The Fantastic Four: First Steps

30 de julio de 2025

2025, 115'

Dirección: Matt Shakman

Ambientada en el vibrante telón de fondo de un mundo retro-futurista inspirado en los años 60, presenta a la Primera Familia de Marvel mientras se enfrentan a su desafío más terrorífico hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un dios espacial voraz llamado Galactus y su enigmático Heraldo, Silver Surfer. Y si el plan de Galactus de devorar todo el planeta y a todos en él no fuera lo suficientemente malo, de repente se vuelve muy personal. 

Después de Thunderbolts*, que trajo de vuelta al MCU que tanto queremos y echábamos de menos, las expectativas estaban bastante altas para esta nueva versión de Fantastic Four, la primera dentro del Universo Cinematográfico de Marvel. El tráiler era prometedor, así que íbamos con mucha esperanza. Me alegra decir que nuestros deseos han sido concedidos. The Fantastic Four: First Steps es un recordatorio de lo que son las películas de cómics de verdad, aquellas que nos ilusionan y nos hacen cogerles cariño a sus personajes. La película de Shakman tiene una estética retrofuturista que se casi se presenta como parte de la historia, siendo casi en su totalidad práctica y alejándose del CGI innecesario (el cual ya tiene que utilizar en ocasiones por razones obvias). Y por encima de todo, representa a la perfección la dinámica familiar que tan importante es en una historia sobre estos cuatro superhéroes, porque por encima de sus poderes y la manera en la que salvan el mundo, lo que más atrae de ellos a su público es la relación entre los cuatro. En First Steps nos encontramos a unos superhéroes que ya tienen sus poderes, optando la película por omitir sus orígenes como ya lo hacen otras del MCU como Spider-Man: Homecoming o del recién estrenado DCEU con la nueva versión de Superman. Una decisión que, especialmente en este caso, parece de lo más acertada. Nos es, además, particularmente especial a los asturianos porque la vemos sabiendo que en noviembre del año pasado (durante la semana del Festival de Cine de Gijón, de hecho), rodaron algunas escenas de la película en el Calatrava de Oviedo. Resulta algo extraño ver ese edificio en el contexto de estos superhéroes cuando nosotros lo conocemos por ser el sitio en el que se hacen la mayoría de las graduaciones universitarias, pero no quita de la ilusión que nos provoca. La película se sostiene sobre unas geniales interpretaciones de unos actores ya sobradamente conocidos, en especial la de Vanessa Kirby por la importancia que tiene el desarrollo de su personaje Sue Storm en esta película. Consiguen desarrollar a estos cuatro superhéroes de una forma cuidada y tremendamente exitosa, y eso les permite introducir luego a un tremendo villano de forma que nos importe de verdad todo lo que está en juego. Galactus es presentado grandiosamente, en una escena que me deja claro que First Steps es una película hecha para ser vista en IMAX (y me recuerda que es una pena que no tenga una sala así cerca de mí). Su presencia es anunciada por otro personaje tremendamente interesante, el de Silver Surfer o Shalla-Bal, interpretada por una Julia Garner a la que apenas reconocemos tras ese maquillaje plateado. La escena en la que se presenta en Nueva York y anuncia la llegada de Galactus con una frase cuya versión en inglés ha resonado por redes sociales. Un conjunto de personajes brillantes se junta a una estética muy lograda y unos temas musicales maravillosos para dejarnos claro que el Universo Cinematográfico de Marvel está de vuelta – algo que, lamentablemente, es probable que estropeen con la ya no muy lejana Avengers: Doomsday, que ha metido a tantos personajes que parece avocada al desastre y que se ha visto obligada a parar el rodaje por no tener acabado su guion. Eso sin entrar a preguntarse, por supuesto, cómo se las van a apañar para volver a meter a un actor tan icónico en Marvel como Robert Downey Jr. con éxito. Seguramente el año que viene nos llevemos una gran decepción (si es que se estrena el año que viene y no tiene que retrasarse por todos los problemas que se está encontrando), pero de momento disfrutamos de lo que ahora tenemos: dos películas maravillosas, Thunderbolts* y The Fantastic Four: First Steps que nos recuerdan lo que son las películas de cómics de verdad. 

Reparto: Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn, Ebon Moss-Bachrach, Julia Garner, Ralph Ineson, Natasha Lyonne, Paul Walter Hauser, Sarah Niles, Mark Gatiss, Cecilia Blair

Título en español: Los 4 Fantásticos: Primeros pasos

Twilight

26 de julio de 2025

2008, 122'

Dirección: Catherine Hardwicke

La joven Bella Swan siempre fue una chica muy diferente ya en sus años de niña en Phoenix. Cuando su madre se volvió a casar, la mandó a vivir con su padre a la pequeña y lluviosa ciudad de Forks, Washington, una población sin ningún aliciente para Bella. Pero entonces conoce en el instituto al misterioso y atractivo Edward Cullen, un joven distinto a los demás que esconde un secreto.

Conocí la saga cuando fui a ver al cine New Moon, sin haberme visto esta primera entrega ni conocer nada de los libros. En su momento no me dijo tanto, pero fue al ir al cine al ver Eclipse (estando yo en la mágica época de los trece años) cuando me metí de lleno en ellas. Leí los libros con un hambre voraz, descubriendo un mundo inexplorado y entrando de lleno en la adolescencia. Como muchas preadolescentes de mi entorno, elegí el Team Edward (muy acertadamente) y defendí con todas mis fuerzas que Twilight me gustaría toda la vida. Releí los libros de nuevo, fui a los estrenos de las dos partes de Breaking Dawn con amigos en un cine local que cerró unos años después. Viví la fiebre de los vampiros adolescentes de la forma más intensa posible. 

Ha pasado más de una década, y yo ya no tengo trece años. Mis hormonas no se comportan igual, y la fiebre vampírica ha desaparecido. Además, he aprendido mucho de cine, he empezado a verlo de una forma crítica en vez de un puro entretenimiento. Sé más del arte y puedo reconocer una cierta calidad. He revisitado Twilight varias veces desde mi época adolescente, pero nunca desde que me metí de esta manera tan seria en el mundo del cine. Los ojos con los que la veo ahora son diferentes a los que la veían en su momento, así que tenía ganas de ver qué opinaba de ella ahora (aunque ya me hiciera una idea de cuál iba a ser mi impresión). La he podido ver de la mejor manera posible: en una habitación de un hotel con una amiga que conocí al principio de nuestra adolescencia. No me puedo sorprender del todo de que recordara absolutamente todas las escenas, cada plano y cada diálogo. Lo que sí me sorprendió ligeramente (a pesar de que ya tuviera una idea de la opinión que formaría de ella) es lo absolutamente fascinada que quedé con la manera en la que Twilight consigue ser la película adolescente perfecta. 

Basada en libros que estoy segura de que ya revolucionaron a las jóvenes en su momento (yo era demasiado pequeña cuando se empezaron a publicar así que no viví aquella época), la historia ya era prometedora en lo que a romances adolescentes se refiere. Vampiros, romances, posteriormente hombres lobo y dramas en las que los personajes se juegan la vida: poco más busca uno al principio de su adolescencia. No he vuelto a los libros desde que los leí al empezar el instituto (y tampoco quiero), así que cuánto del efecto que he apreciado viene de la novela en la que se basa esta película, pero su adaptación es magistral en el sentido de que es el culmen del cine adolescente. Lo tiene absolutamente todo. Muchos lo intentarán, pero no creo que haya una película adolescente de este tipo más icónica que Twilight. De alguna manera una directora adulta supo exactamente lo que llamaría a las adolescentes, quizás porque en su momento fue ella misma una; la manera en la que está construida y rodada (con una atención brutal a unos planos con un efecto más que exitoso) hace de ella el sueño de casi cualquier cría de trece años. Es la adolescencia hecha película, con toda su intensidad innecesaria y todo. Ahora que tengo más ojo para estas cosas veo en ella recursos artísticos en los que no había reparado años antes, como esos planos holandeses que sabe utilizar justo cuando son necesarios o el smash cut de Edward saltando en el bosque a él aterrizando sobre el coche de Bella (casi un Lawrence of Arabia para adolescentes todavía no cinéfilas). Sabe perfectamente lo que puede hacer y dónde hacerlo, dándole a la película un efecto idóneo para el público al que se dirige. La película en sí ha revolucionado el cine adolescente, pero está llena además de aspectos icónicos. Es innegable la altísima calidad de su banda sonora, y nada es más memorable que esa escena del partido de baseball en el bosque mientras suena Supermassive Black Hole de Muse. Los directores y productores que quieran hacer una gran película adolescente inevitablemente estarán destinados a tratar de replicar una fracción de lo que consigue Twilight, que tan lograda está. Me reafirmo en que es la película adolescente perfecta, por mucho que esto sorprenda a algunos o vaya en contra de lo que uno esperaría de alguien que aprecia el cine de la manera en la que lo hago y que se pasea por festivales con acreditaciones a su nombre. 

Por supuesto, hay críticas más que válidas para la película. La mayor, y la que yo no niego en absoluto, es que la historia no solo representa dinámicas tóxicas y sobre todo de dependencia (todas ellas en un contexto claramente machista aunque vaya camuflado de existencialismo femenino), sino que también las romantiza. Hay mucho que discutir sobre cómo de bueno es que películas como estas sean vistas de forma masiva por un público joven y maleable. Aunque creo que es un tema interesante, no puedo evitar que me moleste que salga tan frecuentemente y de forma tan feroz mientras no se critica nunca nada de otras posibles malas influencias como las películas de Tarantino y el efecto que tienen en todos esos adolescentes que tienen el póster de Pulp Fiction en sus paredes. Películas claramente violentas, que se regodean en el gore y en la sangre, en la muerte de los otros, y que apenas se cuestionan en lo que a influencias se refiere por, en mi opinión, dos razones: la primera, una clave ya de por sí machista; las cosas “para chicos” siempre se verán mejor que aquellas “para chicas”, y por tanto se librarán de cierto grado de crítica. Y la segunda, siempre presente en el mundo de la crítica cinematográfica: la obsesión con la calidad y con lo que es bueno. Se tiende a intentar hacer un orden de calidad de las películas, sin entender que no es algo lineal sino multidimensional. “¿Cómo puedes estar comparando Twilight con Pulp Fiction?”, dirán algunos. “Pulp Fiction es un clásico del cine innegable, y Twilight es una película sin deseo de llegar a una gran calidad y con poco nivel artístico”. Algo de razón tendrán, ¿pero acaso significa eso algo? No todo debe ser comparado con The Godfather. ¿Qué es mejor, The Godfather o Notting Hill? Muchos dirían, sin duda, que la película de Coppola. ¿Pero qué significa eso? Notting Hill no está intentando ser The Godfather, y The Godfather no está intentando ser Notting Hill. Son películas radicalmente distintas, con estilos muy diferentes, que buscan efectos casi opuestos. Existen en dos pequeños mundos distintos dentro del gran mundo que es el cine, y por eso no deben ser comparadas de manera directa; ambas están buscando una cosa distinta, y ambas son películas excepcionales dentro de lo que quieren hacer. Es por eso por lo que Pulp Fiction y Twilight no son comparables, y la “calidad” de una frente a la otra no la exime de crítica en un aspecto común como lo es la posible influencia negativa sobre su público. Twilight pretende ser una película adolescente, y en eso no la gana nadie. Me alegro de haber vuelto a ella y de haberla encontrado todavía más fascinante que la primera vez. 

Reparto: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Billy Burke, Peter Facinelli, Taylor Lautner, Elizabeth Reaser, Nikki Reed, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Kellan Lutz, Cam Gigandet, Edi Gathegi, Rachelle Lefevre, Anna Kendrick, Sarah Clarke, Matt Bushell, Gil Birmingham, Gregory Tyree Boyce, Justin Chon, Michael Welch, Christian Serratos, José Zúñiga, Ayanna Berkshire, Ned Bellamy

Título en español: Crepúsculo

Alemania, año cero

23 de julio de 2025

1948, 72'

Dirección: Roberto Rossellini

Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial.

Rossellini trae en Alemania, año cero una película que me recuerda enormemente a La infancia de Iván, quizás porque la he visto muy recientemente, pero seguramente más bien porque ambas nos dan un relato de la pérdida de la infancia por culpa de la guerra. Cuenta, como lo hace la película de Tarkovsky, con una genial interpretación infantil. Dos películas que quizás sea mejor ver juntas, especialmente en tiempos en los que se tontea con la idea de la guerra sin ser conscientes de verdad de las consecuencias de esta. 

Reparto: Edmund Moeschke, Ernst Pittschau, Barbara Hintz, Franz-Otto Krüger, Alexandra Manys, Erich Gühne

Título en español: Germania, anno zero

Título en italiano: Germany, Year Zero

A Room with a View

22 de julio de 2025

1986, 117'

Dirección: James Ivory

Lucy Honey Church, una joven inglesa de buena familia, se encuentra de viaje en Florencia, acompañada por su prima y dama de compañía Charlotte Bartlett. En la pensión donde se hospedan conocen al excéntrico señor Emerson y a su hijo George, que, amablemente, les ceden sus habitaciones para que las damas disfruten de una ventana con vistas a la ciudad.

Esta película tan británica reúne a una considerable cantidad de actrices inglesas de alto nivel en lo que acaba siendo, en un sentido no necesariamente peyorativo, una película muy de tarde de sábado. De ella nos enamoran las actuaciones y, especialmente, las ciudades en las que tiene lugar, que son casi un personaje más de la historia. Aunque sea correcta en prácticamente todos sus aspectos, no le he encontrado mucho más fuera de eso; quizás no sea para mí, pero reconozco que no es en sí mediocre. 

Reparto: Helena Bonham Carter, Maggie Smith, Denholm Elliott, Julian Sands, Simon Callow, Daniel Day-Lewis, Patrick Godfrey, Judi Dench, Rupert Graves, Fabia Drake, Joan Henley, Amanda Walker, Maria Britneva, Rosemary Leach, Isabella Celani, Peter Cellier, Mia Fothergill, Brigid Erin Bates

Título en español: Una habitación con vistas

The Great Train Robbery

21 de julio de 2025

1903, 12'

Dirección: Edwin S. Porter

Narra el asalto a un tren por parte de unos bandidos. Escrita y dirigida por Edwin S. Porter, a quien se le atribuye en ocasiones la paternidad del cine de ficción, Porter trabajó en el estudio de Thomas Alva Edison, creando la que sería la primera película estadounidense importante. De 8 minutos de duración, "Asalto y robo de un tren" influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el género escogido (western) y sobre todo el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Al hacer esto, Porter inició el montaje, uno de los fundamentos de la creación cinematográfica, proceso en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas —o disponibles— se reúnen para conseguir un conjunto coherente. Asalto y robo de un tren tuvo un gran éxito y contribuyó de forma notable a que el cine se convirtiera en un espectáculo masivo. Las pequeñas salas de cine, conocidas como nickelodeones, se extendieron por Estados Unidos, y el cine comenzó a surgir como industria.

Un corto de los inicios del cine, cuando todavía estaba en pañales, y el arte se encontraba entre las pruebas más experimentales de los Lumière y el boom de la era dorada de Hollywood que trajo a grandes artistas como Charlie Chaplin o Buster Keaton. The Great Train Robbery se estrena tan solo un año después del Viaje a la Luna de Méliès, y al igual que esta experimenta con lo que este nuevo arte es capaz de hacer. Está claro que la obra de Porter está hecha para un público muy distinto al que ahora existe, uno que era ajeno a la magia del cine y lo que es capaz de hacer. Aunque se vea claro a lo largo de todo el corto, es especialmente aparente en esa ya tan famosa escena final en la que uno de los actores mira fíjamente a la cámara, alza su arma y nos dispara. No es difícil imaginar que una secuencia como esa tendría un efecto en el público de principios del siglo XX similar al que tuvo Llegada del tren a la estación de La Ciotat de los Lumière, sin duda impactante para aquellos que todavía no estaban acostumbrados a este tipo de imágenes en movimiento. Aunque nosotros lo veamos inevitablemente de forma distinta, podemos apreciar en la película lo significativa que resultó para la historia del cine. 

Reparto: Bronco Billy Anderson, A.C. Abadie, Justus D. Barnes, Donald Gallaher

Título en español: Asalto y robo de un tren

Roman Holiday

20 de julio de 2025

1953, 119'

Dirección: William Wyler

Durante una visita a Roma, Ana, la joven princesa de un pequeño país centroeuropeo, trata de eludir el protocolo y las obligaciones que implica, escapándose de palacio para visitar la ciudad de incógnito. Así conoce a Joe, un periodista americano que busca una exclusiva y finge desconocer la identidad de la princesa. La pareja vivirá unas jornadas inolvidables recorriendo la ciudad.

No hay nada como una buena comedia romántica del Hollywood de mediados del siglo pasado. Roman Holiday casi nos recuerda a Notting Hill, sin duda una de las mejores romcoms de su época, y levanta nuestras sospechas de que la ya tan famosa película protagonizada por Julia Roberts y Hugh Grant seguramente estaría inspirada en esta. Una historia de la Cenicienta a la inversa que además catapultó la carrera de una Audrey Hepburn que por aquel entonces apenas era conocida. Reconocemos ahora que Roman Holiday está protagonizada por dos de las grandes estrellas del cine, y es que no podemos dudar de que una obra que se centra en la relación de dos personajes interpretados por Gregory Peck y Audrey Hepburn va a ser casi automáticamente un clásico. Rodada enteramente en Roma, hace que aquellos que la veamos empecemos a fantasear con hacer una escapada a la capital italiana para vivir nuestro propio Roman Holiday. Puede ser que parte del encanto se lo dé esta historia tan magnífica, pero sin duda la ciudad es un personaje propio de la película, elevándola a la gran obra que acaba siendo. Un clásico de casi obligado visionado que hace que recuerda a su público por qué estas dos estrellas de cine se ganaron ese título a lo largo de su carrera. 

Reparto: Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie Albert, Hartley Power, Harcourt Williams, Margaret Rawlings, Tullio Carminati, Paolo Carlini, Claudio Ermelli, Paola Borboni, Alfredo Rizzo, Laura Solari, Gorella Gori, Heinz Hindrich, John Horne, Andrea Esterhazy, Ugo De Pascale

Título en español: Vacaciones en Roma

Tres amigas

18 de julio de 2025

2024, 117'

Dirección: Emmanuel Mouret

Joan ya no está enamorada de Victor y sufre por no estar siendo honesta con él. Alice, su mejor amiga, la tranquiliza asegurándole que ella misma no siente pasión por su pareja Eric y sin embargo su relación va viento en popa. Ella ignora que él tiene una aventura con Rebecca, su amiga común... Cuando Joan decide finalmente dejar a Victor y este desaparece, las vidas y las historias de las tres amigas dan un vuelco.

Entro a Tres amigas muy a ciegas y con algo de temor por lo que pueda encontrarme. La posibilidad de que fuera una película demasiado francesa (en la manera despectiva de la expresión) estaba ahí, amenazándome. He de admitir que algo francesa (en ese aspecto casi de película de sábado de tarde) sí que es, pero no lo demasiado como para que la deseche por completo. Tres amigas entretiene a su público juntando los líos entre sus personajes con todavía más líos que no hacen más que complicar la situación, y de alguna manera nos acaba recordando a algunas de las obras menores de Woody Allen en este aspecto (especialmente a las más recientes, que son en mi opinión peores que aquellas que dirigió siendo más joven). Divertida por lo absurda que resulta, casi como una telenovela pero con un toque muy francés, Tres amigas se salva del desastre que podría haber sido pero sin llegar a ser una película particularmente memorable. 

Reparto: Camille Cottin, Sara Forestier, India Hair, Grégoire Ludig, Damien Bonnard, Vincent Macaigne, Eric Caravaca

Título en francés: Trois amies

Título en inglés: Three Friends

The Scarecrow

17 de julio de 2025

1920, 19'

Dirección: Edward F. Cline, Buster Keaton

Los jornaleros Keaton y Roberts comparten una casita de campo llena de aparatos mecánicos que les hace la vida más fácil. Ambos rivalizan por el amor de la hija del granjero. Keaton, disfrazado de espantapájaros, causará todo tipo de problemas a su rival y al del granjero.

Cuando uno tiene poco tiempo en el día y no sabe qué ver siempre puede optar por revisitar algunas de las obras del genio que es Buster Keaton. El innegable rey de los stunts quizás no muestra todo su potencial en The Scarecrow, pero sí nos da, como ya lo ha hecho en muchas otras películas, a ese personaje de Buster amable, bien intencionado y romántico al que tanto queremos. Un corto no tan conocido como otros de los que dirigió y protagonizó en su época, pero que estaba ya asegurado que sería bueno tan solo por contar con su presencia. 

Reparto: Buster Keaton, Sybil Seely, Joe Roberts, Edward F. Cline, Joe Keaton

Título en español: El espantapájaros

Hipnosis

16 de julio de 2025

2023, 100'

Dirección: Ernst De Geer

André y Vera son una joven pareja de emprendedores. Tienen la oportunidad de presentar su proyecto en un prestigioso concurso. Antes de ir allí, Vera prueba la hipnoterapia para dejar de fumar. A partir de ese momento, su actitud cambia y empieza a comportarse de forma inesperada. Mucho más desinhibida y desacomplejada, ella se deja llevar por sus instintos y se muestra poco respetuosa con las convenciones sociales, lo que va a suponer un reto para André y, sobre todo, un impedimento para que la pareja pueda hacer frente al concurso.

No hay nada como el cine nórdico y su manera tan cruda, limpia y en ocasiones cómica de representar las vidas de sus habitantes ficticios. Hipnosis es graciosa, ligera y con bastante trasfondo a pesar de lo que podría parecer por las formas de la película. La cara ya familiar de Herbert Nordrum nos lleva a una historia que habla en cierto modo del machismo sutil de la sociedad en la que vivimos, del absurdo del networking y la falsedad que conlleva intentar hacerse un hueco en este mundo, de pitches y startups y toda esa cantidad de palabras inglesas que tan bien buscan sonar para hacer que quienes las usan se sientan inteligentes y productivos. Un mundo de apariencias en el que apenas hay sitio para las personas reales, que deben esconderse a sí mismas para conseguir una meta autoimpuesta que tiene mucho menos valor del que aparenta. Hipnosis cuenta además con una estética pulcra, como es ya habitual en ciertas películas de estos países, que combina a la perfección con el mundo que está creando en pantalla (falso, cuidado en exceso, lleno de protocolos y absurdas reglas sociales, y en el cual muchos desean vivir desesperadamente). Una película enormemente agradable de ver y brillantemente ejecutada. 

Reparto: Asta Kamma August, Herbert Nordrum, Andrea Edwards, David Fukamachi Regnfors, Moa Niklasson, Aviva Wrede, Alexandra Zetterberg Ehn, Kristina Brändén Whitaker, Karin de Frumerie, Victor Iván

Título en inglés: The Hypnosis

The Beach

15 de julio de 2025

2000, 119'

Dirección: Danny Boyle

Impulsado por el deseo de vivir experiencias y emociones apasionantes, Richard, un joven mochilero, viaja a Thailandia. En Bangkok se aloja en un hotel de mala muerte, donde conoce a una pareja de franceses, Étienne y Françoise, y a Daffy, un viajero consumido por años de sol y drogas y que está de vuelta de todo. Daffy, un ser tortuoso y paranoico, le cuenta a Richard una historia fantástica sobre una isla paradisíaca que nunca ha sido profanada por los turistas.

Uno de los ciclos de verano de Embajadores Foncalada nos trae The Beach, una película a la que es mejor ir sin saber demasiado de ella. Quizás en su primera mitad no destaque en exceso, llamando nuestra atención especialmente su reparto y la presencia de unos jovencísimos Leonardo DiCaprio y Tilda Swinton en esta película que es tan de los 2000. Pero si a alguno no le ha convencido ya durante su primera mitad, sin duda lo hará cuando evoluciona hacia la segunda. La obra se vuelve extraña e inquietante, mucho más oscura de lo que había sido hasta el momento a pesar de que ya hubiéramos visto en ella demasiados rasgos de una secta. De alguna manera la forma en la que desciende a la locura (la película junto al Richard de DiCaprio) casi quiere recordar a Apocalypse Now, aunque es posible que tenga también que ver con el ambiente en el que nos encontramos. “The horror, the horror”, me viene a la mente en la voz de Marlon Brando. Algo similar está ocurriendo aquí aunque los contextos de la historia sean radicalmente distintos. La historia quizás sea demasiado irreal, quizás se aleje al tipo de decisiones que uno tomaría en una vida más o menos ordinaria, pero refleja una parte del comportamiento humano común a todos nosotros en la que no queremos pensar demasiado, porque preferimos vernos a nosotros mismos como seres racionales y buenos, que no se dejan llevar por los impulsos más oscuros de su interior. The Beach es toda una experiencia, un viaje para el espectador que no nos esperamos y que nos descoloca más de lo que debería, empujándonos a explorar situaciones que están bien lejos de nuestra zona de confort. Quizás eso sea lo mejor de la película: lo desagradable que consigue ser por la manera en la que nos hace enfrentarnos a nuestros impulsos más oscuros. 

Reparto: Leonardo DiCaprio, Tilda Swinton, Virginie Ledoyen, Guillaume Canet, Robert Carlyle, Hélène de Fougerolles

Título en español: La playa

A Most Violent Year

14 de julio de 2025

2014, 124'

Dirección: J.C. Chandor

Nueva York, año 1981 -según las estadísticas, el año con más crímenes y atracos de la historia en la ciudad-. El inmigrante hispano Abel Morales y su mujer Anna han conseguido sacar adelante con éxito su empresa de distribución y venta de gasóleo. Ahora están a punto de lograr la última pieza de su sueño americano: comprar un cotizado terreno frente al río Hudson, un enclave que les permitirá expandirse en el negocio y superar a su competencia. Pero la violencia que sufren en el transporte de sus camiones y una investigación policial amenazan con destruir todo lo que han logrado hasta ese momento.

A Most Violent Year es sin duda una de las películas que la comunidad cinéfila de internet considera que debe ser vista al menos una vez en la vida (a juzgar por la cantidad de clips de escenas de la película que reaparecen cada dos por tres en redes sociales) independientemente de lo que piensen de su calidad, y quizás en parte por su presencia en los Globos de Oro con la nominación que le dio a Jessica Chastain. Tan solo por su fama me esperaba bastante de ella, y aunque quizás no haya llegado a ser la gran obra que se había creado en mi cabeza, es sin duda un buen uso de las dos horas que dura. Jessica Chastain y Oscar Isaac, dos de los grandes actores del momento, se juntan para dar unas interpretaciones magníficas en una película tensa aunque no enormemente memorable. A Most Violent Year recuerda de alguna manera a otras de las películas de Chastain en las que ella brilla pero que tampoco trascienden en exceso, como Molly’s Game y The Zookeeper’s Wife. Al margen de lo que se pueda pensar de la película en general o de la calidad de la misma, es innegable que viene con interpretaciones muy potentes por parte de sus protagonistas, y en ocasiones eso es más que suficiente. 

Reparto: Oscar Isaac, Jessica Chastain, Albert Brooks, David Oyelowo, Christopher Abbott, Peter Gerety, Elyes Gabel, Catalina Sandino Moreno, Alessandro Nivola, Ashley Williams, John Procaccino, Glenn Fleshler, Jerry Adler, Annie Funk, Matthew Maher, David Margulies, Ben Rosenfield, Elizabeth Marvel, Jason Ralph, Daisy Tahan, Giselle Eisenberg

Título en español: El año más violento

Superman

12 de julio de 2025

2025, 130'

Dirección: James Gunn

En un mundo cínico que ha perdido la fe en la bondad, Superman lucha por reconciliar su herencia kryptoniana con su crianza humana en Smallville como Clark Kent. Mientras protege a la humanidad, encarna la verdad, la justicia y el estilo americano, desafiando una era que considera estos valores obsoletos. Reinicio del universo DC en cine bajo la supervisión y dirección de James Gunn.

Empiezo a barajar la teoría de que cualquier película que se proyecte en un cine después del teaser de The Odyssey está destinada a acabar más cerca de la mediocridad que de la excelencia. 

James Gunn, director de las tres películas de Guardians of the Galaxy, se ha pasado a los superhéroes de DC para reiniciar el DCEU en un intento de replicar lo que ahora mismo tiene Marvel con el MCU. Nuevas caras, nuevos directores y los superhéroes de siempre. Superman llega con muchas promesas y seguramente satisfaga a muchos (y enfade a otros cuantos) pero a mí se me queda plana y mediocre. No hablo ni siquiera de lo poco en serio que se toma a sí misma (apreciación que ya había hecho David Ehrlich antes que yo) ni de la cuestionable estética y apenas aceptable calidad del CGI, sino que la historia en sí la hace considerablemente olvidable y no da la sensación de ser una entrada triunfal a un nuevo universo cinematográfico. Los mejores momentos de la película son aquellos que se centran en lo que es enormemente positivo de ella, como esa escena de la primera media hora en la que vemos a Clark y Lois hablando en casa de ella, mostrándonos así todo el potencial de la química entre esos dos personajes (y esos dos actores, que están brillantemente elegidos). Si tan solo la película tuviera más Clark y menos Superman, quizás habría dado lugar a un mejor resultado a mis ojos. La decisión de Gunn de no mostrarnos nada de los inicios de Superman, relatándolos muy brevemente en un texto en pantalla al inicio de la película y dando por hecho que es un superhéroe lo suficiéntemente conocido como para que todos nos sepamos la historia (una decisión que no me parece mala en sí pero que quizás me habría gustado que hubiera tomado en el sentido contrario) le lleva a alejarse de Clark más de lo que quizás debería, mantieniendo, eso sí, a un Superman muy humano, pero evitando las escenas que parecen mejorar considerablemente la película. Por otra parte, destaca de sobremanera la elección de unos actores que pegan a la perfección con sus personajes. Los trabajos de David Corenswet, Rachel Brosnahan y Nicholas Hoult en esta película no son solo magníficos sino que también parecen haber nacido para esos papeles, dando al público exactamente la imagen que espera de Superman, Lois y Lex Luthor. Brillantes actores que además tienen una estupenda química entre ellos, quizás haciendo que esto salve a una película que no parece superar la mediocridad. 

Pero si hay una cosa épica en Superman, un factor que hace que merezca ir a verla tan solo por eso mismo, es lo obviamente anti-Israelí que es. Se escuchaban ya rumores estos últimos días, pero verla me confirma que es todavía más de lo que me podría haber imaginado, y ni siquiera ocurre de una forma sutil. La existencia de un pueblo genocida que quiere ocupar un territorio y acabar con sus habitantes ha despertado quejas entre los sionistas que se han visto incómodamente reflejados. Es cierto que la película quizás juega con otro conflicto actual (el de Rusia y Ucrania, teniendo en cuenta que los edificios de Boravia que vemos recuerdan a Moscú y que el idioma que hablan se asemeja al ruso), pero a juzgar por la apariencia tanto de aquellos de Boravia como los de Jarhanpur y lo dolorosamente obvio de la referencia en la bandera de Boravia (que cuenta con un triángulo en su lado izquierdo y una estrella dentro del mismo), parece imposible ignorar el comentario que parece estar haciendo. Algo que le dolerá a muchos pero que nos resulta enormemente entretenido a otros. Es una pena que fuera de esto y de la brillante química que se aprecia entre los actores principales, brillantemente elegidos para interpretar a sus personajes, la película no logre crear todo lo que buscaba. Quizás sea una cuestión de seguir intentándolo para ver si acaban consiguiendo su tan deseado universo cinematográfico. 

Reparto: David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell, María Gabriela de Faría, Sean Gunn, Frank Grillo, Beck Bennett, Mikaela Hoover, Christopher McDonald, Terence Rosemore, Milly Alcock

E.T. the Extra-Terrestrial

13 de julio de 2025

1982, 115'

Dirección: Steven Spielberg

Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía.

Lo que el gran genio Steven Spielberg hizo para este arte entre los 70 y los 90 pasará a la historia del cine, porque no cabe duda que revolucionó la idea de la película. Da igual cuántas veces haya visto uno una obra como E.T. the Extra-Terrestrial, que podrá volver a ella y quedar igual de fascinado que la primera vez. No fue ni de lejos la primera gran película de Spielberg, que cautivó ya al público en 1975 con Jaws, pero estoy segura de que en el momento de su estreno E.T. volvió a fascinar a aquellos que la vieron en el cine tal y como ya lo habían hecho sus blockbusters anteriores. El elemento de fantasía es enormemente llamativo (y ha aguantado perfectamente al paso del tiempo, seguramente gracias al uso de efectos prácticos) y seguramente de lo primero que se mencione cuando se recuerda la historia, pero lo que de verdad impulsa a la película es su sensibilidad y la emoción que el joven Spielberg pudo darle a esa curiosa relación entre un niño de diez años y el extraño extraterrestre que ha encontrado en su jardín. Una magnífica y enormemente memorable banda sonora nos sumerge en una película que se ha convertido, con mucha razón, en un clásico moderno. Revisitarla ahora tiene también un interés particular que comparte con todos los posibles visionados que hagamos de obras de Spielberg después de haber visto su maravillosa The Fabelmans: vemos inevitablemente muchísimo más de su director en la obra de lo que lo hacíamos antes, y entendemos su contexto y los guiños que hay en su arte. Somos más conscientes todavía, por ejemplo, de que lo que se narra en E.T. the Extra-Terrestrial está inspirado en un amigo imaginario que tenía el propio Spielberg durante el divorcio de sus padres, del que ya sabemos bastante por su obra semiautobiográfica de 2022. Ver sus películas después de The Fabelmans es una experiencia particular y tremendamente positiva. Uno de los grandes directores de cine que tenemos la suerte de tener en activo en la actualidad, y que con obras como esta deja claro por qué se ha ganado ese título. 

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Robert MacNaughton, Drew Barrymore, Peter Coyote, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye, Erika Eleniak, David M. O'Dell, Richard Swingler, Frank Toth, Robert Barton, Michael Darrell, David Berkson, David Carlberg, Milt Kogan, Alexander Lampone, Rhoda Makoff, Richard Pesavento, Tom Sherry, Susan Cameron, Will Fowler Jr., Barbara Hartnett, Diane Lampone

Título en español: E.T. el extraterrestre

Elio

11 de julio de 2025

2025, 98'

Dirección: Domme Shi, Madeline Sharafian, Adrian Molina

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Ha llegado a salas la nueva película original de animación de Disney, y ha sido una agradable experiencia verla con algunos niños en la sala a pesar de que fuera una sesión en versión original. Elio no es tan mala como muchos la ponían en sus críticas, pero sí es sin duda una película bastante infantil. Quizás por eso nos dice menos a los que vamos con una mirada adulta, pero tan solo con hacer un poco de esfuerzo vemos que cumple todo aquello que busca teniendo en cuenta su público (aunque haya aspectos en los que pudiera mejorar). No es ninguna obra maestra de la animación infantil, pero sí una película divertida para los más pequeños. 

Reparto: Yonas Kibreab, Zoe Saldana, Remy Edgerly, Brad Garrett, Jameela Jamil, Shirley Henderson, Young Dylan, Jake T. Getman, Brandon Moon, Matthias Schweighöfer, Ana de la Reguera, Atsuko Okatsuka, Brendan Hunt, Shelby Young, Bob Peterson, Kate Mulgrew, Tamara Tunie

Bob Trevino Likes It

10 de julio de 2025

2024, 102'

Dirección: Tracie Laymon

Lily Trevino es un veinteañera insegura y solitaria que acaba de ser abandonada por su padre. Cuando decide seguir su rastro en Facebook, encuentra un perfil con el mismo nombre que él. Empieza a dar likes a sus fotos y comentarios. De esta manera conoce a Bob Trevino, un hombre afligido que ha perdido recientemente a su hijo y con el que acaba por entablar una estrecha relación de amistad que podría cambiar su vida para siempre.

Se habló muy bien de ella durante la SEMINCI del año pasado y fue una pena no poder verla en el festival, pero por suerte no solo ha llegado a Embajadores con el Proyecto Viridiana sino que lo ha hecho acompañada de un coloquio virtual con su directora. Una historia de una hija, y de un pardre, y de otro padre, que se encuentran en circunstancias particulares. Bob Trevino Likes It es una historia dura y bella al mismo tiempo, esperanzadora y en ocasiones devastadora. Lily Trevino ha tenido la mala suerte de tener el peor padre de la historia (nos cuesta creernos durante el coloquio posterior a la proyección que la directora afirme que, estando la historia basada en su propia vida, tuvo que hacer al personaje de su padre más amable de lo que en realidad era), seguramente siendo esa gran parte de la razón por la que es como es. Parece casi poético que acabe dando con otro Bob Trevino que es todo lo contrario a su verdadero padre, creándose entre ellos entonces una relación compleja, agradable y que en ocasiones nos preguntamos si es del todo sana. Este Bob, el Bob bueno, tiene también por su parte su propio pasado oscuro. La película relata la historia de un padre sin hijo y de una hija sin padre que se encuentran y crean su propia versión de familia, que crecen juntos de una manera que no habían podido hacer separados. Una obra magníficamente hecha sobre unas vidas muy complejas, llevadas a la pantalla con una visión prometedora de una directora que se estrena con ella en el mundo de los largometrajes y que nos hace esperar mucho de su futuro. Magnífica película que llega a salas desde la SEMINCI. 

Reparto: Barbie Ferreira, John Leguizamo, French Stewart, Rachel Bay Jones, Lauren 'Lolo' Spencer, Ted Welch, Debra Sandlund, Tony Milder, Ashlyn Moore, Phil Elam, Takayla Williams, Tristan Thompson, Dale Holdren, Mike Fallin, Savio Carvalho

Título en español: Un 'like' de Bob Trevino

Soul

9 de julio de 2025

2020, 101'

Dirección: Pete Docter

¿Alguna vez te has preguntado de dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo que te hace ser... tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida.

En un año que fue un poco flojo para el cine, Soul se llevó el Oscar en animación por ser una magnífica película que debería quedar en el recuerdo de la gente de la misma manera que ha ocurrido con Inside Out. Ambas películas comparten tanto director como enfoque, planteando temas similares: mientras que en Inside Out se exploraba la mente y las emociones, aquí se explora la pasión y el propósito. Nos muestra lo que son las almas y qué las guía. Una bellísima película que hace reflexionar a cualquiera, poniendo en perspectiva la vida y haciendo que nos asalten todo tipo de preguntas, todas ellas alguna variación de ¿qué demonios es la vida? ¿De qué va este concepto tan extraño, qué se supone que tenemos que hacer con ella? Quizás el único propósito de la vida sea vivirla, quizás no haya respuestas grandiosas. Puede que esa sea la respuesta grandiosa. Los propósitos están bien, pero vivir de verdad es algo mucho más profundo e intenso. Puede que necesitemos de vez en cuando películas como esta para recordárnoslo. 

Reparto: Jamie Foxx, Tina Fey, Questlove, Angela Bassett, Phylicia Rashad

Mamma Mia!

8 de julio de 2025

2008, 108'

(Primer visionado: 7 de abril de 2024)

Dirección: Phyllida Lloyd

Versión cinematográfica del popular musical de ABBA. Una joven que ha crecido en una pequeña isla griega, ha sido educada por una madre rebelde y poco convencional, que siempre se ha negado a revelarle la identidad de su padre. Cuando, por fin, parece que la joven está a punto de saberlo, aparecen tres posibles candidatos.

(Reseñada el 7 de abril de 2024)

Reparto: Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Amanda Seyfried, Julie Walters, Stellan Skarsgård, Christine Baranski, Dominic Cooper, Rachel McDowall, Nancy Baldwin, Heather Emmanuel, Mia Soteriou, Ricardo Montez, Taylor James

Título en español: Mamma Mia! La película

Saló, o los 120 días de Sodoma

7 de julio de 2025

1975, 116'

Dirección: Pier Paolo Pasolini

En una mansión, cuatro señores se reúnen con cuatro exprostitutas y con un grupo de jóvenes de ambos sexos, partisanos o hijos de partisanos, que han sido hechos prisioneros. Nadie en la casa puede eludir las reglas del juego establecidas por los señores; toda transgresión se castiga con la muerte. Además, ellos gozan de la facultad de disponer a su antojo de la vida de los cautivos. 

Entré en el mundo Pasolini con El evangelio según San Mateo, conociendo con él al director italiano que tan icónico ha sido a lo largo de la historia y encontrando una visión particular. No mucho después vi Teorema, bastante menos agradable para los cristianos de la época pero otra gran obra de uno de los grandes nombres del cine. 

Saló era para mí un misterio por el que tenía una enorme curiosidad a pesar de que era consciente del peligro que implicaba entrar en ella. Había rumores, era una obra en boca de cinéfilos que no era tratada como una gran película indiscutiblemente valiosa. Sabía que verla venía con sus riesgos. Aún así, y llevada por una casualidad que se dio en un grupo de WhatsApp internacional con otros acreditados en Cannes, decidí que era el momento de entrar en este extraño viaje y verla tan solo por decir que la he visto, por poder saber qué demonios se esconde detrás de ese póster que tanto intriga y ese título que revoluciona al mundo del cine. 

Considero que he visto bastante y muy variado a lo largo de mi vida. Estoy ya acostumbrada a de todo un poco, creo que puedo afirmar que tengo un gusto hecho al cine y que puedo meterme en obras complejas, duras o provocadoras. Sabía que Saló iba a ser una experiencia dura, pero no me imaginaba hasta qué punto. No parece tan amenazante en un principio; casi recuerda a Teorema, y de todas formas ya sabía que me iba a adentrar en temas tabú. Iba a haber mucho sexo, iba a haber mucha violencia. No pasa nada, creía poder con todo aquello. Las escenas sumamente explícitas de sexo que se representan en Saló parecían poder aguantarse bien, pero sin duda se adentraba en territorios extraños y dejaba claro que iba a ser una película rara, provocadora, incómoda de ver y muy desagradable; de esto último, no sabía yo todavía cuánto. Puedo con la violecia, puedo con el sexo y puedo con el desagrado; no puedo, sin embargo, con la manera completamente extrema en la que Pasolini junta estas tres cosas en la que seguramente sea la película más traumática que he visto nunca, horrorizando a su público y asfixiándolo todavía más cuando todo aquello continúa durante lo que queda de Saló. No voy a escribir los detalles de las acciones que presenciamos, porque incluso aunque eso fuera a ser ya absolutamente perturbador y desagradara para el que lo leyera, no llegaría ni a la mitad de lo horrorífico que es verlo en pantalla de la manera en la que Pasolini lo retrata. Pocas veces en mi vida he querido que acabara una película tanto como esta; algo me dice que era justo eso lo que buscaba el director italiano, horrorizar a su público de esa manera y llevarlo al más absoluto extremo, encontrar los tabús y explotarlos hasta tal punto que nos encontráramos casi como esos jóvenes de la película: compeltamente desesperados por huir. Una película hecha muy ingeniosamente (según lo que yo interpreto que buscaba su director) que no volveré a ver ni aunque me paguen por ello. Siento cierta curiosidad por saber cómo fue recibida en la época (en aquellos sitios o circunstancias en los que pudo ser extrenada, que no fueron muchos), porque una cosa es entrar en ella conscientes de lo que es y por pura curiosidad y masoquismo cinéfilo, y otra muy distinta tenerla proyectada diariamente en una sala de cine. Saló es una obra sobre el sadomasoquismo que es sadomasoquismo en sí, sobre los actos más repugnantes jamás imaginados que dejan destemplado a un público que tardará demasiado en recuperarse de ella. Si alguna vez ha habido una película no apta para débiles (o quizás para gente que no es consciente de lo que el cine es capaz de hacer, para bien y para mal), es esta. Pasolini ha roto la confianza que yo había desarrollado con él después de El evangelio según San Mateo, descubriéndome la que seguramente sea la película más provocadora y desagradable que los círculos cinéfilos hayan visto nunca. No volveré a ella jamás, no quiero volver a pensar en su existencia (aunque sé que va a ser imposible) y necesitaré unos días para recuperarme. A veces la magia y el poder del cine tienen también las consecuencias más desagradables que se puedan imaginar (incluso a través de películas muy bien hechas). 

Reparto: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Sonia Saviange, Laura Betti, Dorit Henke

Título en inglés: Salò, or the 120 Days of Sodom

Black Swan

6 de julio de 2025

2010, 109'

Dirección: Darren Aronofsky

Nina, una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre, la rivalidad con su compañera Lily y las exigencias del severo director se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

La ventaja de no haber visto Black Swan en más de una década es que se llega a ella con nuevos ojos, listos para ser fascinados de nuevo. Ya sabía por lo que recordaba de ella que era una película magnífica; no me esperaba una obra maestra de tal calibre. Black Swan es, en sí, el Lago de los Cisnes. Empieza con una variación de la música que abre el ballet, y acaba con el espectacular cierre del acto IV al mismo tiempo que es representado en la película. Todo en esta obra es, en sí, el ballet; inluyendo el tormento de Nina como Reina Cisne, que hace de Black Swan la obra de terror que es. Nuestro punto de vista es subjetivo, porque somos Nina y sufrimos lo mismo que sufre ella, confundiendo en ocasiones la realidad por culpa de su delirio. Un impecable sonido y un uso de la cámara (y de los múltiples espejos que nos encontramos) asombroso vuelven la obra trepidante, ingeniosa y profunda. Hay mil detalles que casi requieren un segundo visionado para captar por completo: la ropa casi infantil de Nina, que sin duda cuadra a la perfección con la relación que vemos que tiene con su madre, lo ingenioso de los detalles en maquillaje y vestuario de Nina frente a los de Lily, incluso las propias facciones de Thomas. Seguimos la historia y descendemos a la locura a la vez que lo hace Nina, convirtiéndonos en cisne negro con ella. Nos sorprendemos a mitad de la película, también, cuando aparece inesperadamente el futuro nominado a Oscar Sebastian Stan interactuando brevemente con Nina en una noche de fiesta a la que la ha arrastrado Lily. Todo en Black Swan es tremendamente ingenioso y es llevado a la pantalla de la manera más magistral posible, haciendo de ella una obra perfecta sobre la imperfección. No se puede poner en duda ni por un instante lo magnífica que es la interpretación de Natalie Portman en el papel protagonista, y aunque sea ella la que lleve la mayor parte del peso de la película, está magnificamente acompañada de Mila Kunis y Vincent Cassel en papeles que ayudan (uno de forma más deliberada que otro) a llevar a Nina a la más absoluta locura. Aronofsky nos da una obra maestra que quizás no fue apreciada en los Oscars como debía, pero que quedará en el corazón de aquellos que conectamos con ella. 

Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Tina Sloan, Christopher Gartin, Sebastian Stan, Benjamin Millepied, Ksenia Solo, Janet Montgomery, Kristina Anapau, Mark Margolis, Leslie Lyles, Marcia Jean Kurtz

Título en español: Cisne negro

Harakiri

6 de julio de 2025

1962, 135'

Dirección: Masaki Kobayashi

Un samurái pide permiso para practicarse el Seppuku (o Harakiri), ceremonia durante la cual se quitará la vida abriéndose el estómago al tiempo que otro samurái lo decapitará. Solicita también poder contar la historia que le ha llevado a tomar tan trágica decisión.

Harakiri es sin duda uno de los clásicos del siglo XX y es de un director relativamente poco conocido (puede que solo por esta obra y no tanto por el resto de su filmografía), y al verla uno se da cuenta de por qué. Una historia llena de pasión y magníficamente relatada, manteniendo la tensión a lo largo de las dos horas y cuarto de metraje. Las coreografías de las escenas de luchas están perfectamente ideadas y se lucen en la pantalla, pero la que más admiramos es la del final de la película, que casi parece ser una danza incluso con todo el daño y la muerte que conlleva. Una obra magnífica merecedora de todo su reconocimiento. 

Reparto: Tatsuya Nakadai, Rentarô Mikuni, Akira Ishihama, Shima Iwashita, Tetsurô Tanba, Masao Mishima, Ichirô Nakatani, Kei Sato, Yoshio Inaba, Hisashi Igawa, Tôru Takeuchi, Yoshio Aoki, Tatsuo Matsumura, Akiji Kobayashi, Kôichi Hayashi, Ryutaro Gomi, Jo Azumi, Nakajirô Tomita, Shichisaburô Amatsu, Kenzô Tanaka, Shin Nakahara, Tsuneo Ikeda, Minoru Miyagi, Takaaki Kadota, Satoshi Nishida, Tetsurô Komiyama, Shûichirô Narita, Noboru Kasuga