanto como se podría esperar del genio del suspense. Sin duda debió ser un proceso de aprendizaje, porque ya todos sabemos lo que llegó a ser capaz de hacer más adelante, así que no se puede juzgar demasiado la calidad de sus primeras películas. 

Reparto: Robert Donat, Madeleine Carroll, Lucie Mannheim, Godfrey Tearle, Peggy Ashcroft, John Laurie, Helen Haye, Wylie Watson

Título en español: 39 escalones

Nausicaä del Valle del Viento

21 de junio de 2024

1984, 117'

Dirección: Hayao Miyazaki

En un futuro lejano, mil años después de una guerra de carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva, tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa Kushana, invade El Valle del Viento.

La retrospectiva de Miyazaki que se está haciendo en Embajadores empieza con Nausicaä del Valle del Viento, que está ahora también en otros cines por ser el 40 aniversario de su estreno. Varios trabajadores del cine me prometieron a la entrada que era muy buena incluso en el estándar de Miyazaki, y creo que ahora ya puedo afirmar que seguramente no vaya a haber ninguna película suya que no merezca la pena. No me parece ni de lejos la mejor, ni llega a niveles como el de Mi vecino Totoro, pero quizás sea también parte de gusto personal porque suelo preferir las que son algo menos bélicas. Se nota en el estilo también que es de los 80 frente a otras más recientes que ha dirigido Miyazaki. De todas maneras, las imágenes naturales y de seres fantásticos siguen cautivando al espectador como ya pasa en otras de sus películas. Sin duda uno no debe dudar nunca de este director. 

Reparto: -

Inside Out 2

21 de junio de 2024

2024, 97'

Dirección: Kelsey Mann

Secuela de Inside Out. Riley entra en la adolescencia y el Cuartel General sufre una repentina reforma para hacerle hueco a algo totalmente inesperado: ¡Nuevas emociones! Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco, con años de impecable gestión a sus espaldas (según ellos...), no saben muy bien qué sentir cuando aparece Ansiedad. Y parece que no viene sola.

No es fácil seguir una maravilla como Inside Out, una película que conectó tanto con niños como adultos y que era (y sigue siendo) tremendamente ingeniosa. Tuvimos mucho que aprender de ella, no solo los niños que la fueron a ver quizás sin entender demasiado sino también los que éramos ya (casi) adultos; recuerdo que uno de los mejores profesores de mi carrera mencionaba siempre esa escena en la que Bing Bong señala que conoce un atajo, leyéndose sobre él el mensaje "Peligro. ¡No entrar!" sobre la puerta de Pensamiento abstracto. Sin duda es algo que parece faltar más de lo que debería. Pequeños detalles como ese, así como la construcción de la película en general, hicieron que el Inside Out original fuera una gran obra nada fácil de seguir. En cuanto a esta secuela, y a pesar de que intento no leer nunca reseñas antes de haber visto la película, di accidentalmente en Letterboxd con lo que escribió David Ehrlich para IndieWire; fue lo primero que leí sobre Inside Out 2 y no parecía ponerla demasiado bien, algo que parecía alinearse con mi propia preocupación de cómo de factible iba a ser seguir una película tan buena como la primera y mantener su calidad. Fui con ese miedo a la proyección, pero nada más lejos de la realidad; a mi juicio sin duda mantiene la calidad de la primera aunque ya no tenga ese factor innovador, y es una bella y bastante precisa representación del inicio de la adolescencia. 

Me gustaría haberla podido ver en versión original, sobretodo por las voces de Maya Hawke y Ayo Edebiri de las que tan bien se ha hablado, pero al final ha tenido que ser doblada; tampoco me importa casi cuando se trata de animación (a no ser que fuera anime). Empezamos la película con la Riley de siempre, pero no tarda en llegar un equipo de construcción con un cartel de "Perdón por el desorden, la pubertad es complicada". Después de eso se desata la locura, tal y como ocurre en la realidad cuando uno cumple los trece años. La cabeza de Riley se llena de nuevas emociones: Ansiedad, Envidia, Vergüenza y Aburrimiento (o, técnicamente, Ennui); y una breve aparición de nostalgia. La manera en la que empiezan a tomar el control de Riley parece tan realista que casi cuesta creerlo. Alegría, que siempre ha sido la líder de la mente de Riley, ahora queda desterrada por Ansiedad. Parece que Alegría no ha aprendido (ni aprende en esta película) de sus errores pasados, porque el deseo de que Riley esté completamente bien todo el tiempo la lleva a ser desterrada junto a las otras cuatro emociones principales. ¿Acaso no se había quedado ya con la moraleja de la primera película de que no puede tratar de controlarlo todo? Parece hacerle click un poco más allá en la historia, cuando dice "A lo mejor es lo que pasa al hacerte mayor, que sientes menos alegría". Sé que a los niños les hace gracia ver esta película, pero hay ciertas cosas que solo entendemos de verdad aquellos que ya somos un poco más mayores. Inside Out 2 tiene también una representación de un ataque de ansiedad tremendamente preciso, parecido a como pasó el año pasado en Puss in Boots: The Last Wish. Y no solo eso, sino que Inside Out 2 hace un muy buen trabajo al reflejar lo que ocurre justo después: cuando empiezas a ser consciente de los alrededores, de las texturas de los objetos. Esa extraña calma, esa sensación de tranquilidad que llega después de un ataque de ansiedad. La película ha captado tan bien tantos aspectos no solo de la adolescencia sino de las emociones humanas en general que es difícil que a uno no le guste. Ha habido aplausos cuando ha acabado, sin duda bastante merecidos, e incluso las pequeñas escenas mientras aparecen los créditos (en las que nos metemos en las mentes de los padres de Riley) han sido tremendamente buenas. Iba con algo de miedo por no estar segura de que fueran a poder alcanzar el nivel que marcaron en la primera película, pero salí de la sala muy contenta con lo que vi. 

Reparto: Amy Poehler, Maya Hawke, Kensington Tallman, Phyllis Smith, Lewis Black, Tony Hale, Liza Lapira, Ayo Edebiri, Adèle Exarchopoulos, Diane Lane, Kyle MacLachlan, Paul Walter Hauser, Frank Oz, Flea, Grace Lu

Título en español: Del Revés 2

En nombre de la tierra

20 de junio de 2024

2023, 115'

Dirección: DK Welchman, Hugh Welchman

La historia de una campesina, Jagna, obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, Boryna, a pesar de que ella está enamorada de su hijo, Antek. Con el tiempo, Jagna se convierte en objeto de la envidia y el odio de los aldeanos, y tiene que luchar para preservar su independencia. Ambientada en la campiña polaca en la cúspide de los siglos XIX y XX, los giros dramáticos de la historia se relacionan con los cambios de estación, el trabajo duro en el campo y las fiestas tradicionales locales.

Una verdadera proeza artística, con unas imágenes bellísimas que parecen, literalmente, cuadros. La película se ha rodado con actores y los artistas se han basado en ellas para pintar cada fotograma sobre un lienzo en blanco, obteniendo un resultado con el que cuesta creer a ratos que todas esas expresiones no hayan sido hechas por unos actores con sus rostros sino por unos artistas con sus manos. Ver la pantalla parece a veces como estar frente a un cuadro en un museo. Un resultado así sin duda no lo conseguiría una inteligencia artificial por mucho que algunos se empeñen; se nota aquí que ha habido personas detrás de esta creación, el cariño y el tiempo que ha llevado. Las imágenes de la naturaleza y los animales resultan bellísimas, y parecen compensar que la historia en sí no da mucho, pero es que en mi opinión el valor de esta película no radica en de lo que va sino en el festín visual que crea. 

Reparto: Andrzej Konopka, Julia Wieniawa-Narkiewicz, Robert Gulaczyk, Malgorzata Kozuchowska, Miroslaw Baka,Sonia Mietielica, Ewa Kasprzyk, Sonia Bohosiewicz, Kamila Urzedowska

Los indeseables

18 de junio de 2024

2023, 101'

Dirección: Ladj Ly

Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un joven médico idealista, es nombrado para sustituirle. Pretende continuar la política de su predecesor, que soñaba con rehabilitar este barrio obrero. Haby, una joven francesa de origen maliense que vive en uno de los bloques de pisos en ruinas, se niega a que su familia sea expulsada del barrio donde creció.

Una proyección seguida de un encuentro virtual con el director de una película que fue el año pasado al SSIFF. Muy acertada en los temas que trata y las críticas que hace, pero siento que tampoco sabe a mucho más. Se sigue notando que es ese cine francés tan característico, y a pesar de lo que sin duda intenta artísticamente parece que quizás no llegue a tanto. De todas formas está bien, sobretodo por la realidad que representa y los temas sociales que trata. Tal y como ha dicho el propio director al acabar la película, en tiempos actuales en los que la extrema derecha va creciendo en Europa, este tipo de conversaciones son más importantes que nunca. 

Reparto: Anta Diawmm, Alexis Manenti, Aristote Luyindula, Steve Tientcheu, Aurélia Petit, Jeanne Balibar, Valentin Pradier, Judy Al Rashi, Mohamad Al Rashi, Djénéba Diallo, Bass Dhem, Gladys Chauvellier, Nizar Ben Fatma, Olivier-Pierre Richard, Philippe Collin, Stefan Godin, Carima Amarouche, Madeleine Baudot, François Perache, Stéphane Mercoyrol, Eladj Ly, Haby Ly, Corinne Valancogne, Bangali Konate, Abdelkader Hoggui, Timera Moussa, Astan Bathily, Sherif Bathily, Cédric Briquez, Ophir Azoulay, Christophe Vandevelde, Juliette Savary

Título en francés: Bâtiment 5

Bar Bahar. Entre dos mundos

17 de junio de 2024

2016, 103'

Dirección: Maysaloun Hamoud

Salma, Laila y Nour, tres mujeres palestinas que viven en un apartamento de Tel Aviv, intentan encontrar un equilibrio entre la tradición y la cultura moderna. Palestinas con pasaporte israelí, las tres han optado por vivir una vida de libertad en Tel Aviv, lejos de sus lugares de origen. Las tres buscan el amor, pero pronto se darán cuenta de que una relación escogida por ellas no es algo fácilmente alcanzable.

Esta segunda sesión del ciclo de cine árabe de Embajadores nos trae una película muy distinta a la primera, teniendo lugar al otro lado de la frontera y con una visión radicalmente diferente. No sé si influye también que una fuera una producción palestina y esta lo sea israelí. Seguimos la vida de tres jóvenes mujeres palestinas que viven en Tel Aviv, la manera en la que empiezan a crecer en el mundo, al que tienen que empezar a hacer frente. Salma, de origen palestino cristiano, descubre cómo su identidad como lesbiana encaja en los valores de su familia. Laila, tremendamente liberal y aficionada a salir de fiesta a la vez que mantiene una carrera (¿o unos estudios?) de derecho de la que apenas se habla, debe cuestionarse el tipo de futuro que quiere y si se verá influenciado por los deseos de los hombres con los que se junta. Nour, que sigue valores mucho más tradicionales, se verá obligada a enfrentarse a las consecuencias más oscuras del futuro matrimonio al que se encamina al mismo tiempo que descubre una manera de vivir muy distinta. Las tres se juntan y se acompañan en un camino que no es para nada fácil, dándonos una lección de sororidad que no viene únicamente de las mujeres sino en ocasiones también de los hombres que menos se espera uno, como el padre de Naur y el gesto que tiene al final de la película. Bar Bahar toca de todo –la sexualidad, la libertad de las mujeres, los matrimonios concertados, la violencia por parte de los hombres, las restricciones de la religión musulmana– pero también, convenientemente, se deja fuera mucho –a esos judíos israelís que no salen en toda la película y que parecen quedar de fondo como si no tuvieran, como todas las religiones, sus propios prejuicios; el hecho de que esta es una minoría de entre los palestinos que viven y trabajan en Israel, que mayoritariamente conviven en condiciones mucho peores–. A pesar de lo interesante de la historia y el valor que tiene escucharla, no puedo evitar pensar que esta producción israelí intenta dar ciertas lecciones sobre lo negativo de la religión musulmana y las culturas palestinas mientras no se moja con lo que ocurre en el resto de Tel Aviv. Quizás en otras circunstancias no me habría dado esa impresión, y es posible que tenga mucho que ver con el año y el momento histórico en el que la estoy viendo, así como el que sea parte de este ciclo de cine árabe en los cines Embajadores Foncalada precisamente en 2024. El contraste con la película de la semana anterior es grande, las historias son radicalmente distintas, y los puntos de vista completamente alejados. Sigo teniendo muchas ganas de lo que este cine tiene que ofrecer estos próximos lunes que nos quedan. 

Reparto: Mouna Hawa, Shaden Kanboura, Sana Jammalieh, Mahmud Shalaby, Aiman Daw, Ahlam Canaan, Samar Qupty, Riyad Sliman, Firas Nassar, Meitar Paz

Apocalypse Now

16 de junio de 2024

1979, 181'

Dirección: Francis Ford Coppola

Durante la guerra de Vietnam, al joven Capitán Willard, un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense, se le ha encomendado entrar en Camboya con la peligrosa misión de eliminar a Kurtz, un coronel renegado que se ha vuelto loco. El capitán deberá ir navegar por el río hasta el corazón de la selva, donde parece ser que Kurtz reina como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un dios.

Este clásico dirigido por un maestro del cine tiene varias versiones (la del estreno, la Redux y el Final Cut), siendo el Final Cut (el más largo de los tres) el que se ofrece en Filmin, así que había que encontrar un día especial para adentrarse en esta obra de tres horas. Curiosamente, a pesar de haberla visto en casa, no se hace larga. Muchas de las películas de Coppola tienden a que les pase eso. Es ya ampliamente conocido que el rodaje de Apocalypse Now no fue precisamente ordinario, e incluso la propia Eleanor Coppola, mujer de Francis, escribió el libro Notas a Apocalypse Now: Crónica de un rodaje maldito, que yo ahora tengo unas inmensas ganas de leer. Pero nada de eso afecta negativamente a la película resultante, ni siquiera un poco. Las imágenes son tan espectaculares que de vez en cuando uno se olvida de la historia, y el trabajo de fotografía que hay detrás de la película es impecable. Los colores y los contrastes no son solo tremendamente bellos sino que cuadran a la perfección con lo que se busca representar, con ese calor infernal que se debía sentir, ese particular agobio. Todos estos recursos hacen que el sudor en la frente de los personajes cobre todavía más vida, contándonos lo que hay detrás. Las sombras en el rostro de Marlon Brando, que tarda mucho en aparecer, le dan a su personaje una oscuridad que no se conseguiría si pudiéramos verlo por completo. Fuera de los impresionantes recursos artísticos, la historia es cuanto menos curiosa, sobretodo teniendo en cuenta en lo que se basa y la guerra de la que trata. A veces a uno le viene a la mente Full Metal Jacket, aunque la película de Kubrick sea muy claramente más crítica con la guerra que la de Coppola. Aunque en un principio parezca que Apocalypse Now no es especialmente crítica con la guerra (y no solo cualquier guerra, sino esta, la de Vietnam, en la que Estados Unidos se recreó yendo a asesinar a civiles como bien podemos ver en la película; algo que no es para nada ajeno a un país que no tiene problema en seguir haciéndolo o fomentándolo), el final parece claro, hablando repetidas veces de "the horror, the horror". Lo que uno aprenderá de esas palabras no está claro, porque sin duda el país norteamericano se ha recreado este último siglo en el estrés postraumático de sus soldados, del que tantísimo se habla siempre, sin recordar (o querer recordar) todo lo que ellos hicieron sobre civiles que nunca buscaron ser parte de una guerra. ¿Y con qué intención las pronunciaba Kurtz, el personaje de Marlon Brando? ¿De qué manera las reproducirá Willard, interpretado por Martin Sheen, cuando (según parece al acabar la película) salga de Camboya y vuelva a su país? No creo que tengamos forma de saberlo. El último tercio de la película alcanza una tensión que lleva construyendo ya durante dos horas, y que sabe mantener a la perfección hasta el final. Hemos estado viendo los horrores constantes, las muertes de los estadounidenses en las que tanto nos enfocamos y de los civiles vietnamitas en las que apenas se para la cámara, porque, tal y como lo ven los protagonistas, no son tan importantes. Lo deja claro Willard al principio cuando dice que ha matado a muchos vietnamitas en el pasado, que no tenía problema con ello, pero que la idea de matar a un estadounidense era distinta. ¿Acaso son los demás inferiores? Parece que sí. Aún así, viendo nosotros como público algunas escenas como aquella en la que retienen y asaltan un barco en el que no hay más que una familia con animales y alimentos, no podemos evitar que se nos retuerza el estómago. El acto reflejo de los estadounidenses ha sido y es siempre disparar primero y preguntar después, y esta guerra no fue una excepción. No sé qué esperaba Coppola despertar en su público, si creía que iba a resultar ser más inteligente y sutil o más americano (con todo lo que ello implica), pero sin duda da todas las herramientas para que uno vea, muy claramente, el horror del que habla Marlon Brando. Siento que es una película que podría volver a ver, quizás después de leer el libro de Eleanor Coppola y saber un poco más de aquel rodaje, pero sin duda mejoraría mucho la experiencia si pudiera ser en pantalla grande. De momento nos contentamos con verla así, y confirmar una vez más la brillantez del gran Francis Ford Coppola. 

Reparto: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Sam Bottoms, Albert Hall, Laurence Fishburne, Harrison Ford, Dennis Hopper, G.D. Spradlin, Christian Marquand, Aurore Clément, Cynthia Wood, Colleen Camp, Damien Leake, James Keane, Herb Rice, Scott Glenn, R. Lee Ermey

Mothers' Instinct

14 de junio de 2024

2024, 94'

Dirección: Benoît Delhomme

Alice y Celine, disfrutan de sus idílicas vidas junto a sus respectivos hijos y exitosos maridos. Son mejores amigas y vecinas. La perfecta armonía de sus vidas se rompe repentinamente después de un trágico accidente. Una combinación de culpa, sospecha y paranoia destruye el vínculo entre Alice y Celine dando lugar a una dura batalla psicológica cuando los instintos maternales de ambas revelen su lado oscuro para defender a los suyos.

Los cines Embajadores Foncalada cada vez se superan más a sí mismos, porque ahora hemos podido tener incluso fichas impresas de las películas proyectadas para leerlas antes de la sesión. Además, y ya independientemente de las películas en sí, la selección de tráilers que aparecen antes de la proyección es estupenda; en este caso, y entre otros, ha estado el de Memory, película también protagonizada por Jessica Chastain y que tuve la suerte de ver ya en el Festival de San Sebastián con una presentación con Jessica y su director Michel Franco. No tarda en empezar Mothers' Instinct, y uno se mete en la historia rápidamente. Lo primero que destaca es la brillante actuación de sus protagonistas, que es seguramente lo que más tira de la película y donde radica la gran parte de su valor. Jessica Chastain y Anne Hathaway son las que consiguen mantener una suave tensión durante esta hora y media, las que dan unas brillantes sutilizas a sus personajes y llevan al espectador a preguntarse qué va a pasar después. Quizás si hubiera visto la película original en la que esta se basa se habría ido parte de ese suspense, pero creo que prefiero haber tenido la experiencia yendo a ciegas. Se les une en el reparto un inesperado Anders Danielsen Lie, al que al principio me costaba ver como un hombre estadounidense típico de los 60 por lo muy acostumbrada que estoy a asociarle con las películas noruegas de Joachim Trier. Sin duda tanto él como Josh Charles dan una brillante actuación, pero no tan espectacular como la de Chastain y Hathaway, que llevan todo el peso de la película a sus espaldas. Durante toda la película le asaltan a uno ideas de lo que puede estar pasando y cuál será el rumbo que tomará la historia, la principal de ellas: ¿se convertirá (o intentará hacerlo) Celine en una nueva madre para Theo ahora que no tiene a su propio hijo? Parece ser lo obvio, pero la película se las apaña para no caer directamente en algo tan sencillo, dando bastantes momentos de tensión entre medias. Dudo que la película hubiera funcionado tan bien de no ser por lo que aportan a ella Jessica y Anne, pero es que teniéndolas a ellas como protagonistas era bastante difícil que fuera a fallar. 

Reparto: Jessica Chastain, Anne Hathaway, Josh Charles, Anders Danielsen Lie, Caroline Lagerfelt, Steve Routman, Blaise Alexandre, Lauren Yaffe, Scott Robertson, Keeley Miller, Joel Nagle, Larry Petersen

Título en español: Vidas perfectas

Los pequeños amores

13 de junio de 2024

2024, 95'

Dirección: Celia Rico Clavellino

Teresa cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre, que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.

Lo mundano de la vida, representado en un estilo que recuerda en ocasiones casi a Matria (protagonizada por María Vázquez, al igual que esta película) o Clementina (quizás por todo aquello de las reformas en la casa y la parte humana a lo que suelen estar vinculadas). Las relaciones familiares son casi siempre complejas, aunque no necesariamente en un aspecto negativo, y sin duda es algo que se busca reflejar en la película. Todos los hijos acaban sobrepasando a sus padres, sin excepción. (No me gusta esta expresión en castellano, pero no encuentro la que refleje lo mismo que el outgrow someone en inglés: "dejar de estar involucrado con algo o alguien porque has ido cambiando a medida que has crecido"). Es común verlo tanto en películas como en la realidad aplicándose a hijos más jóvenes, pero la edad no lleva a una excepción. Tampoco es algo negativo como puede parecernos en la primera mitad de Los pequeños amores; tan solo es la evolución de dos personas que al fin y al cabo son individuos distintos. A pesar de que creo que esto queda bellamente representado en la película, creo que esperaba un poco más de ella, pero no puedo identificar del todo qué es lo que no me ha encantado. Ha estado bien pero tampoco quedará grabada en el recuerdo, que ya es suficiente. 

Reparto: María Vázquez, Adriana Ozores, Aimar Vega, Blanca Apilánez, Ferran Rañé, Camille Figuereo, Miguel Angel González, Marta Fons, Pep Muñoz, Carme Vilar, David Aguilar, Laura Gaja, Júlia Morella, Jordi Rodríguez, Jesús Prieto Ortiz

On the Waterfront

12 de junio de 2024

1954, 108'

Dirección: Elia Kazan

Johnny Friendly, el jefe del sindicato portuario, utiliza métodos mafiosos para controlar y explotar a los estibadores de los muelles neoyorquinos. Terry Malloy, un boxeador fracasado que trabaja para él, se ha visto involuntariamente implicado en uno de sus crímenes. Cuando Malloy conoce a Edie Doyle, la hermana de la víctima, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie, que trata de animarlo para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe.

Sin duda un clásico del cine que brilla sobretodo por la presencia y brillantez de la actuación de Marlon Brando. Seguramente sea una de las primeras películas que le llevó al alto nivel en el que se mantuvo durante años, y no es difícil ver por qué teniendo en cuenta la manera en la que perfila a su personaje en On the Waterfront. Quizás sea precisamente por la gran calidad de su actuación, pero parece que junto a ella el resto de la película (que aún fantástica) parece quedar en algo menos de lo que podría. Aún así, sigue siendo muy buena y cualquier experiencia merece la pena por ver a un genio de la actuación como Marlon Brando en un papel protagonista como este. 

Reparto: Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb, Pat Henning, James Westerfield, Rod Steiger, Leif Erickson, John Heldabrand, John Hamilton, Martin Balsam, Rudy Bond

Título en español: La ley del silencio

Segundo premio

11 de junio de 2024

2024, 109'

Dirección: Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez

Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción. Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. Esta (no) es una película sobre los Planetas.

La nueva película de Isaki Lacuesta, codirigida por Pol Rodríguez, nos regala unas imágenes con unos bellos contrastes y saturaciones. Los colores parecen acompañar a la música de la película, que casi podría ser un documental. Sus protagonistas son particulares, haciendo cada uno de ellos lo que pueden en busca de la vida que quieren llevar, y seguramente estando más perdidos de lo que creen. No sé si he seguido del todo la estructura de la historia, pero creo que eso es precisamente lo que busca, porque en la vida no hay estructura, tan solo un cúmulo de pequeñas experiencias que nos llevan a donde acabamos estando. En el caso de este grupo, es a grabar un disco en Nueva York. Lacuesta nos muestra esta historia con un gran toque de realidad, de vida mundana, en una película que espero que no quede olvidada en las salas de cine. 

Reparto: Daniel Ibañez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Eduardo Rejón, Chesco Ruiz, Julen Clarke, Jan Caplin, Los Planetas

Paradise Now

10 de junio de 2024

2005, 90'

Dirección: Hany Abu-Assad

Khaled y Said son dos jóvenes palestinos, amigos desde la infancia, a los que reclutan para llevar a cabo un atentado suicida en Tel Aviv. Después de una última noche con sus respectivas familias, de las que no les está permitido despedirse, parten hacia la frontera con explosivos pegados al cuerpo. Sin embargo, nada sale como estaba previsto y una serie de contratiempos les obliga a separarse. Entonces tendrán que replantearse su vida y sus convicciones.

No soy el tipo de persona que deje de lado temas políticos o sociales a la hora de reseñar películas, como ha podido quedar ya bien claro cuando escribí sobre 20 días en Mariúpol, Golda o The Zone of Interest. Esta película, sin duda, no iba a ser la excepción. Es la primera del ciclo de cine mediterráneo árabe que acaba de llegar a Embajadores Foncalada, y que nos da la oportunidad de ver películas que de otra manera no nos llegarían a otras salas (y mucho menos a cines comerciales). Resulta especialmente agradable (y al mismo tiempo triste) teniendo en cuenta la falta de cine árabe que ha habido en los festivales del pasado otoño, algo que me sorprendió de sobremanera; me pregunto si para este 2024 será distinto por la influencia de lo que ha salido de Cannes, donde La semilla de la higuera sagrada (película iraní de Mohammad Rasoulof) se hizo con el premio FIPRESCI así como el premio especial del jurado para su director. Tendremos que esperar para ver si esto afecta a lo que llega para el público general, pero de momento nos servimos de ciclos como este que acaba de empezar en Embajadores. En cuanto a Paradise Now, es una curiosa experiencia verla ahora sabiendo que es una película de 2005 pero que poco ha cambiado, o mejor dicho, lo que ha cambiado lo ha hecho a peor. Mucho de lo que escuchamos decir a sus personajes se sigue manteniendo ahora. Hablan de cómo los opresores deciden que también son víctimas, y de que si aceptan esa dualidad los obligan a ellos a convertirse en víctima y asesino. ¿Acaso podemos juzgar cualquiera de nosotros la desesperación que debe llevar a estos individuos a tomar decisiones radicales? En el coloquio posterior a la proyección había quien señalaba a la religión como la razón de sus actos, pero quizás sea que nuestras mentes no pueden comprender una situación como la que viven ellos, en la que no te queda nada más que responder de la manera que uno pueda, que en ocasiones es recurriendo a la violencia. Da vértigo pensar que solo le vemos lo malo a este terrorismo, y no a la ocupación de Israel ni lo que esta ha provocado sobre el pueblo palestino. Yo no me atrevo ni me atreveré nunca a juzgar el curso de la vida de alguien que ha nacido y crecido bajo una opresión así, que ha visto a su familia morir injustamente y que se ve borrado del mapa como si no fuera ni siquiera humano. Ninguno de nosotros podemos saber qué haríamos en una situación semejante. Hay una voz en la película, la de Suha, que habla de la necesidad del diálogo y la resolución pacífica, que dice que "hay otras formas de liberación, otras formas de resistencia". Aunque tenga razón en su análisis desde un punto de vista algo general e hipotético, me desagrada ver cómo la necesidad del diálogo solo se fuerza sobre los oprimidos y nunca sobre los colonizadores. Hacia el final de la película, cuando por fin vemos a Khaled y Said entrar en Tel Aviv, nos recorre otro escalofrío. Esto es precisamente lo que representaba Glazer en The Zone of Interest: el muro separa dos mundos tan radicalmente distintos que cuesta creer que se encuentren uno al lado del otro. La calidad de vida se ve distinta en Tel Aviv, nos encontramos con una ciudad que no ha sufrido lo mismo que al otro lado de esa valla. Sería raro que ver esto no nos recuerde al Apartheid africano. La película acaba sin que sepamos qué ocurre al final, sin saber si se ha detonado o no la bomba, ni tampoco si ha tenido consecuencias en una escala más grande. La imagen del rostro de Said corta a la pantalla en blanco que luego se desvanece; si eso es una referencia al estallido de una bomba quedará a interpretación del público. La lectura de esta película parece no solo más importante sino radicalmente distinta ahora, en un año en el que se está llevando a cabo un genocidio sobre el pueblo palestino mientras occidente lo ve sin apenas reaccionar. Cuando reseñé 20 días en Mariúpol, donde hablé del tema, mencioné que había ya 25.000 víctimas solo en la franja de Gaza. Ahora la cifra asciende a más de 36.000. No sé cómo se puede hacer que estos horrores calen por fin en nuestra mente, que los pueblos (y sobretodo los gobiernos) de Europa y Estados Unidos frenen algo que está por completo en su mano. Quizás la clave sea concienciar, hacer que más personas vean no solo lo que está ocurriendo ahora sino el contexto de los últimos tres cuartos de siglo. Es posible que estos ciclos sirvan para ello a bajo nivel, aunque sea un poco. El pequeño coloquio que hemos tenido al acabar la película ha hecho que tenga todavía más ganas de las sesiones que están por venir, agradeciendo que Embajadores Foncalada haya conseguido por este medio acercarnos a los asturianos un cine al que no tenemos tan fácil acceso. 

Reparto: Kais Nashif, Ali Suliman, Lubna Azabal, Amer Hlehel, Hiam Abbass, Ashraf Barhom

Un hombre sin pasado

9 de junio de 2024

2002, 97'

Dirección: Aki Kaurismäki

Un hombre que ha perdido completamente la memoria debe reiniciar su vida en una zona marginal, junto a seres humanos apartados de la sociedad.

Kaurismäki es sin duda el tipo de director que tiene un estilo tan marcado que uno ya sabe casi a la perfección lo que va a ver en cuanto empiece la película. Siempre tiene representa una cierta pobreza en sus películas, una vida algo apagada y fría que hace que no nos entren demasiadas ganas de viajar a Finlandia si es que sus obras son representativas del país. Le gusta siempre tener, además, algún que otro grupo de música escondido en alguna parte. En ocasiones es en bares; en este caso aparecen por primera vez en lo que casi parece un armario. Y, cómo no (y al igual que muchos directores de su nivel), le encanta repetir actores para sus películas; a Kati Outinen, por ejemplo, la hemos visto ya en La chica de la fábrica de cerillas, Nubes pasajeras y El Havre. Destaca esa frialdad y seriedad tanto en los personajes que siempre perfila Kaurismäki como en los ambientes en los que los coloca, haciendo que todas sus películas tengan mucho en común, y sin ser esta una excepción. Sin duda es un gran director, y si te gusta alguna de sus obras (como a mí) muy seguramente te gustarán el resto. 

Reparto: Markku Peltola, Kati Outinen, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen, Sakari Kuosmanen, Annikki Tähti, Anneli Sauli, Elina Salo, Outi Mäenpää, Esko Nikkari, Pertti Sveholm, Matti Wuori, Aino Seppo, Janne Hyytiäinen, Antti Reini, Tähti, Marko Haavisto, Jukka Teerisaari, Jyrki Telilä, Jouni Saario

Título en inglés: The Man Without a Past

Hit Man

8 de junio de 2024

2023, 109'

Dirección: Richard Linklater

Gary Johnson es el asesino profesional más buscado de Nueva Orleans. Para sus clientes, es el sicario ideal. Pero si le pagas para que elimine a un cónyuge infiel o a un jefe maltratador, será mejor que tengas cuidado: trabaja para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada que intenta huir de un novio maltratador, se convierte en uno de sus falsos personajes, se enamora de la mujer y coquetea con convertirse él mismo en un criminal.

En lo que se refiere a producciones comerciales estadounidenses normalmente en España estamos o bien en las mismas condiciones que en Estados Unidos o bien en cierta desventaja, porque siempre son ellos los que corren a estrenar sus películas y a los que les llegan antes que a nadie. La última obra de Linklater (y muy muy esperada después de que fuera al festival de Venecia el año pasado, hace ya nueve meses) es una excepción a esto: en Estados Unidos se han visto obligados a que vaya directamente a Netflix (a excepción de unas pocas salas de cine), donde se ha estrenado este fin de semana, mientras que en España sí nos ha llegado en la pantalla grande. No sé cómo ha podido pasar algo así bajo los estrictos criterios de la plataforma de streaming, pero no seré yo la que se queje. Es cierto que ciertos aspectos de la película pueden resultar comerciales del modo en el que lo son muchas de las películas de Netflix, pero hay que recordar que la plataforma no adquirió los derechos hasta que fue al TIFF, habiéndose proyectado ya en Venecia antes y estando claramente acabada. De todas formas, seguramente ciertos aspectos como el póster entre otros sí estuvieran muy influenciados por la plataforma. A primera vista puede parecer que va a resultar ser otra película cualquiera, que podría ir directamente a plataformas sin pasar por salas y no habría demasiado cambio, pero una vez que la ves te das cuenta de que tiene mucho más de lo que parece; y es que uno no debe dudar nunca del poder y el nivel de Richard Linklater. Es posible que no esté siendo del todo objetiva por lo mucho que me gusta el director (de hecho, tengo Before Sunrise entre mis cuatro películas favoritas en Letterboxd), pero la crítica general parece darme la razón. 

La experiencia de ver esta película en una sala de cine ha sido inmejorable. Era la tercera película de este sábado en Embajadores Foncalada, un día sin duda muy cinéfilo. Antes de la proyección, además, se nos regalan tráilers de cuatro magníficas películas: Descansa en paz (protagonizada por la maravillosa Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie), Nausicaä, Kinds of Kindness (trailer que he visto ya tres veces en el día, y que podría ver otras tres más) y Mothers' Instinct. No se me ocurre mejor arranque para lo que nos venía después. Hit Man tiene un toque de comedia que no se ve en todas las demás obras del director (y que por supuesto la aleja mucho de la maravillosa Before Sunrise y sus dos secuelas), pero que sin duda le da un toque particular a esta película. Mezclando estilos del cine negro con un cierto toque ochentero Linklater nos regala una película la mar de entretenida con personajes no solo bien perfilados sino buenísimamente interpretados por sus actores. Glen Powell parece estar ya en todo, pero sin duda cada vez deja más claras sus capacidades. Borda cada uno de los personajes que interpreta en esta película (es decir, el suyo, Gary Johnson, y todos a los que tiene que interpretar Gary) y nos regala periltas como esa breve referencia a American Psycho en el que Gary se convierte en un perfecto Patrick Bateman, no solo brillantemente caracterizado sino interpretado tan acertadamente por Powell que espero que de alguna manera Christian Bale acabe viendo esa parte de la película. La película se desarrolla en ocasiones como una comedia romántica, y creo que la escena en la que Gary va a casa de Madison con la aplicación de Notas del móvil en la mano quedará como una de las mejores que he visto últimamente. El estilo de Hit Man puede que fuera distinto al que me esperaba, pero sin duda uno puede confiar en Linklater para lo que sea. Por suerte hemos podido tenerla en salas, porque por mucho que desde fuera pueda parecer que es una película apta para Netflix, sin duda viéndola en casa la experiencia no sería la misma. 

Reparto: Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta, Molly Bernard, Anthony Michael Frederick, Mike Markoff, Jo-Ann Robinson, Ritchie Montgomery, Nathalie J. Alarcon, Morgana Shaw, Richard Robichaux, Kim Baptiste, Julia Holt, Bryant Carroll, Kate Adair, Evan Holtzman, Jordan Salloum, Gralen Bryant Banks

Título en español: Hit Man. Asesino por casualidad