Dream Scenario

30 de abril de 2024

2023, 102'

Dirección: Kristoffer Borgli

Paul Matthews, un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato. 

Nicolas Cage se deja una barba canosa y de repente recuerda que es un Coppola (pareciéndose con esta nueva apariencia mucho más a su tío, Francis Ford) y que es capaz de dar una actuación de calidad en una película buena. Después de todo lo que ha decidido hacer parece que se nos olvida que ver su nombre en el reparto no es necesariamente un indicativo de que la película va a ser mala. Dream Scenario juega con un tipo de cine raro, tanto que recuerda en bastantes ocasiones a Beau is Afraid, algo que cobra mucho sentido cuando en los créditos vemos el nombre de Ari Aster como productor. Introduce los sueños en la propia película pero también busca crear una cierta sensación de desorientación en el público incluso en las escenas que son reales, algo que consigue de una manera brillante y quizás sutil al hacer un buen uso de la cámara: rompe el eje en varias ocasiones, cambia constantemente el tipo de plano, el ángulo con el que graba ciertas conversaciones. El efecto que tienen estos pequeños detalles es considerable. La historia que relata parece hablarnos de alguna manera de la creación y trato de los ídolos, y más adelante de la cultura de la cancelación. Lo lleva al mayor absurdo haciéndolo mediante un personaje que no ha tenido absolutamente nada que ver con la respuesta del público hacia él. La locura sigue cuando al final la película nos viene con un pseudoanuncio de Apple de un dispositivo que permite meterse en los sueños de otro para hacer publicidad en ellos; que nadie le enseñe esto a Elon Musk, porque le va a encontrar un nuevo uso a su Neuralink. Todos los factores de esta historia (la empresa versión Mr Wonderful que intenta comprar los derechos de la vida de Paul, y que estoy segura de que en sus ofertas de trabajo pone que "somos una gran familia"; el cambio radical de la noche a la mañana que puede haber por parte del colectivo social hacia un individuo; la obsesión de la gente de mirar solo por su propia preocupación y sus traumas por los sueños sin pararse a pensar lo que es sensato ni cómo afecta a Paul todo aquello) están tan bien hilados que creo que empiezo a perdonarle a Nicolas Cage todas esas películas ciertamente cuestionables que ha estado haciendo últimamente. Y, para los que hayan disfrutado de Dream Scenario, me atrevo a recomendar que vean Beau is Afraid; es un tanto más arriesgada, bastante más rara y con opiniones polarizadas al respecto, pero pertenece a ese nicho de películas Ari Aster-ianas que tanto disfrutamos algunos. 

Reparto: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Michael Cera, Tim Meadows, Dylan Gelula, Dylan Baker, Kate Berlant, Lily Bird, Jessica Clement, David Klein, Cara Volchoff, Noah Centineo, Nicholas Braun, Amber Midthunder, Lily Gao, Jennifer Wigmore, Noah Lamanna, Sofia Banzhaf, Star Slade, Kaleb Horn, Paula Boudreau, Marnie McPhail, Mark Coppola, Maev Beaty

Scarface

29 de abril de 2024

1932, 93'

Dirección: Howard Hawks

Tony Camonte, un pistolero de origen italiano, ignorante y sin escrúpulos, es el lugarteniente de Johnny Lovo, el hampón más poderoso del South End de Chicago. Ambicioso y cruel, Camonte, que por una cicatriz que le cruza el rostro recibe el apelativo de Cara cortada, elimina poco a poco a los rivales de su jefe hasta que, con la ayuda de su amigo Gino Rinaldo, le arrebata el poder también a él y se convierte en el amo de la ciudad. Tras un mes de vacaciones en Florida, descubre que su hermana Cesca, por la que siente un amor confuso y arrebatado, es la amante de Gino.

Scarface juega, en mi opinión, con dos factores importantes en su contra. El primero, y quizás el más obvio, es que es inevitablemente comparada con la Scarface de Brian de Palma (película estrenada cincuenta años más tarde y que se basa en esta de los treinta), un indiscutible clásico del cine del que no es nada difícil reconocer su calidad incluso si no se es demasiado afín a ese tipo de películas. El Scarface de de Palma es tal obra que ver esta original a posteriori la hace quedar como algo levemente menor. Y, el segundo, que comparando con el resto de películas de Hawks (quizás más conocido por las comedias, en las que es verdaderamente brillante) parece no aguantar del todo el alto nivel que ha marcado el director. Es por ello que esta Scarface de 1932 quizás sabe a poco, relegada a un segundo plano por haber sido un poco más olvidada detrás del éxito de la película homónima protagonizada por Al Pacino, y sin dar todo lo que quizás se espera de un director como Hawks al que quizás estemos más acostumbrados en películas de otro tono. Si no fuera por todo esto seguramente habría salido con mejor opinión de ella, pero el cine es un arte caprichoso y cuesta a veces verlo separándolo de todo lo demás. Recomendaría quizás verla antes de la película de de Palma y sin conocer demasiado de las obras de Hawks, porque apostaría a que entonces la experiencia mejora considerablemente. 

Reparto: Paul Muni, Ann Dvorak, Karen Morley, Osgood Perkins, C. Henry Gordon, George Raft, Vince Barnett, Boris Karloff, Purnell Pratt, Tully Marshall, Inez Palange, Edwin Maxwell, Dennis O'Keefe

Título en español: Scarface, el terror del Hampa

Viaje hacia el desierto

28 de abril de 2024

2023, 110'

Dirección: Margarethe von Trotta

La extraordinaria y carismática Ingeborg Bachmann ha conquistado con su poesía el bastión dominado por los hombres de la literatura en lengua alemana. Se encuentra en la cima de su carrera cuando conoce al famoso dramaturgo Max Frisch. Su amor es apasionado, pero las fricciones profesionales y personales empiezan a perturbar la armonía. Cuando Ingeborg tiene problemas, sus amigos están ahí para ayudarla, entre ellos Hans Werner Henze y el joven Adolf Opel, periodista vienés y hombre de letras. Juntos viajan al desierto. En este viaje, Ingeborg encuentra el camino de vuelta a sí misma y, sobre todo, a su escritura.

Vicky Krieps da una muy buena interpretación junto a una serie de hombres que acompañan a su personaje, uno de los cuales se parece preocupantemente a un Brendan Fraser caracterizado como el Rabi de Oppenheimer. Sin embargo, la película no parece llegar mucho más lejos. Lo tiene casi todo para funcionar pero conmigo simplemente no conecta. Cuenta con brillantes imágenes y localizaciones, pero la mezcla de historias confunde un poco al espectador, que no acaba de conectar con ninguna de ellas. Aún así, nunca está de más pasar casi dos horas admirando las capacidades de los actores que han trabajado en esta película. 

Reparto: Vicky Krieps, Ronald Zehrfeld, Tobias Samuel Resch, Basil Eidenbenz, Luna Wedler, Marc Limpach, Renato Carpentieri, Katharina Schmalenberg, Nickel Bösenberg, Philip Leonhard Kelz, Joseph Stoisits, Bernd Hölscher, Stefano Bernardin, Roberta Malizia, Martin Vischer, Thomas Wachtler, Helmut Hartl, Tessy Strotz, Elisabeth Chuffart, Martin Wiebel, Sallar Othman, Abudy Ary, Ricardo Angelini, Gregor Burgstaller, Luca Bonamore, Bettina Scheuritzel, Felix Moeller

Challengers

27 de abril de 2024

2024, 132'

Dirección: Luca Guadagnino

Ambientada en el competitivo mundo del tenis profesional, en el que una exjugadora convertida en entrenadora, Tashi, ha conseguido transformar a su marido Art en campeón de varios torneos del Grand Slam. Tras una racha de derrotas, Tashi le inscribe en un torneo 'Challenger' -el torneo profesional de menor nivel-, en el que se reencuentra con Patrick, su antiguo mejor amigo y exnovio de Tashi.

Por fin, después de mucho esperar, se estrena la nueva película de Guadagnino. Challengers estaba programada para estrenarse el año pasado, pero, como otras muchas, se retrasó por la huelga de actores. Sabiendo esto es particularmente irónico verla empezar con el logo de la MGM y su "Ars Gratia Artis" ("el arte por el arte"). Teniendo en cuenta la expectación que había por la película y lo que implica el nombre de Luca Guadagnino (y, cómo no, de Zendaya) ha valido la pena la espera. No hay nada mejor que confiar en el poder de Guadagnino para volver cualquiera de sus películas una obra tremendamente sexy. Por fin tenemos un triángulo amoroso de verdad, uno en el que se tocan los tres extremos. La tensión que se crea durante la película se consigue mantener con un ritmo brillantemente diseñado, que no sé si atribuir a su director, a su editor o incluso a esa magnífica banda sonora. No creo que tenga palabras para describir adecuadamente cómo se sienten esos últimos quince o veinte minutos, solo puedo decir que todos los que estábamos en la sala nos agarramos a nuestros asientos con fuerza mientras conteníamos la respiración. Hay tantos pequeños detalles brillantes en la película que casi siento que hay que verla dos veces para procesarla adecuadamente. Los múltiples paralelismos entre pasado y presente (el grito de Tashi de "come on!", el momento que tiene ella con cada uno de los chicos siempre en el exterior de un coche, la broma sobre la muerte de la abuela de Art, Art escupiendo su chicle sobre la mano tanto de Tashi como de Patrick, y, por supuesto, ese saque, un momento crucial en la película); Tashi sentada en una roca en la playa como si fuera una sirena mientras los dos hombres la miran ensimismados, atraídos por su aura; las pequeñas diferencias entre los gestos de Art y de Patrick (Art siempre más sutil, más tímido, más frágil, como representando una sexualidad reprimida, casi lo contrario a lo que parece irradiar Patrick); el parecido de la hija de Tashi y Art no a este último sino más a Patrick, junto con el hecho de que Patrick y Tashi se acostaron ocho años antes. Hay tanto que analizar que sería necesario un segundo visionado. El trabajo de maquillaje y peluquería es brillante, porque consiguen representar a la perfección el paso del tiempo en los tres personajes, y la banda sonora es algo que no solo acompaña a la película a la perfección sino que siento que la tendré en la cabeza durante mucho tiempo. Y, por supuesto, uno de los aspectos que más brillan en la película: ese uso de la cámara tan excepcional, que parece innovador y adecuado en todas y cada una de las escenas. Se arriesga en varias ocasiones y sale ganando, no solo poniéndonos en el punto de vista del tenista, sino atreviéndose a movernos al punto de vista de la pelota, una decisión que nos dejó a todos con los ojos bien abiertos y que aumenta todavía más la tensión del final de la película. Todo mi aprecio a Luca Guadagnino por haber tenido esa visión para esta película. Veo muy claramente su estilo en varias ocasiones, y la fiesta en la que Art y Patrick conocen a Tashi incluso me recuerda de sobremanera a la de Call Me by Your Name. Consiguió incluso meter una pequeña referencia a Spider-Man al principio de la película, lo cual sin duda provocó una reacción del público que claramente ya conoce el trabajo de Zendaya. La calidad de dirección viene acompañada de unas actuaciones brillantes de los tres protagonistas, la ya más que establecida Zendaya junto con dos actores un poco más nuevos en la conversación, Mike Faist (que formó parte del West Side Story de Spielberg) y Josh O'Connor (al que vimos en la magnífica La quimera). Sin duda Challengers va a seguir en la conversación durante un tiempo, y siento que requiere pararse a pensar un poco en ella (y quizás volver a verla) para sacar de verdad todo lo que tiene que ofrecer. 

Reparto: Zendaya, Josh O'Connor, Mike Faist, A.J. Lister, Nada Despotovich, Naheem Garcia, Hailey Gates, Jake Jensen, Darnell Appling, Mary Joe Fernandez, Christine Dye, Caleb Schneider

Título en español: Rivales

The General

27 de abril de 2024

1926, 79'

(Primer visionado: 24 de abril de 2023)

Dirección: Buster Keaton, Clyde Bruckman

Johnny Gray es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). En 1861, al estallar la Guerra de Secesión, Johnny intenta alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que es un cobarde y lo rechaza. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado en las líneas confederadas le robe La General y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas. 

Estreno el nuevo cine Embajadores en Oviedo con un clásico con piano en directo; no se me ocurre mejor manera de abrir estas salas de manera oficial. Es posible que Buster Keaton sea mi actor/director de cine mudo favorito, y a pesar de todo el reconocimiento que ya tiene entre la comunidad cinéfila siento que debería tener más. Diría que quizás mis dos películas favoritas de él quizás sean The General y Sherlock, Jr., y es curioso que sean justo esas dos las que he podido ver en la pantalla grande. Esta sesión no solo contaba con una magnífica música en directo, sino que la pequeña sala de Embajadores estaba también completamente llena y, curiosamente, había unos cuantos niños entre el público, lo cual hacía que las risas en los momentos cómicos (que son bastantes teniendo en cuenta el estereotipo del cine mudo) resultaran especialmente mágicas. Imagino que la experiencia de ver esta película hace casi cien años debía ser parecida. Además, la versión que hemos visto debía estar restaurada porque era de una calidad excepcional. Los que estamos acostumbrados a ver cine mudo en casa (porque es algo muy raro de encontrarse en salas de cine) solemos hacerlo quizás a veces en las pocas películas que hay en Filmin, pero mayoritariamente en las que han sido subidas a YouTube, donde puede estar la película completa porque al haber pasado tanto tiempo ya no tiene derechos de autor. Esto, junto al hecho de que fueron rodadas hace un siglo y no debe haber sido fácil conservarlas, inevitablemente lleva a que haya que verlas con muy poca calidad, casi pixeladas en ocasiones. Quizás esa sea una de las razones por las que he apreciado tanto esta experiencia, porque me ha dado una de mis películas favoritas con una enorme calidad y resolución; he podido ver con detalle la cara de Keaton, sus expresiones, cada pequeño gesto. Toda la película es una verdadera obra de arte, tan ingeniosa que cuesta creer que tenga ya tanto tiempo, que se rodara cuando el cine estaba todavía en pañales. Veo por lo menos unas diez ocasiones en las que Buster Keaton podría haber tenido un accidente mortal intentando rodarla, pero es que eso es su cine: darlo todo por sus películas, arriesgarse a lo que sea y darnos las escenas de acción (o como sea que sea la manera adecuada de llamar a stunts en español) más impresionantes del cine mudo. Y ya no voy ni a hablar de la escena final en la que el tren cae al río, porque no soy capaz de imaginarme lo difícil que debió ser hacer algo así y saber que solo tienes una única oportunidad para rodarlo. No era mi primera vez viendo The General, pero sin duda hacerlo en una sala llena y con música en directo, además de que fuera estrenando estos nuevos cines, ha sido sin duda particularmente especial. 

Reparto: Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavender, Jim Farley, Frederick Vroom, Charles Smith, Frank Varnes, Joe Keaton, Mike Donlin, Tom Nawm

Título en español: El maquinista de La General

The Fall Guy

26 de abril de 2024

2024, 126'

Dirección: David Leitch

Es doble de acción y, como todo el mundo en la comunidad de dobles de acción, explota, recibe disparos, se estrella, atraviesa ventanas y cae desde las mayores alturas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, recién salido de un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora tiene que localizar a una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración e intentar recuperar al amor de su vida sin dejar de hacer su trabajo diario. ¿Qué podría salir bien?

Kitty Oppenheimer y Ken se juntan para una película un tanto menos seria que las que les llevaron a conseguir una nominación al Oscar en los últimos premios. Da lo que promete, es una película entretenida sin tampoco mucho trasfondo. David Leitch es también el director de Bullet Train, y aunque me pareciera mejor esta última, comparten el mismo estilo de película algo cómica y muy ligera para pasárselo bien una tarde al verla. Creo que está bien para lo que promete, pero uno tiene que ir a ella sabiendo perfectamente el tipo de película que es. Contando con eso, resulta entretenida. Estoy bastante segura, también, de que si no fueran Ryan Gosling y Emily Blunt los protagonistas se perdería mucho de lo que ofrece. Pero es que para eso están aquí estos dos actores nominados al Oscar, para dar una buena interpretación y llevarnos a las salas. 

Reparto: Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson, Winston Duke, Hannah Waddingham, Teresa Palmer, Stephanie Hsu, Lee Majors, Ben Knight, Matuse Paz, Adam Dunn, Zara Michales, Ioane Saula, Gregory J. Fryer, Madeleine Wilson, Angela Nica Sullen, Di Smith, Megan O'Connell, Jack Doherty, Tony Lynch, Georgia Nottage, David Collins, Semu Filipo, Andrew Owen, Dan Reardon, Marky Lee Campbell, Nathaniel Langworthy, Tim Franklin, Beth Champion, Emily Havea, Lawerence Ola, Cassandra Sorrell, Ben Gerrard, Simon McLachlan

Título en español: El especialista

Las cuatro hijas

25 de abril de 2024

2023, 106'

Dirección: Kaouther Ben Hania

La vida de Olfa, tunecina y madre de cuatro hijas, oscila entre la oscuridad y la luz. Un día, sus dos hijas mayores desaparecen.

Era de las pocas que me quedaban por ver de las nominadas a Oscar este año, pero me fue imposible encontrarla en su momento así que aprecio especialmente haber podido verla ahora en el Niemeyer. Un documental sobre una película que asumo que no existe en la realidad, y que te va enseñando la vida de esta familia poco a poco. Al principio de la película no sabes qué ha sido de las dos hijas mayores, tan solo que desaparecieron, así que uno hace sus propias suposiciones mientras ve avanzar la historia (la que están recreando las propias hermanas Chikhaoui y las dos actrices que interpretarán a las dos hermanas desaparecidas, no la historia en tiempo real). Siento que comparte con Persépolis el sentimiento de crecer en un mundo que quizás sea demasiado complejo para comprender a edades tempranas. Veo, también, en cierta medida algo en común con El rapto, otra película que vi en el Niemeyer: te muestra la desesperación y la frustración de una familia después de que uno de sus hijos desaparezca captado por un grupo que de una forma u otra le ha alejado de sus seres queridos. Impresionan las imágenes finales, esas que asumo que son reales, de Rahma y Ghofrane con la hija pequeña de la primera. A pesar de que apenas se vean sus rostros, se aprecia perfectamente la edad que tienen. Una niña que tiene a una niña. Parece difícil que en el occidente privilegiado y desarrollado entendamos la complejidad y el dolor de estas historias. Quizás es porque se nos haya acostumbrado tanto a pensar en las consecuencias que el terrorismo tiene para nosotros que nos olvidamos de lo que supone para ellos. Quizás este documental nos lo pueda recordar. 

Reparto: Hend Sabry, Khaled Abol Naga, Majd Mastoura, Ichrak Matar, Eya Chikhaoui, Tayssir Chikhaoui, Nour Karoui, Olfa Hamrouni

Título en francés: Les Filles d'Olfa

Título en inglés: Four Daughters

Mad Max

24 de abril de 2024

1979, 91'

Dirección: George Miller

En un futuro posnuclear, Max Rockatansky, un policía encargado de la vigilancia de una autopista, tendrá que vérselas con unos criminales que actúan como vándalos, sembrando el pánico por las carreteras. Cuando, durante una persecución, Max acaba con Nightrider, el líder del violento grupo, el resto de la banda jura vengar su muerte.

Dentro de poco se estrenará Furiosa: A Mad Max Saga así que era un buen momento para ver por fin la película de culto que dio inicio a estas películas. No sé si es que no es de mi estilo o simplemente que es algo mediocre, pero me ha decepcionado un poco. Tiene todas las características de un blockbuster clásico, un concepto que precisamente arrancó en los setenta después de que Steven Spielberg estrenara Jaws en 1975, pero se queda muy lejos de la calidad de esta última. Todo lo que veo aquí son coches rápidos (obviamente), cierta violencia, y muchos accidentes. En la primera mitad de la película los personajes que la componen parecen no tener ni un mínimo ápice de desarrollo, y para cuando ya empiezas a ver que se les dota de ciertas emociones ligeramente complejas parece ser demasiado tarde para ello. Igual es que simplemente la película no es para mí, no tengo manera de saberlo. Quedará por ver si le doy una oportunidad a Furiosa, y si es posible que compense lo que me ha parecido esta. 

Reparto: Mel Gibson, Joanne Samuel, Steve Bisley, Hugh Keays-Byrne, Roger Ward, Tim Burns, Geoff Parry, Sheila Florence

Título en español: Mad Max. Salvajes de autopista

Radical

23 de abril de 2024

2023, 127'

Dirección: Christopher Zalla

Basada en una historia real, cuenta la historia de un maestro de una ciudad fronteriza mexicana llena de abandono, corrupción y violencia, que prueba un nuevo método radical para desbloquear la curiosidad y el potencial de sus alumnos, y puede que incluso su brillantez.

Tal y como ya hicieron Dead Poets Society y El maestro que prometió el mar, Radical muestra la belleza que puede surgir en las aulas cuando uno se atreve a hacer las cosas de manera diferente. Sergio, el profesor que llega nuevo a Matamoros, le quita la importancia a los exámenes para centrarse en que sus alumnos aprendan de la forma más genuina posible. La película sabe encontrar un equilibrio muy interesante entre lo precioso y especial de estos niños (o casi adolescentes) y lo duro de la vida real que se ven obligados a llevar. Aunque haya momentos en los que quizás parezca que la historia va a acabar mal (que es como seguramente acaben la mayoría de ellas en nuestro mundo), nos deja con una nota esperanzadora y una buena sensación en el cuerpo. Aunque no por ello hay que olvidar que no todo ha sido bueno en esta historia: Nico no llega a estar en el final, y Lupe acaba quedándose para cuidar al nuevo bebé con su familia que le impide presentarse a la prueba Enlace. Los personajes de esta película (que no son ficticios, porque está basada en una historia real) brillan cada uno a su manera, y no solo el profesor y los alumnos, sino también el director de la escuela que a pesar de sus buenas intenciones parece no saber demasiado de nada al principio de la película, ser quizás un poco bobo a pesar de ser bueno, pero que acaba aprendiendo de Sergio casi tanto o más que sus alumnos. Y no solo él. También aportan enormemente el padre de Paloma, que busca lo mejor para su hija pero no concibe una manera diferente de vivir; el otro profesor, que parece encarnar todo lo que puede funcionar mal en la enseñanza; el administrador, que recuerda en apariencia a Milei sin patillas y que debe tener una ideología similar; la banda con la que se junta Nico, que representa la parte más oscura de las vidas de las familias de Matamoros. Incluso ese niño que aparece un par de veces en la película y se acerca a la escuela para observar con curiosidad. Quizás la historia sea un poco obvia (lo cual no es cosa de la película sino de los hechos reales en los que se basa), pero en ningún momento es un problema a la hora de verla. Igual si algunos de los dedicados a la enseñanza que tanto valoran los exámenes y las calificaciones vieran Radical podrían aprender algo nuevo. 

Reparto: Eugenio Derbez, Daniel Haddad, Jennifer Trejo, Mia Fernanda Solis, Danilo Guardiola, Enoc Leaño, Gilberto Barraza, Ermis Cruz, Erwin Veytia, Víctor 'El Indio' Estrada, Claudia de Bernal, Rocío Canseco, Manuel Márquez, Xochiquetzal Martínez, Edmundo Moñoz, Manuel Cruz Vivas, Allison Pérez Bernal, Andrea Nicole, Kaarlo Isaac Barria, Franco Ortega, Vania Aleysa Parra, Sergio Iván Juárez Correa, Paloma Noyola, Viridiana López, Antonio Lopez Torres, Gabriela Melgoza, Ana Nolasco, Natalie Añorve Toledano, Alexis Briseño, Marco Antonio Aguilar, Paco Peralta, Héctor Arévalo, Jocelyn Chacón

El espejo

22 de abril de 2024

1975, 107'

Dirección: Andrei Tarkovsky

Un hombre, Alekséi, habla con su esposa sobre su situación actual y los motivos por los que se han distanciado. La película es una evocación continua de recuerdos y sentimientos del propio Tarkovsky que viajan en diferentes tiempos sin orden aparente: la relación con su madre, su infancia,...que se mezclan con material fílmico de noticiario sobre la Guerra civil española, la Segunda guerra mundial y el enfrentamiento entre la URSS y China por la isla Damanski. En la película suenan poemas escritos y recitados por Arseny Tarkovsky, padre del director. Retrata un pasado que es el suyo, pero también el de un país y el del acontecer mundial.

Quería que mi primer Tarkovsky fuera especial, así que estaba claro que iba a elegir entre El espejo y Stalker. He optado por la que tiene una de las imágenes más famosas entre los cinéfilos: la de aquella mujer sentada sobre una valla de espaldas a la cámara y admirando el paisaje que tiene frente a ella. No estoy segura de haber entendido por completo la película, pero tampoco creo que esté hecha para ello; más bien busca que sientas, que sus imágenes te conmuevan. Y eso sin duda lo consigue. El cambio entre el blanco y negro y el color, entre diferentes historias, cautiva a cualquiera que la vea con paciencia y una mente abierta. Toda la película rebosa calma y belleza al mismo tiempo que toca temas serios y no tan tranquilos; casi de la misma manera en la que Proust refleja en En busca del tiempo perdido la cotidianidad en tiempos de guerra. Tarkovsky nos fascina de vez en cuando con efectos que no esperábamos, como la de aquella mujer que levita sobre su cama. Pero, sobretodo, intimidan (en el mejor sentido de la palabra) los momentos en los que los personajes miran directamente a la cámara y le dan la sensación al espectador de que "el espejo" quizás no sea solo el título de la película. Es sin duda una obra compleja, particular, y me ha hecho tener todavía más curiosidad por el trabajo de este director que tan sonado es en el séptimo arte. 

Reparto: Margarita Terekhova, Philip Yankovsky, Ignat Daniltsev, Oleg Yankovskiy, Nikolai Grinko, Alla Demidova, Innokenti Smoktunovsky, Anatoly Solonitsyn

Título en inglés: Mirror

One-Eyed Jacks

21 de abril de 2024

1961, 141'

Dirección: Marlon Brando

Tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río es traicionado por Dad, su mejor amigo y compañero de correrías. Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prision de Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Tras ser puesto en libertad, visita a Dad, que se ha convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le presenta a su hijastra Louisa, Jonnhy queda prendado de su belleza y la seduce.

Por fin, y con muchas ganas, hemos vuelto a RADAR en el Filarmónica. Arranca este trimestre con un western, la primera (y única) película dirigida por Marlon Brando. Aunque no haya estado mal, está claro que Brando es mejor actor que director porque One-Eyed Jacks está bien pero tampoco es nada del otro mundo. No se puede ser demasiado exigente con ello, porque dirigir una película por primera vez no debe ser fácil por mucho que sepas del cine por haber estado al otro lado de la cámara. Su actuación, sin embargo, sí que es casi brillante. Tiene durante casi toda la película una sonrisa encantadora, traviesa y quizás ligeramente diabólica en la cara que cuesta imaginar que otros actores pudieran conseguir. Quizás si hubiera seguido dirigiendo habría llegado a crear alguna película excepcional, pero teniendo en cuenta todo lo que nos ha dado como actor parece que eligió el camino adecuado. 

Reparto: Marlon Brando, Karl Malden, Pina Pellicer, Katy Jurado, Ben Johnson, Slim Pickens, Larry Duran, Sam Gilman, Timothy Carey, Miriam Colon, Elisha Cook Jr., Rodolfo Acosta, Hank Worden

Título en español: El rostro impenetrable

El caso Goldman

20 de abril de 2024

2023, 116'

Dirección: Cédric Kahn

En 1969, Pierre Goldman, un intelectual de izquierdas francés, es detenido por tres atracos cometidos en París. De rebote, se le acusa de otro robo, a una farmacia, que acabó con la vida de dos mujeres. Goldman reconoce los tres primeros golpes, pero no su participación en el sangriento atraco de la farmacia. Apoyado por amplios sectores de la izquierda francesa, el juicio de Pierre Goldman desata amplias pasiones y un enorme interés mediático.

Después de ver Saint Omer, Anatomía de una caída y esta película empiezo a pensar que pocas cosas les gustan más a los franceses en el ámbito cinematográfico que las historias sobre juicios. Veo planos similares a los de Saint Omer, pero de El caso Goldman destaca sobretodo que transcurra prácticamente en su totalidad en la sala de juicios. Recuerda incluso, en ese aspecto, a 12 Angry Men a pesar de que la película de Lumet tenga unas intenciones y emociones bastante distintas que esta. Pero sin duda, comparada con cualquiera de las tres películas mencionadas hasta ahora, esta es la que gana en cantidad de palabras por minuto con muchísima diferencia. Cualquiera que vaya a verla debe estar preparado para diálogos y monólogos constantes, veloces y de vez en cuando complejos (claramente, porque están en un juicio y no tomando un café en una terraza). Está basada en un caso real, pero siento cierta curiosidad por saber cómo de fiel es a los hechos por dos aspectos distintos que me han llamado la atención: la clara falta de entendimiento entre el acusado y su abogado (¿no tendrían que, precisamente, estar en la misma página?) y todo ese público que se presenta en el juicio y en ocasiones reacciona como si estuviera viendo un partido de fútbol. Al final de la película, de hecho, parte de lo que el juez está sentenciando es prácticamente inaudible (y solo nos enteramos porque tenemos los subtítulos, porque no sé cómo harían los franceses) por el escándalo que montan los asistentes. Sin duda los franceses son un caso a estudiar. Descoloca también un poco escuchar al juez mencionar que el acusado nació en el 1944 de padres israelitas (¿acaso no es Israel estado solo desde 1948?), pero tampoco te da tiempo a quedarte pensando nada porque el ritmo de la película es frenético. Creo que hace muy buen uso del reducido espacio con el que decide jugar, de los personajes tan bien definidos que tiene. Eso sí, hay que ir preparados para recibir mucha información en muy poco tiempo, porque se ve que el ritmo de los juicios franceses no es para nada relajado. 

Reparto: Arieh Worthalter, Arthur Harari, Jeremy Lewin, Christian Mazucchini, Stéphan Guérin-Tillié, Aurélien Chaussade, Nicolas Briançon, Jerzy Radziwilowicz, Chloé Lecerf, Didier Borga, Paul Jeanson, François Favrat, Arthur Verret, Priscilla Lopes, Ambroise Sabbagh, Lucas Olmedo

Civil War

19 de abril de 2024

2024, 109'

Dirección: Alex Garland

En un futuro cercano, donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de Estados Unidos.

Alex Garland, el director de Ex Machina, viene esta vez con un blockbuster taquillero, seguramente el primero de A24, que está más acostumbrada a producir películas algo más independientes. Seguramente a los que no somos estadounidenses nos falte un poco de contexto para entender la película tal y como fue pensada por su director. Se habla de los estados, de quién está aliado con quién, y quizás estén dando por hecho que el mundo entero es capaz de distinguir entre todo ello – o quizás es solo que la película está hecha con un público estadounidense en mente. Esto último también explicaría la extravagante cantidad de armas que aparecen de manera constante, aunque no me puede sorprender del todo teniendo en cuenta el título. Civil War intenta hacer algún tipo de reivindicación del fotoperiodismo, y al principio parece que lo consigue, pero se va perdiendo hasta que al final lo vemos todo como si no fuera más que una búsqueda de adrenalina, una mezcla entre morbo y la necesidad de ser los primeros en llegar a la primicia, algo muy alejado de lo que podemos ver en la maravillosa 20 días en Mariúpol (un documental, por cierto). La única un poco sensata en este grupo parece ser Lee, interpretada por la icónica Kirsten Dunst, y ya se ve lo que le acaba pasando. Jessie, el personaje de Cailee Spaeny (a la que ya hemos visto protagonizando Priscilla y que también hace un excelente trabajo en esta película), parece empezar como una niña inocente y determinada para acabar convirtiéndose en lo peor que puede dar el fotoperiodismo, a lo que creo que esa profesión aspira a no llegar a ser nunca. Siento que pierde el norte, porque acaba poniéndose en peligro a ella misma y a los demás no tanto por el deseo desinteresado de abrirle los ojos al mundo a las atrocidades que se cometen para que puedan aprender de ellas, sino por la emoción y la adrenalina de la guerra. Y más llamativo que esta extraña imagen que acaba dando la película del fotoperiodismo es el nivel social y político que acaba alcanzando. Para empezar, no sabemos las causas que llevaron a esta Guerra Civil, no entendemos el contexto. No sabemos por qué ciertos estados se alían con unos y se enemistan con otros (incluso si supiéramos más de Estados Unidos desde un principio), no vemos por qué están luchando. Tampoco sabemos el poder del presidente y su bando, que en un principio parecen ser los que van ganando la guerra y al final se da a entender que nunca tuvieron la oportunidad de ello. ¿Era un presidente sensato como puede parecer en un principio o un tirano como se muestra al final? ¿Acaso hay buenos y malos en esta historia (como bien les gusta a estas películas dejar siempre claramente marcado) o son todos simplemente americanos (lo que sea que signifique eso)? Igual tan solo es que, gustándoles tanto la guerra como ya sabemos que les gusta, no encontraron una que provocar o financiar en el exterior y decidieron optar por esto. Sea como sea, me deja algo fría ver lo apolítica que resulta ser una película titulada Civil War. Puedo afirmar con total convicción que Captain America: Civil War tiene más profundidad política que esto. Pero no voy a acabar con una nota totalmente negativa, porque creo que ha sido una película verdaderamente entretenida y que nos ha dado una gran escena con Jesse Plemons. Para lo que promete ser (un blockbuster muy estadounidense) lo cumple casi todo (salvo por lo mencionado anteriormente). Me lo he pasado bien, ya está, es lo importante. A veces quizás haya que frenarse a uno mismo para no buscarle demasiado a algo que no lo pide. 

Reparto: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny, Stephen Henderson, Jesse Plemons, Jonica T. Gibbs, Nelson Lee, Jefferson White, Karl Glusman, Sonoya Mizuno, Juani Feliz, Melissa Saint-Amand, Jared Shaw, Jin Ha, Alexa Mansour, James Yaegashi, Evan Lai, Greg Hill, Edmund Donovan, Nick Offerman, Vince Pisani, Justin James Boykin, Jess Matney, Simeon Freeman, Dean Grimes, Martha B. Knighton

Love Lies Bleeding

18 de abril de 2024

2024, 104'

Dirección: Rose Glass

Jackie está decidida a triunfar como culturista y se dirige a Las Vegas para participar en una competición. En su camino, pasa por un pequeño pueblo de Nuevo México donde conoce a Lou, la solitaria gerente del gimnasio local. El padre de Lou es traficante de armas y lleva las riendas de un sindicato del crimen. Jackie y Lou se enamoran. Pero su relación provoca violencia y ambas se ven inmersas en las maquinaciones de la familia de Lou.

Love Lies Bleeding venía de Sundance con muy buenas críticas no solo para la película sino también para sus dos actrices principales. Creo que a mí me estaba gustando algo más hacia la mitad, pero acabó por perderme un poco al final. Veo mucho Lynch en Love Lies Bleeding, también algo de Cronenberg. Las actuaciones de Kristen Stewart y Kay O'Brian destacan especialmente, haciendo realista ese toque humano de una historia que a primera vista podría no parecer serlo. Tengo una leve intuición de que Rose Glass igual es algo fan de Twilight y de Stewart en esas películas, porque sería difícil convencerme de que esa escena final de Lou y Jackie gigantes corriendo entre las nubes a cámara lenta, con prendas brillantes mientras se miran la una a la otra, no está sacada como referencia a la de Bella y Edward en Breaking Dawn – Part 2. Y es que hay mucho que no me convence de esa parte, esa pequeña alucinación. Creo que haber puesto a Jackie como si fuera de repente She-Hulk te saca un poco de la historia. Aún así, es posible que todo esto fuera porque mis expectativas con la película estaban demasiado altas. 

Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Jerry G. Angelo, David DeLao, Keith Jardine, Catherine Haun, Roger Ivens, Mikandrew, Eldon Jones, Orion Carrington, Matthew Blood-Smyth, Tait Fletcher

Título en español: Sangre en los labios

Begin Again

17 de abril de 2024

2013, 104'

Dirección: John Carney

La pasión por la música lleva a Gretta y a Dave, novios desde el instituto, hasta Nueva York. Pero cuando él, una vez alcanzado el éxito y la fama, la abandona, ella se queda completamente desolada. Una noche, un productor de discos recién despedido, la ve actuar en un bar de Manhattan y queda cautivado por su talento. 

La vi cuando se estrenó en su momento, pero tenía pendiente volver a sentarme con ella. Es el tipo de películas que te hacen sentir bien aunque no vayan de algo completamente positivo, precisamente porque lo que transmiten es el valor de las pequeñas cosas buenas entre todo lo demás. La música y la ciudad de Nueva York se juntan a los maravillosos Keira Knightley y Mark Ruffalo para darle ese aura tan especial a Begin Again. Quizás ahora, en 2024, ya no se lleve tanto la idea de dar paseos en medio de la noche compartiendo música con otra persona, un acto tremendamente íntimo como bien se deja ver en la película, pero no por ello pierde la magia. Ha merecido mucho la pena verla de nuevo después de todos estos años, no solo para recordarla sino para experimentarla cambiando el punto de vista. 

Reparto: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Hailee Steinfeld, Adam Levine, James Corden, CeeLo Green, Catherine Keener, Mos Def, Karen Pittman, Paul Romero, Andrew Sellon, Ed Renninger, Marco Assante, Mary Catherine Garrison, Rob Morrow, Shannon Walsh, Terry Lewis, Jimmy Palumbo, Simon Delaney, Danielle Brisebois, Maddie Corman, Aya Cash, David Pendleton, Justin Chauncey

How to Have Sex

16 de abril de 2024

2023, 91'

Dirección: Molly Manning Walker

Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas.

Los británicos que bajan a países del sur de Europa a salir de fiesta, emborracharse de continuo y estropear la ciudad son uno de los grupos con los que pensaba que menos podría empatizar, pero aquí estamos. La ciudad en la que están parece ser griega, pero bien podría tratarse de Ibiza. How to Have Sex estuvo premiada en la SEMINCI del año pasado pero no pude ir a verla, así que me quedó pendiente desde entonces. Tiene algo que recuerda a Rimini y Animal, quizás la decadencia, quizás las fiestas llenas de alcohol o las prendas coloridas. Aquí, además, encontramos bastantes sutilezas. Aparte de la historia que se ve más claramente tenemos bastante en el fondo: ese examen equivalente a la EBAU que hicieron las tres chicas y que solo aprobaron dos de ellas, que irán a la Universidad a diferencia de Tara; la propia dinámica entre las tres amigas, donde sin duda Em parece ser mucho más agradable que Skye, que parece sentir una cierta envidia o superioridad; el propio dilema interno de Tara, que ha ido al viaje decidida a perder la virginidad. Y luego está el magnífico papel de aquellos chicos a los que conocen desde el balcón, cuyas actuaciones están llenas de matices. Incluso las amistades entre ellos son complicadas, como se aprecia cuando Badger, al intuir que ha pasado algo problemático entre Paddy y Tara, le dice a ella que Paddy vive en su misma calle, que sus madres son mejores amigas. Hay tantos pequeños detalles en la película que podría extenderme todo lo que quisiera en esta reseña, pero siento que no llegaría a reflejar del todo lo que se ve al ver la película directamente. No me queda más que recomendarla a más no poder y felicitar a las jóvenes actrices y actores, así como a la directora, que han hecho un trabajo estupendo y han creado algo verdaderamente especial. 

Reparto: Mia McKenna-Bruce, Samuel Bottomley, Lara Peake, Enva Lewis, Daisy Jelley, Eilidh Loan, Shaun Thomas

Nights and Weekends

15 de abril de 2024

2008, 80'

Dirección: Joe Swanberg, Greta Gerwig

Un hombre y una mujer deben enfrentarse a la tensión que se crea cuando se ven obligados a mantener una relación a larga distancia.

Me encantan las películas sobre la vida, sobre lo mundano. Sí, hay un argumento, pero no es eso lo importante; lo importante son las pequeñas conversaciones, las miradas, la cotidianidad. Hace que la película parezca real. Esos pequeños momentos en los que Mattie está sola en el baño, tratando de ordenar sus emociones de la mejor manera posible o quizás sentirse atractiva para un hombre con el que ya no tiene una relación. La película quizás tenga algunas carencias, principalmente porque se ve que es la primera película que dirige Gerwig, pero hay incluso algo positivo justo en esa inexperiencia. Incluso cuando era nueva en esto Greta Gerwig empezaba ya con fuerza. Me ha resultado enormemente agradable de ver, mejorada solo quizás con la experiencia de verla en la pantalla grande de algún festival de cine. 

Reparto: Greta Gerwig, Joe Swanberg, Alison Bagnall, Elizabeth Donius, Jay Duplass, Kent Osborne, Lynn Shelton, Ellen Stagg

Título en español: Noches y fines de semana

Las hermanas Munekata

14 de abril de 2024

1950, 112'

Dirección: Yasujirō Ozu

Setsuko se siente desgraciada al lado de su marido, un ingeniero alcohólico y sin trabajo. Ella estuvo siempre enamorada de Hiroshi, aunque nunca llegaron a prometerse, porque él emigró a Francia. Ahora, que ha regresado a Japón, la hermana de Setsuko intenta unirlos de nuevo. El único problema es que ella también está secretamente enamorada de él.

Es la segunda película que veo de Ozu (la otra fue Cuentos de Tokio), pero ya me empieza a quedar claro que tiene un estilo bastante marcado. Los primeros planos frontales de sus personajes son ya de lo más común en sus películas, así como aquellos en los que vemos a dos personas de espaldas, con la cámara ligeramente ladeada, y apreciando también el paisaje al que ellos miran. Es un poco más dramática que Cuentos de Tokio, que era más tranquila y optimista. Los personajes sorprenden a veces en su manera de actuar, y sobretodo llama la atención la mentalidad de estas mujeres (una más que otra) que parece bastante adelantada para la época. Me da la impresión de que las próximas películas que vea de Ozu se asemejarán bastante a estas dos aunque sea solo en estilo, pero sin duda no va a resultar pesado solo por ser repetitivo. 

Reparto: Hideko Takamine, Chishu Ryu, Tatsuo Saito, Sanae Takasugi, Kinuyo Tanaka, Ken Uehara, Sô Yamamura, Kamatari Fujiwara, Noriko Sengoku, Yuji Hori, Setsuko Horikoshi, Reikichi Kawamura, Yoshiko Tsubouchi, Atsuko Ichinomiya

Título en inglés: The Munekata Sisters

Monkey Man

12 de abril de 2024

2024, 121'

Dirección: Dev Patel

Kid es un delincuente que acaba de salir de prisión y vive en la India, intentando adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carente de valores espirituales. Allí luchará por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas.

Dev Patel se convierte en algún tipo de Buster Keaton en esta película llena de acción en la que hace de director, actor principal, productor y guionista. Creo que de alguna manera se distingue de otras películas de acción precisamente por él y por la manera en la que desarrolla el personaje de Kid, precisamente porque es capaz de traerlo con mucho sentimiento a pesar de toda la acción que tiene la película. Monkey Man tiene bastante violencia (quizás demasiada para mi gusto, pero no es injustificada) pero en ningún momento pierde el norte ni aleja al espectador de toda aquella emoción que va ligada a su protagonista. Venía de SXSW siendo además el debut como director de Dev Patel y había recibido ya allí muy buenas críticas que ahora puedo confirmar que estaban bien fundadas. La fotografía, además, es tan bella que le añade otra dimensión interesante a la película. Si los Oscars se decidieran por fin a poner una categoría a mejores stunts (¿acrobacias? ¿escenas de acción?) sin duda esta se colaría entre las nominadas. De momento podemos quedarnos con Dev Patel y estar pendientes de lo que sea que decida hacer en el futuro. 

Reparto: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash, Vipin Sharma, Sikander Kher, Sobhita Dhuliwala, Ashwini Khalsekar, Adithi Kalkunte, Makrand Deshpande, Brahim Achabbakhe, Joseph J.U. Taylor, Nagesh Bhonsle, Jino A. Samuel, Alona Vykydanets, Anup J. Patel, Reva Marchellin, Dayangku Zyana, Pehan Abdul, Andres Levi, Jeremy Tauziac, Fahad Scale

Mata Hari

10 de abril de 2024

1931, 89'

Dirección: George Fitzmaurice

Año 1917. Mata Hari es una seductora bailarina que vive en París y que ejerce de espía para los alemanes.

Clásico del Hollywood antiguo y del cine pre-Code, Mata Hari es solo una de las varias adaptaciones a la gran pantalla que ha habido de la historia de esta mujer. Quizás sea porque tengo muchas obras maestras de los 30 con las que que compararla, pero acabó dando algo menos de lo que yo esperaba. La historia además parece en un principio que va a dibujar a un cierto tipo de femme fatale, sobretodo teniendo en cuenta el poder que le da a Mata Hari en la primera mitad, pero acaba desdibujándose entre una trama romántica que deja a su protagonista casi como la mujer de siempre de Hollywood, indefensa y perdidamente enamorada de un hombre, de esas que sobraban durante la vigencia del Código Hays. No se puede culpar de esto a la película, por supuesto, porque está basada en la historia real. Reconozco que no está mal, pero he sentido que no daba lo que parecía prometer. 

Reparto: Greta Garbo, Ramon Novarro, Lionel Barrymore, Lewis Stone, C. Henry Gordon, Karen Morley, Alec B. Francis, Blanche Friderici, Edmund Breese, Helen Jerome Eddy, Frank Reicher