Moana 2

30 de noviembre de 2024

2024, 100'

Dirección: David G. Derrick Jr., Jason Hand, Dana Ledoux Miller

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de Moana.

La secuela de la maravillosa Moana de 2016 llega como un gran estreno para los más pequeños y un evento no del todo descartable para los que somos más mayores. Sin embargo, y a pesar de que consiga mantener el tipo, no consigue llegar al nivel de la primera película. Es difícil identificar por qué, porque mucho de esta segunda historia quiere parecer una repetición de la primera (que quizás sea parte del tema, pero entiendo por qué se ha querido ir a lo seguro). Algo en ella se siente más diluido, como si los contrastes en la película de 2016 fueran más acusados (las partes oscuras más oscuras, las bellas y positivas más bellas y positivas) y en esta se haya optado por algo más plano. O, quizás, sea simplemente porque el maravilloso Lin-Manuel Miranda no ha estado involucrado en el proyecto. Todo ello hace de Moana 2 una película inferior a su primera entrega, pero no por ello menos entretenida. 

Reparto: Auli'i Cravalho, Dwayne Johnson, Temuera Morrison, Nicole Scherzinger, Rose Matafeo, David Fane, Rachel House, Alan Tudyk

Título en español: Vaiana 2

Wicked

29 de noviembre de 2024

2024, 161'

Dirección: Jon M. Chu

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad. Tras un encuentro con el Maravilloso Mago de Oz, su amistad llega a una encrucijada y sus vidas toman sendas muy distintas. Con su inquebrantable deseo de popularidad, Glinda se deja seducir por el poder, mientras que la determinación de Elphaba de permanecer fiel a sí misma y a los de su alrededor tendrá inesperadas e impactantes consecuencias en su futuro. Las extraordinarias aventuras de ambas en Oz acabarán llevándolas a cumplir sus respectivos destinos como Glinda, la Bruja Buena, y la Malvada Bruja del Oeste...

Ya desde que salió el tráiler de Wicked tenía la película un poco cruzada, principalmente por esa estética y esos colores que tan aburridos resultan y que tanto se llevan últimamente en las grandes producciones que se cuidan demasiado a sí mismas. Tampoco me convencía del todo que se estuviera publicitando como un stand-alone cuando se trata de una primera parte, aunque entiendo por qué lo hicieron de esa manera (mucha menos gente estaría dispuesta a ver un musical de dos horas y media si es plenamente consciente de antemano de que es solo una primera mitad; ese tipo de cosas solo le funcionan a Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One). Aún con eso, Wicked estaba dando tantísimo que hablar (y estaba teniendo tal promoción previa a su estreno) que acabé teniendo mucha curiosidad y ganas de verla aunque fuera con las expectativas bastante bajas. Tenía que comprobar, también, cómo era posible que Variety estuviera diciendo que podía ganar el Oscar a mejor película el próximo marzo. No he visto el musical que adapta ni he leído el libro, y tampoco tengo casi conocimiento de ninguna de las dos cosas, así que a mí la película no me iba a pillar por la nostalgia. Tampoco soy una fan incondicional de Ariana Grande, así que en general se podría decir que iba a la película con la mente algo en blanco y seguramente pudiendo juzgarla por lo que es. 

He de admitir que, a pesar de no tener yo relación con la historia, Wicked tiene escenas y números musicales tremendamente poderosos, que se presentan en pantalla con una enorme fuerza y con mucha teatralidad, y que estoy segura de que le encantarán a cualquier fan del musical. La historia tiene un buen ritmo y los personajes están bien perfilados con una muy impresionante interpretación por parte tanto de Cynthia Erivo como de Ariana Grande (esta última me ha sorprendido particularmente, porque por ser el icono que es ya todos la hemos visto mucho y hay muchos momentos en Wicked en los que uno casi se olvida de quién es la actriz que está detrás del personaje). En lo que a actuaciones se refiere el caso de Jeff Goldblum es particular, sintiéndose casi como si le hubieran pagado para ir a ese set y hacer de sí mismo. Wicked hila bastante bien con lo que mucho más tarde acabará viéndose en The Wizard of Oz (recordemos que esta nueva película hace las veces de precuela del clásico de 1939), e incluso ahí donde no puede ser fiel al canon de la película original por temas de derechos consigue hacer un puente que no defrauda demasiado a aquellos que vamos a la película pensando más en The Wizard of Oz que en el musical de Wicked. Parece además que Wicked debe ser muy fiel al musical que adapta a la pantalla, contentando así a todos los fans incondicionales de la adaptación al escenario que sin duda inundarán las salas en las que se proyecta este último estreno. Los decorados, por su parte, son llamativos y parecen estar al nivel del mundo de Oz. Hay bastante positivo en Wicked, sobretodo la fuerza de sus actuaciones y la de algunas de sus escenas musicales, pero nada de eso parece compensar (por lo menos para mí y seguramente para otros muchos cinéfilos) el desastre estético que supone. 

Wicked luce aburrida y apagada. La iluminación y la saturación de la película es tan mala como ya se intuía en el trailer, sin que haya contrastes ni apenas sombras ni mucho menos colores vívidos. Y sería ya eso un problema en sí, pero parece doler especialmente cuando se tiene en cuenta la relación de la película con The Wizard of Oz, que revolucionó la industria del cine en cuando a lo que color se refiere. La película de 1939 estaba viva, era vibrante, metía al espectador en un mundo de fantasía. Jon M. Chu ha decidido hacer de Wicked una película más realista para que su público pueda ver en ella algo tangible y lejos del sueño que se representaba en The Wizard of Oz, pero en el intento de hacerlo acaba creando una obra tan desaturada, apagada, aburrida y sosa que casi se siente de plástico, volviéndolo así falso y siendo completamente contraproducente. Tenía la oportunidad de crear algo verdaderamente bello, un festín de color, pero ha optado por seguir la fórmula de muchos blockbusters recientes (y muchas de las películas de Marvel, muy a mi pesar) y darnos una película que a nivel estético deja muchísimo que desear. No merece la pena entrar tampoco en cómo en las escenas de noche parece no verse prácticamente nada en la pantalla (se ve que ha aprendido de Napoleon), porque decido creer que eso ha sido cosa del proyector de mi sala y no de la película. No parece importar tanto la fuerza de los números musicales cuando la fotografía de Wicked es lo que es, y para mí queda completamente devaluada aunque sea solo por eso (aunque no creo que sea lo único malo de la obra). Por mucho que haya querido empezar hablando de lo positivo de la película, que sin duda creo que tiene, el conjunto se convierte en mediocre. Y es que no puedes separar la historia de la manera en la que se presenta en pantalla. 

Habiendo visto ya estas dos horas y media, me preocupa todavía más que se esté planteando la posibilidad de que gane mejor película en los Oscars una obra con una fotografía como esta, algo que contrastaría particularmente teniendo en cuenta que la ganadora de la pasada edición fue Oppenheimer. Hay quienes defienden que será por razones políticas, que un musical como este que además trata ciertos temas de injusticia puede crecerse como respuesta a la victoria de Trump en las elecciones estadounidenses, pero ese razonamiento no sería más que contradictorio e hipócrita teniendo en cuenta que los mismos miembros de la industria que votará para esos premios han sido los que han hecho que Sebastian Stan no vaya a estar en el Actors on Actors de Variety a pesar de ser invitado a ello porque nadie se atrevía a hablar con él sobre su papel como Donald Trump en The Apprentice. Si es al final una razón política la que impulsa a Wicked estos próximos meses (algo parecido a lo que influyó en el Moonlight vs La La Land de los Oscars de 2017, después de la primera victoria de Trump), será por puro postureo más que por cualquier otra cosa. Y, sin duda, reflejará un poco respeto por la estética de las películas y el cuidado de su fotografía e iluminación, acercándonos a obras cada vez más aburridas visualmente. Wicked es entretenida en cierta medida y complacerá a los fans del musical, a quienes asumo que va dirigida, pero es estéticamente decepcionante. Espero que la emoción colectiva que arrastra su estreno no haga que nos olvidemos de esto último. 

Reparto: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Ethan Slater, Marissa Bode, Bronwyn James, Bowen Yang, Keala Settle, Aaron Teoh Guan Ti, Adam James, Colin Michael Carmichael, Kristin Chenoweth, Idina Menzel, James Dryden, Andy Nyman, Grecia De la Paz, Skylar Blu Copeland, Stephen Schwartz, Poppy Townsend White, Emily Tebbutt, Matthew Koon, Lukus Alexander, Cesily Collette Taylor, Jason Lines, Ricardo Ludgero Souza, Alfredo Tavares, Hannah Veerapen, Courtney Mae-Briggs, Alice Fearn, Misa Koide, Jenna Boyd, Kerry Ellis, Terence Hughes, Callum Bowyer, Aisha Jawando, Shaun Prendergast, Lexi Lancaster, Arlo Turner, Joey Unitt, Bea Ward, Dereke Oladele, Sienna-Rose Amer, Tarik Frimpong, Malinda Parris, Noah Prempeh, Vicki Noon, Debbie Kurup, Jasmine McIvor, Hattie Ryan, Kirsty Anne Shaw, Karis Musongole, Jarlan Bogolubov, Isaac Bishop, Clive Kneller, Robin Berry, Bobby Windebank, Cherida Strallen, Peter Dinklage, Sharon D. Clarke

Carbón

28 de noviembre de 2024

2022, 103'

Dirección: Ion Bors

Moldavia, a comienzos de los 90. Dima, tractorista, quiere alistarse en las tropas que combaten en el conflicto regional de la frontera de Transnistria. Vasea, veterano de la guerra de Afganistán, se le une. De camino al frente encuentran un cadáver carbonizado. Las autoridades les ignoran y no les ayudan a identificar el cuerpo.

El ciclo de cine rumano de RADAR incluye esta vez una película de Moldavia, que a pesar de no convencerme tantísimo en un principio ha acabado por ganarme y demostrarme que los dos países vecinos comparten algo en lo que a calidad del cine se refiere. Tiene ese toque cómico tan particular que yo ya he visto tanto en el cine rumano, y aunque nos falte parte de contexto histórico y político para entender por completo su historia, no somos ajenos a su calidad. Quizás no sea de las mejores que he visto de los Balcanes, pero consigue mantener un nivel que ya han dejado hasta ahora considerablemente alto. 

Reparto: Dumitru Roman, Ion Vantu, Igor Caras-Romanov, Vitalie Vasilache, Ion Coseru, Viorel Cornescu, Adriana Batca, Tudor Andronachi, Lidia Novicov, Eugen Prisacari, Alla Dontu

The Wizard of Oz

27 de noviembre de 2024

1939, 102'

Dirección: Victor Fleming

Dorothy, que sueña con viajar "más allá del arco iris", ve su deseo hecho realidad cuando un tornado se la lleva con su perrito al mundo de Oz. Pero la aventura sólo acaba de comenzar: tras ofender a la Malvada Bruja del Oeste, aconsejada por la Bruja Buena del Norte, la niña se dirige por el Camino Amarillo hacia la Ciudad Esmeralda, donde vive el todopoderoso Mago de Oz, que puede ayudarla a regresar a Kansas. Durante el viaje, se hace amiga del Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde. El Espantapájaros desea un cerebro, el Hombre de Hojalata quiere un corazón, y el León, el coraje que le falta; convencidos de que el Mago también les puede ayudar a ellos, deciden unirse a Dorothy en su odisea hasta la Ciudad Esmeralda.

Es un error común asumir que The Wizard of Oz fue la primera película en color, pero se trata de un mito que es importante desmontar. Haciendo un poco de investigación al respecto se descubre que, en realidad, la primera obra comercial rodada en color fue A Visit to the Seaside (1908) (que no coloreada a posteriori, en lo cual sería La Vie et la passion de Jésus Christ, de 1903); si nos restringimos a largometrajes en vez de cortos sería el documental With Our King and Queen Through India (1912), y en cuanto a largometrajes narrativos se trata de The World, the Flesh and the Devil (1914). Sin embargo, no cabe duda de que The Wizard of Oz fue no solo de las primeras películas en el ya tan famoso y fantástico Technicolor, sino que revolucionó por completo el uso del color en el cine. No está mal recordar que el uso del Technicolor nos regaló obras tan visualmente espectaculares como Singin' in the Rain o Gone with the Wind. The Wizard of Oz sin duda se siente como un antes y un después incluso cuando se ve ahora, casi 90 años después de su estreno, y es sorprendente lo bien que aguanta su fotografía, el diseño de producción y, todavía más llamativo, los efectos especiales. Comparte con Gone with the Wind el ser una de esas películas que parecen adelantadas a su tiempo, que cuesta creer que son de la época de la que son (curiosamente, ambas se estrenaron en 1939). Con todo esto parece casi reprochable que no la hubiera visto todavía, teniéndola pendiente desde hace ya demasiado tiempo. Ahora que acaba de estrenarse Wicked parecía que no podía dejarlo esperar más. 

The Wizard of Oz no es solo conocida por su uso del color ni por la manera en la que revolucionó la industria. Tristemente tiene una historia algo aterradora detrás, la cual es ya ampliamente conocida. No solo hablamos del abuso que sufrió Judy Garland durante el rodaje, sino también la nieve utilizada en el rodaje que se trataba de asbesto (un conocido cancerígeno), el actor original del hombre de hojalata intoxicándose por ser maquillado con aluminio puro, y Margaret Hamilton acabando con quemaduras por un fallo en una escena que involucraba fuego y una trampilla. El rodaje fue claramente accidentado y las secuelas para aquellos que participaron en él se vivieron durante años, así que cuesta verlo sin ser al menos un poco consciente de todo ello. Sin embargo, la calidad de la película se mantiene a pesar de todo lo que ocurrió mientras se producía. Ya consigue volarle la cabeza al público (sí, incluso al que ve la película tanto tiempo después y sabe ya perfectamente lo que va a esperarse y el desarrollo de las escenas) cuando Dorothy camina por su casa con la imagen en blanco y negro, casi sepia, y abre la puerta para llegar al mundo de Oz que tanto color derrocha. Es ya bien sabido cómo se hizo esa escena, con una casa pintada para aparentar blanco y negro así como una doble maquillada de la misma manera, que se aparta justo en el momento en el que abre la puerta para que sea Judy Garland, ya en color, la que salga al exterior; pero no por conocer el proceso pierde nada de su magia. Esta es tan solo uno de los múltiples momentos en los que se demuestra el nivel de la película, lo innovadora y espectacular que era para la época, y a dónde nos podía llevar la magia del cine. Las actuaciones de sus protagonistas son espectaculares, pero enamora especialmente ver la manera en la que, al introducirse los personajes del espantapájaros y el hombre de hojalata, sus actores consiguen actuar tan brillantemente con su cuerpo que nos hace creernos por completo que no son humanos, uno hecho de paja y el otro de hojalata. Los números musicales son también icónicos, habiendo cobrado vida propia después del estreno de la película, y teniendo una gran presencia en pantalla. Pero, incluso con lo maravilloso que resulta todo lo demás, no llega a impresionar tanto como esa fotografía y ese diseño de producción, cuidadosamente elegido y ejecutado a la perfección. The Wizard of Oz es toda una explosión de color, una obra que se regodea en aquello que el cine es capaz de crear, que decide darlo todo de sí misma para llevarle al espectador algo que sobrepasa sus propias expectativas. La película es pura magia, una de esas que sorprende que hayan podido hacerse cuando se hicieron, y por las que cualquiera que admire el cine estará eternamente agradecido. Se gana su título de clásico del cine, y nos recuerda, desde 90 años atrás, todo lo que este arte puede llegar a ser. 

Reparto: Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billie Burke, Clara Blandick, Margaret Hamilton, Charley Grapewin

Título en español: El mago de Oz

The Last Stop in Yuma County

26 de noviembre de 2024

2023, 91'

Dirección: Francis Galluppi

Tras quedarse varado en un área de servicio rural, un vendedor ambulante de cuchillos se ve atrapado en medio de una situación de rehenes cuando dos peligrosos ladrones de bancos entran en escena. Travis y Beau, hermanos y criminales a la fuga tras un atraco millonario, planean recargar combustible antes de huir hacia México. Sin embargo, la suerte los lleva a una gasolinera en medio de la nada, donde las apariencias deben mantenerse hasta la llegada de un camión de combustible. Lo que podría haber sido una simple parada, pronto se convierte en un campo de batalla psicológico. El ambiente se va cargando con cada nuevo personaje que llega a la estación. Mientras la tensión aumenta con el calor del desierto, el protagonista se enfrenta a una decisión que cambiará su vida para siempre.

La ópera prima de Francis Galluppi apunta maneras y mantiene al espectador en tensión, sin saber del todo en ningún momento por dónde va a tirar la historia. En ocasiones película policiaca, thriller o de crimen, llega a su tercer acto cambiando el tono y acercándose un poco a lo que hace Tarantino pero sin llegar a ese tono tan sangriento y excesivo de este último, alejándose de la tentación de regodearse en la violencia. A él recuerda, entre otras cosas, la manera en la que (¡spoiler!) se puede asumir que solo tres de los personajes acaban la película con vida: el joven policía, el bebé y ese canario que aparece solo al principio y al final de la película. Enormemente entretenida y tensa, The Last Stop in Yuma County cuenta una historia que sin duda solo podría tener lugar en Estados Unidos, el país de las armas y la violencia, dando ese toque tan norteamericano tanto en las formas de sus personajes como en las localizaciones que ven en pantalla. 

Reparto: Jim Cummings, Jocelin Donahue, Sierra McCormick, Nicholas Logan, Michael Abbott Jr., Connor Paolo, Alex Essoe, Robin Bartlett, Jon Proudstar, Sam Huntington, Ryan Masson, Faizon Love, Richard Brake, Gene Jones, Barbara Crampton, Robert Broski

El caso Abel Trem

25 de noviembre de 2024

2023, 120'

Dirección: Gábor Reisz

Abel, un estudiante de instituto, lucha por concentrarse en sus exámenes finales, pero entonces se da cuenta de que está perdidamente enamorado de su mejor amiga, Janka.

La primera película después del FICX sigue siendo una obra que uno esperaría más encontrarse en un festival que en las salas comerciales. La historia de Abel está ampliamente influenciada por la política (y por el claro ascenso de la extrema derecha en Europa), pero viendo la película no parece que sea eso lo único en lo que esta se centra. Quizás pueda parecer en ocasiones algo poco creíble, sin acabar de tener sentido del todo que el instituto no intente en ningún momento justificar que el suspenso de Abel tuviera que ver con que no dijera palabra en ningún momento del examen oral a pesar de lo tranquilizadora que parece ser la profesora que le examina. Refleja muy bien no solo la histeria política que puede consumir a una sociedad, sino también cómo en ocasiones la prensa puede dejarse llevar por sus intereses propios por encima de un análisis más cuidadoso de la realidad. El personaje más interesante en esta historia parece ser el propio Abel, que a pesar de la imagen que da no parece compartir la ideología política de su familia ni de aquellos que lo apoyan, sino que por el contrario se mantiene al margen de todo ello incluso cuando la situación le afecta personalmente. Una buena película de transición entre el festival que acabó la semana pasada y lo que está por venir. 

Reparto: Adonyi-Walsh Gáspár, István Znamenák, András Rusznák, Rebeka Hatházi, Krisztina Urbanovits, Eliza Sodró, Lilla Kizlinger, Dániel Király, Gergely Kocsis, Tamás Fodor, Péter Tarján, Zsuzanna Szager, Péter Szeiler, Tóth Péter, Tünde Bacskó, Bálint Szimler, Eros Mara

By the Stream

24 de noviembre de 2024

2024, 111'

Dirección: Hong Sang-soo

Una profesora llamada Jeonim le pide a su tío que dirija una obra de teatro que representa el departamento de su escuela. Cada día, Jeonim va a un arroyo cercano para hacer bocetos e intentar captar sus patrones. Su tío decide dirigir la obra de teatro porque recuerda haber dirigido una en esta misma universidad, cuarenta años antes. Surge un incidente escandaloso entre los estudiantes y Jeonim y su tío terminan involucrándose.

Esta edición del Festival de Cine de Gijón se cierra con Hong Sang-soo, algo de lo más propio teniendo en cuenta que ya es casi un director de visionado obligatorio en el festival aunque sea solo por lo mucho que repite en él. By the Stream no es tan buena como su otro largometraje de este año, Necesidades de una viajera, y quizás tampoco tanto como otras de las películas en competición, pero no defrauda porque es exactamente lo que uno esperaría de Sang-soo: gente que se sienta, habla, come y bebe. No es ni más ni menos que sus otras películas, sino que es lo mismo (esta, eso sí, no está desenfocada como in water). Un premio al mejor largometraje quizás no demasiado satisfactorio pero tampoco completamente decepcionante. ¡Nos vemos en el próximo FICX!

Reparto: Kim Min-hee, Kwon Hae-hyo, Cho Yun-hee, Ha Seong-guk, Park Mi-so

River Returns

24 de noviembre de 2024

2024, 108'

Dirección: Masakazu Kaneko

En el verano de 1958, un pueblo ribereño se ve amenazado regularmente por tifones. Allí, un niño llamado Yucha aprende la leyenda local de las inundaciones de un narrador de Kami-Shibai (teatro de papel). Cuenta la historia de una chica con el corazón roto que se ahogó en la poza de un río en lo profundo de las montañas. Se dice que, desde entonces, su dolor ha provocado grandes inundaciones cada pocas décadas. Se acerca un gran tifón, y Yucha se dirige al estanque de las montañas, al que temen incluso los adultos, con la esperanza de detener la inundación.

El premio del jurado joven es el que da inicio al último día de festival, y sin duda lo hace marcando un buen nivel. La historia que hay dentro de la historia hace que te olvides por un momento del tema del que trata la película en realidad, mezclando así la realidad con la leyenda y haciendo de toda la obra algo levemente mágico. Quizás peca de tener un final no solo algo obvio sino explicado de más, pero eso no le quita valor al resto del largometraje. Demuestra así la calidad del jurado joven, en cuyos premios uno siempre puede confiar. 

Reparto: Sanetoshi Ariyama, Asuka Hanamura, Yo Aoi

Paying For It

23 de noviembre de 2024

2024, 85'

Dirección: Sook-Yin Lee

Cuando la novia de un dibujante introvertido quiere redefinir su relación, él empieza a acostarse con trabajadoras del sexo y descubre un nuevo tipo de intimidad en el proceso.

Paying For It, a pesar de lo que pueda parecer, no se adentra a hacer juicios morales sobre la prostitución de la que tanto trata la película. Simplemente relata la historia de una pareja que trata de amoldarse a los cambios que tienen lugar en sus vidas y en su relación, representando las complejidades de los mismos y haciéndolo con un estilo verdaderamente admirable. Y es que, quizás debido a la división por capítulos según los personajes que componen cada uno de ellos, en ocasiones se siente como si uno estuviera leyendo una novela gráfica de las que tanto aparecen pequeños fragmentos a lo largo de la película. Los personajes están cuidadosamente definidos, haciéndolos únicos y dándole una vida especial a la película. Quizás no quiera arriesgarse a meterse en temas morales, pero el estilo con el que Paying For It nos llega a la pantalla parece ser más que suficiente para hacer de ella una buena película. 

Reparto: Dan Beirne, Emily Lê, Andrea Werhun, Noah Lamanna, Chris Sandiford, Ishan Davé, Rebecca Applebaum, Stephen Kalyn, Sabrina Saudin

Necesidades de una viajera

23 de noviembre de 2024

2024, 90'

Dirección: Hong Sang-soo

Nadie sabe de dónde viene la mujer. Está sentada en un banco del parque y toca diligentemente una flauta dulce infantil. Dice que es francesa. Sin dinero ni medios para mantenerse, le han aconsejado que enseñe francés. Así es como llega a tener como alumnas a dos coreanas. A la mujer le gusta andar descalza y tumbarse en las rocas. Y cuando se siente con fuerzas, intenta ver cada instante de forma no verbal y vivir la vida lo más racionalmente que puede. Pero las cosas siguen siendo tan difíciles como siempre. Confía en que la bebida alcohólica coreana makgeolli le proporcione un poco de consuelo cada día.

No hay Festival de Cine de Gijón sin Hong Sang-soo, y no hay Hong Sang-soo sin el Festival de Cine de Gijón. Ya es tradición que traiga sus dos películas anuales a cada edición, y está claro que uno tiene que encontrar un hueco para verlas. Necesidades de una viajera se llevó un Oso de Plata (el Gran Premio del Jurado) en la Berlinale, y es la primera película que veo del director que está predominantemente en inglés. Eso no la hace menos Sang-soo. Sus personajes siguen sentándose para comer, beber y hablar, algo que podría ser la sinopsis de todas sus películas. Se diferencia, sin embargo, en que esta parece ser considerablemente más divertida, algo curioso para el director. Su otra película en esta edición, By the Stream, ha sido la ganadora de este año, pero me parece que esta tiene algo más de gracia por lo que innova respecto al resto de su filmografía. Isabelle Huppert está estupenda como siempre, y parece desentonar con el estilo de los personajes de Sang-soo y las costumbres sociales de Corea del Sur. Uno pensaría que con este director ya lo ha visto todo, pero Necesidades de una viajera es la prueba de que sabe innovar de vez en cuando; sin alejarse nunca, eso sí, de sus costumbres de poner a sus personajes comiendo, bebiendo, sentándose y hablando. 

Reparto: Isabelle Huppert, Lee Hye-young, Kwon Hae-hyo, Cho Yun-hee, Ha Seong-guk, Kim Seung-yun

Título en inglés: A Traveler's Needs

January 2

23 de noviembre de 2024

2024, 86'

Dirección: Zsófia Szilágyi

Klára se separa de su marido y se muda con sus dos hijos y la ayuda de una amiga con la intención de reconstruir su vida.

January 2 puede parecer en ocasiones confusa por no explicar del todo las relaciones entre los personajes a los que retrata, pero eso no hace de la película algo menor. Con un ritmo pausado y centrándose por completo en las dinámicas entre sus protagonistas, ofrece una representación de momentos complicados de la vida adulta y de la manera en la que las relaciones (no necesariamente románticas) se adaptan a ellos. 

Reparto: Csenge Jóvári, Zsuzsanna Konrád, Edit Vlahovics, Márton Pallag, Csaba Antal, Erika Molnár, Ferenc Borbiczky, László Göndör

Go West

23 de noviembre de 2024

1925, 69'

Dirección: Buster Keaton

Un joven que no encuentra trabajo en su pueblo natal emigra a Nueva York en busca de un futuro mejor, pero nada más llegar se siente abrumado por la vida de la gran ciudad y decide probar suerte en cualquier otro sitio. Se cae de un tren cerca de un rancho y se convierte en un vaquero muy especial...

Al igual que al principio del FICX hice una escapada para ver Gladiator II, ahora al final del festival hago otra a Oviedo para ver la película de Buster Keaton que Embajadores Foncalada nos trae con música en directo. Que haya cuadrado justo después de Silent Trilogy, otra película muda que forma parte del festival, ha sido una completa casualidad. Las películas de Keaton siempre son un gran ejemplo de lo impresionantes que pueden resultar los stunts en pantalla, teniendo todavía más mérito el hecho de que sea siempre él el que está en el centro de la acción además de llevar toda la película a sus espaldas. Por mucho que haya avanzado el cine en el último siglo, sus películas mantienen el nivel después de tantos años. Ver Go West con música en directo nos acerca todavía más a la experiencia cinematográfica que se debía tener por aquel entonces, y poder tener la película en la pantalla grande sin duda mejora considerablemente su calidad. Nos demuestra así una vez más que Keaton era uno de los reyes del cine mudo. 

Reparto: Buster Keaton, Howard Truesdale, Kathleen Myers, Ray Thompson, Gus Leonard, Babe London, Roscoe 'Fatty' Arbuckle, Joe Keaton

Título en español: El rey de los cowboys

Silent Trilogy

23 de noviembre de 2024

2024, 59'

Dirección: Juho Kuosmanen

Tres historias interconectadas en las que Kuosmanen (galardonado en Cannes, Locarno, Tampere y en los Premios del Cine Europeo, y autor de la célebre Compartimento nº 6, nominada a un Globo de Oro) retoma el camino de su compatriota y amigo Aki Kaurismäki para rendir homenaje al cine mudo, al mismo tiempo que invita a repensar nuestra relación con la imagen más allá de la palabra.

No es común que una película de clausura sea así de particular (y, para ser sinceros, así de nueva), pero Silent Trilogy ha sido una grata sorpresa. Se trata de tres cortos de cine mudo (El cacharrero y la mujer hermosa, Destiladores ilegales y Planeta lejano) dirigidos por el autor de Compartimento Nº 6, así que ya prometía un cierto nivel y hacía que mereciera la pena estar en Gijón a las nueve de la mañana para poder verlo. Varios aspectos llaman la atención de Silent Trilogy, pero uno de los más admirables es la manera en la que recrea el cine mudo de los años 20 y 30 de forma tan acertada (en más de una ocasión casi podemos ver al Tramp de Chaplin en los protagonistas de esta película) mientras consigue al mismo tiempo distanciarse de ellas al añadir mucho sonido ambiental (pasos en la nieve, las ruedas de un coche, el sonido de unas monedas) mientras deja fuera las voces tal y como hacía el cine mudo clásico, teniendo que ser reemplazadas por intertítulos. También choca, sin duda, verla con tanta calidad de imagen cuando uno está acostumbrado a tener que adaptarse a la manera en la que han tenido que sobrevivir ya un siglo las películas de cine mudo clásicas. Encontramos el nombre del gran Kaurismaki en los créditos de dos de los tres cortos, y nos preguntamos si acaso la decisión de poner a una pequeña banda cantando en un bar fue de él, siendo ya un tópico tan reconocido en su cine. Hay, quizás, incluso algo del Viaje a la Luna de Méliès en el último corto. Al margen de sus posibles referencias, Silent Trilogy resulta original y muy agradable y divertida de ver, siendo así una brillante elección para la película de clausura de esta edición del FICX. 

Reparto: Seppo Mattila, Jaana Paananen, Juha Hurme, Aku-Petteri Pahkamäki

La luz que imaginamos

22 de noviembre de 2024

2024, 118'

Dirección: Payal Kapadia

En Mumbai, la rutina de la enfermera Prabha se ve alterada cuando recibe un regalo inesperado de su marido, quien trabaja en Alemania. Su compañera de piso Anu, más joven, intenta en vano encontrar un lugar en la ciudad para intimar con su novio. Un viaje a una ciudad costera les permite encontrar un espacio para que sus deseos se manifiesten.

La luz que imaginamos arrasó cuando pasó por Cannes, llevándose el Gran Premio del Jurado y el corazón de los críticos. Después de hacer una parada por el Zinemaldi, llega ahora al Festival de Gijón antes de su estreno en cines a principios del año que viene. India ha decidido no proponerla para la categoría de película internacional de los Oscars, muy seguramente por razones políticas, así que La luz que imaginamos tiene en esos premios ya solo la oportunidad de abrirse paso en las categorías generales teniendo en cuenta que los miembros de la Academia no tienden tanto a ver cine de países no blancos (o, en general, de fuera de los angloparlantes); sin embargo, después de haberla visto y teniendo en cuenta lo mucho que se está hablando de ella tras su paso por los festivales, estoy bastante segura de que aparecerá en las nominaciones de varias categorías y digo con firmeza que debería ser una de las películas que llegara con más fuerza a esos premios de marzo, no solo en la categoría de mejor película sino también en las de actuación y banda sonora, entre otras. La luz que imaginamos se aleja mucho de las películas de Bollywood que quizás sean las que más hayan llegado a un público internacional, relatando una historia llena de matices y sutilezas y bellamente interpretada por sus dos actrices principales, Kani y Divya. Se trata de una película sobre las mujeres pero sin ser feminista de una manera obvia. Su ritmo tranquilo y lento no la hacen para nada menos interesante, aunque sí hay que advertir a su público que quizás no deba ir a verla con algo de cansancio, porque merece mucho la pena poder fijarse en todos y cada uno de los detalles. La película insiste en no contarnos toda la historia de sus protagonistas, pudiendo suponer nosotros lo que han vivido antes de que nos las encontramos en pantalla, e intentando adivinar, por ejemplo, cuál es la relación entre Prabha y su marido. Tampoco quiere ser demasiado clara al final, y es bello ver a la salida del cine cómo cada uno lo ha interpretado a su manera, sin saberse con certeza si ha sido de verdad el marido de Prabha el que ha aparecido junto a ella casi mágicamente o si se trataba tan solo de una imaginación suya o quizás una metáfora. La luz que imaginamos se presta a ser interpretada por su público, el cual sin duda estará de acuerdo en la calidad de la película. Toca temas serios e importantes a nivel social sin acabar de hacer de ellos todo su tema, encontrando así un bello balance entre la reivindicación y la sensibilidad de la propia película, que al final se percibe como si fuera principalmente la historia de dos compañeras de piso. Quizás nos faltara (o me faltara) un poco más de contexto social del país para entender algunos aspectos que se tocan, como por qué es problemático que el novio de Anu sea musulmán, pero nunca acaba resultando un impedimento para ver la película. La luz que imaginamos sin duda se merecía todo el reconocimiento que se llevó en Cannes, y solo queda esperar que reciba el mismo aprecio cuando se estrene en salas. 

Reparto: Kani, Divya Prabha, Hridhu Haroon, Chhaya Kadam, Azees Nedumangad, Anand Sami, Lovleen Mishra, Madhu Raja

Título en inglés: All We Imagine as Light

El placer es mío

22 de noviembre de 2024

2024, 94'

Dirección: Sacha Amaral

Lo que al principio era una simple búsqueda para recuperar el dinero robado se convierte en la oportunidad de que una familia disfuncional se reconcilie por fin.

El placer es mío resulta frustrante en ocasiones por la manera en la que representa a su protagonista, del que sentimos pena a veces y hacia el que dirigimos nuestra rabia en otras muchas. La historia es en ocasiones confusa pero no tanto como para que sea disruptivo, aunque siga sin ser el fuerte del largometraje. Es en la parte más artística donde más se luce, con unas bellas imágenes y buena fotografía que intentan mejorar una película que de otra manera parece quedarse a medio camino. Aunque haya estado bien verla, no acaba de entrar en el grupo de las verdaderamente buenas de este festival. 

Reparto: Max Suen, José Vicente Orozco, Sofía Palomino, Katja Alemann, Vladimir Durán, Julián Larquier Tellarini, Luciano Suardi, Anabella Bacigalupo, Iair Said

L'Empire

22 de noviembre de 2024

2024, 110'

Dirección: Bruno Dumont

En la Costa de Ópalo, en el norte de Francia, en un tranquilo y pintoresco pueblo de pescadores, por fin ocurre algo: nace un bebé especial. Un niño tan único y peculiar que desata una guerra secreta entre fuerzas extraterrestres del bien y del mal.

Si me queda algo claro después de esta proyección de L'Empire en el Teatro Jovellanos, es que a su director sin duda le gusta Star Wars. Llena de efectos especiales que no tengo demasiado claro cómo ha podido pagar, la película es en ocasiones tan ridícula que uno se pregunta si no será un experimento social o una especie de broma pesada. Ni la historia en general, ni los diálogos ni las actuaciones le hacen ningún tipo de favor. Hace que estos últimos días del festival empiecen de la manera más extraña posible, queriendo olvidar yo rápidamente lo que he visto durante esa hora y cincuenta minutos y sabiendo que la siguiente película no lo tenía nada difícil para ser mejor que esta. 

Reparto: Lyna Khoudri, Anamaria Vartolomei, Camille Cottin, Fabrice Luchini, Brandon Vlieghe, Julien Manier, Bernard Pruvost, Philippe Jore, Bilal Gharbi

The Damned

21 de noviembre de 2024

2024, 88'

Dirección: Roberto Minervini

Invierno de 1862. En plena Guerra de Secesión, el ejército de los Estados Unidos envía una compañía de soldados voluntarios a los territorios del oeste, con la misión de patrullar las inexploradas tierras fronterizas. A medida que su misión cambia de rumbo, el significado de su compromiso empieza a escapárseles.

Ganadora del premio a mejor dirección en Un Certain Regard en Cannes, The Damned se luce artísticamente para contar una historia que quizás para nosotros sea algo más ajena pero que podemos disfrutar igualmente por la calidad de sus imágenes y la suavidad de sus diálogos. Una bella fotografía se une a una corta profundidad de campo para dar un efecto visual curioso, llamando en ocasiones más la atención este aspecto que la guerra que estamos viendo en pantalla, y de la cual también se representa tan solo una pequeña parte. Hay pocos momentos de enfrentamiento, centrándose más en las conversaciones entre sus personajes y en temas más filosóficos como la religión o el bien y el mal. Quizás en cuanto a su trama no tenga todo el interés que podría, pero la estética parece compensarlo. 

Reparto: Jeremiah Knupp, Cuyler Ballenger, René W. Solomon, Noah Carlson, Timothy Carlson, Judah Carlson, Bill Gehring

Título en español: Los malditos

As the Tide Comes In

21 de noviembre de 2024

2023, 88'

Dirección: Juan Palacios

Documental que se acerca con una mirada observacional y humanista al último agricultor de una pequeña isla danesa cuyos ocho kilómetros cuadrados son amenazados por el cambio el climático.

Ya tan solo las imágenes que vemos en As the Tide Comes In hacen que merezca mucho la pena haberla cogido en esta edición del festival. Una muy buena fotografía acompaña a esos maravillosos paisajes y le da todavía más belleza a las escenas de aves en las que tanto se recrea Juan Palacios en su documental, tanto mostrándonoslas con imágenes como dejándonos escucharlas. As the Tide Comes In es más bella que entretenida, y no cabe duda de que a los que sentimos un aprecio por los pájaros nos supone una buena experiencia independientemente del valor que le demos a su trama. 

Reparto: -

L'histoire de Souleymane

20 de noviembre de 2024

2024, 92'

Dirección: Boris Lojkine

Mientras pedalea por las calles de París para repartir comidas, Souleymane repite su historia. En dos días tiene que pasar la entrevista de solicitud de asilo, la clave para obtener papeles. Pero Souleymane no está preparado.

L'histoire de Souleymane sin duda se queda como una de las mejores películas que llevo vistas en esta edición del Festival de Cine de Gijón, y no me extrañaría demasiado que acabara haciéndose con el premio del público. Seguimos a Souleymane tan solo durante unos días, viendo parte de lo que es su vida y sintiendo por un breve instante una fracción de lo que debe ser verse en su situación. Me ha recordado por momentos a Tori et Lokita, que fue la primera película que vi en mi primer Zinemaldi. El agobio que uno siente viendo a Souleymane vivir al día hace que empezamos a vislumbrar la desesperación que debe venir con una situación como esta. La película culmina con la entrevista de solicitud de asilo, que vemos empezar como si se tratara de un examen oral a un niño de primaria que se ha tenido que memorizar el día anterior el temario. Y es que Souleymane tiene que contar una historia que no es suya porque su sufrimiento no parece ser suficiente, porque desde los países desarrollados vemos sus vidas desde una tarima, actuando como jueces o incluso dioses, y sintiendo que tenemos el derecho a decidir si son merecedores de una vida digna como si nosotros no hubiéramos hecho lo mismo y más si nos viéramos en su situación. L'histoire de Souleymane rebosa sensibilidad, resistencia e injusticia, plasmado todo ello en la actuación de Abou Sangare en la que es su primera película y que le dio en Cannes el premio a mejor actor en Un Certain Regard, llevándose también la película el premio del jurado en esta misma categoría. Una de las mejores del FICX de este año. 

Reparto: Abou Sangare, Nina Meurisse, Younoussa Diallo, Amadou Bah, Emmanuel Yovanie, Keita Diallo, Ghislain Mahan, Mamadou Barry, Yaya Diallo, Karim Bouziane, Sory Binta Barry, Thierno Sadou Barry, Nagnouman Touré, Frédéric Faria, William Cotteaux-Guinard, Roger Bernard, Boris Lojkine, Léonie Lojkine

Título en español: La historia de Souleymane

Los capítulos perdidos

20 de noviembre de 2024

2024, 67'

Dirección: Lorena Alvarado

Tras pasar años en el extranjero, Ena regresa a Caracas, donde encuentra a su abuela perdiendo la memoria y a su padre buscando libros raros venezolanos.

Una película tranquila, lenta y silenciosa que se sostiene más en el ambiente que crea y las imágenes que nos muestra que en la historia que relata. Los libros llenan más de la mitad de los planos, bien sean en una casa o en la librería, basando en la belleza de estos gran parte de la esencia de la película. Quizás se hubiera beneficiado de centrarse un poco más en su argumento, pero lo compensa al ser estéticamente agradable de ver. 

Reparto: Ena Alvarado, Ignacio Alvarado, Adela Rodríguez

In the Land of Brothers

19 de noviembre de 2024

2024, 95'

Dirección: Raha Amirfazli, Alireza Ghasemi

Tres miembros de una extensa familia afgana comienzan de nuevo sus vidas en Irán como refugiados, sin saber que tienen por delante una lucha de décadas para estar 'en casa'.

El cine iraní comparte con el cine rumano dos características: su brutal crudeza y que rara vez me decepciona. In the Land of Brothers no es una excepción para ninguna de las dos. El premio de mejor dirección que se llevó en Sundance es, sin duda, más que merecido, y especialmente meritorio teniendo en cuenta que es la primera obra que dirigen. Dividida en tres capítulos en los que cada uno sigue a un miembro de esta extensa familia afgana, y separados los eventos que se retratan en ellos por diez años, vemos en la película una manera de vivir que nos cuesta imaginar. Tienen en común no solo la familia en la que se centran y el tema tratado sobre los refugiados afganos en Irán, sino también el hecho de que en todas ellas sus protagonistas hacen un enorme esfuerzo por ocultar la verdad a sus seres queridos y a aquellos que tienen a su alrededor, siendo esta verdad la propia muerte de familiares en el caso de los dos últimos capítulos. A veces cuesta entender por qué están actuando de esa manera, qué les lleva a ocultar algo que inevitablemente saldrá a la luz tarde o temprano, pero parece claro que si no lo comprendemos es porque no somos del todo capaces de ponernos en una situación que dista tanto de aquella que nosotros tenemos la suerte de vivir. In the Land of Brothers es cruda, real, y muy en la línea del cine iraní del que parece que falta un poco más en los festivales últimamente. 

Reparto: Hamideh Jafari, Bashir Nikzad, Mohammad Hosseini, Marjan Khaleghi, Hajeer Moradi, Marjan Ettefaghian, Mehran Vosoughi

La parra

18 de noviembre de 2024

2024, 90'

Dirección: Alberto Gracia

Damián participa en un concurso televisivo donde premian la literalidad. Le han colocado su nombre en la camisa. Cuando el programa se va a publicidad, comienza la historia: Érase una vez un hombre de mediana edad que vive de forma precaria en una gran ciudad. Al recibir la noticia de que su padre ha muerto, tiene que volver a Ferrol, su pueblo natal. Tras más de veinte años fuera, Ferrol se ha convertido en una ruina que todo lo atrapa.

Se me había avisado ya de que La parra era una película extraña, algo que quizás hubiera podido deducir por mi cuenta sabiendo que viene al festival como parte de Generación mutante. Verla no ha hecho más que confirmar la teoría, y nos ha descolocado tanto a todos que se ha alargado la conversación sobre ella durante un buen rato después de haber acabado, intentando entender una historia que quizás no deberíamos estar cuestionándonos todos. Es tan rara que funciona sin que uno sepa muy bien por qué, porque sin duda no sigue los estándares tradicionales (sigo, todavía ahora, sin tener claro los tiempos ni la cronología de la historia que relata). Una estupenda fotografía acompaña a una historia extraña sobre aquellos que viven en los márgenes, combinando a la perfección con las curiosas personalidades que la película se va encontrando. Y es que son los aspectos artísticos los que más parecen destacar en La parra. Supe ya nada más acabar de verla que alabar su maravillosa banda sonora no iba a parecer del todo sincero por mi parte teniendo en cuenta que conozco a su compositor, pero ver cómo el moderador del encuentro ponía por las nubes la música que ha creado Jonay me da una mayor seguridad para señalar lo mucho que destaca y la manera en la que eleva la película, y es que Alberto Gracia tenía toda la razón cuando decía que la banda sonora es posiblemente la mejor parte de La parra. Quiere recordarme en ocasiones a aquella ya icónica música que nos encontramos en The Substance, pero sabiendo tocar también otros estilos que se amoldan a la perfección a lo que se va mostrando en pantalla. Qué decir, ya demostró el nivel que tenía cuando a los pocos minutos de metraje empieza con fuerza al construir la tensión de ver a ese grupo de ciegos que ha quedado abandonado en el monte. La parra es rara, artística, y sin duda hecha para que no la entiendas del todo, algo que cada día creo apreciar más. 

Reparto: Alfonso Míguez, Pilar Soto, Lorena Iglesias, Emilio Buale

Mistress Dispeller

18 de noviembre de 2024

2024, 94'

Dirección: Elizabeth Lo

El auge de las plataformas de contactos en China ha generado una inaudita figura profesional: La ahuyentadora de amantes, que se mueve entre la terapia de pareja, la salvaguarda de los valores familiares y la negociación con el agente externo (la amante).

Quizás sea en parte por la diferencia cultural o porque no todo queda completamente explicado en el documental, pero siento que necesito una guía para entender Mistress Dispeller. ¿Cómo es posible que todas las personas que vemos (con excepción de la mistress dispeller y la mujer) accedieran a ser filmados para el documental sin preguntarse por qué lo estaban haciendo ni sobre qué iba a ir? ¿Acaso fue algo como ese terrible programa de El jefe infiltrado, en el que creen que se va a rodar una cosa cuando en realidad es otra? ¿Y cómo pueden mantener esas conversaciones tan íntimas y espontáneas estando allí presentes las cámaras, sabiendo que no fueron escenificadas por lo que dijo su directora antes de que viéramos la película? Hay demasiadas preguntas y muy pocas respuestas, y ya no sé si seguir buscándole una lógica a todo el asunto. Es posible que solo deba dejarme llegar por las imágenes, por la tranquilidad que se muestra en el documental, aspectos que sí que me han convencido. Lo mucho que me ha descolocado y lo poco que la he entendido quizás me hagan tener de ella una opinión más positiva de lo que debería, o al revés, la valore peor de lo que podría haberlo hecho si no fuera tan extraña para mí. Sea como sea, me deja confundida pero no necesariamente desencantada. 

Reparto: -

Tardes de soledad

17 de noviembre de 2024

2024, 125'

Dirección: Albert Serra

Retrato de una estrella del toreo en activo, Andrés Roca Rey, que permite reflexionar sobre la experiencia íntima del torero que asume el riesgo de enfrentarse al toro como un deber personal por respeto a la tradición y como un desafío estético. Este desafío crea una forma de belleza efímera a través de la confrontación material y violenta entre la racionalidad humana y la brutalidad del animal salvaje.

Hace unos años, llevada por la curiosidad y por mi patológica necesidad de conocer de primera mano todo lo relevante no solo para juzgarlo por mí misma sino para entender su importancia y las reacciones que provoca, me leí el Lolita de Nabokov. Una decisión a la que tampoco di mucha importancia en un principio pero que acabó en un mes entero arrastrando la lectura de un libro de 352 páginas que sigue siendo hasta la fecha la experiencia literaria con la que más he sufrido. Lo tremendamente descriptivo que es y lo bien escrito que está hacen de su lectura una experiencia enormemente desagradable. Todavía hoy sigo recordando lo horrible que me resultó leerlo, sin entrar sin embargo en valoraciones acerca de su calidad. Es muy difícil expresar lo que ha sido ver Tardes de soledad en el Festival de Cine de Gijón, pero si tuviera que compararlo con algo tendría que ser con ese duro mes de otoño en el que me llevaba Lolita a todas partes por ser incapaz de acabarlo. Por lo menos en el caso del libro de Nabokov podía posponer su lectura; con la película uno está casi secuestrado en la butaca durante sus dos horas y cinco minutos. Debo destacar que, por lo menos, con Lolita no era plenamente consciente de lo que me iba a encontrar. No sabía que la niña que le da nombre era tan extremadamente joven, ni que fuera narrada desde el punto de vista de Humbert Humbert. Con Tardes de soledad no puedo usar una excusa parecida, porque era perfectamente consciente de lo que iba a ver. Premiada en San Sebastián con la Concha de Oro y muy hablada desde entonces, la última obra de Serra es su primer documental, siguiendo al torero Andrés Roca Rey en varias de sus corridas así como los traslados en coche hasta y desde la plaza de toros y el proceso de ponerse esos trajes. En las corridas la cámara (o más bien el zoom) se acerca mucho más de lo que uno puede esperar de un documental así, mostrándolo absolutamente todo: el mayor horror, la tremenda violencia, la sangre, la lenta muerte del animal. Tampoco repara en mostrar al torero, sus movimientos y sus gestos, las breves conversaciones que tienen lugar en su círculo más cercano mientras torea. No me parece que la película sea necesariamente taurina ni antitaurina. De hecho, diría que cada uno puede ver en ella lo que prefiera. Los taurinos pueden apreciar la belleza de los movimientos del torero y de su atuendo (todo ello, por cierto, algo que se tiene también en el flamenco, enormemente bello y sin la parte violenta), y los antitaurinos podremos destacar (si es que somos capaces de superar el enorme sufrimiento que supone tan solo estar frente a la pantalla, que yo no tengo claro haber conseguido) la manera en la que refleja la más absoluta brutalidad del toreo, la violencia y la sangre, la lentitud con la que el animal muere después de sufrir sin ni siquiera entender lo que está ocurriendo. Quizás sea que lo criticable no es la película en sí, sino la actividad que refleja, esa que yo ya tenía asumido que todos veíamos como inexcusablemente cruel, pero que con la vuelta de la extrema derecha dejo de estar tan segura de ello. Albert Serra pone una cámara y te muestra lo que hay, quizás esperando que seas tú el que interprete lo que quiera. Ves no solo todo lo relacionado con el toro, sino también los comportamientos de esos niños y hombres pijos que seguramente voten a VOX y que rezuman testosterona y masculinidad (esta última frágil, aunque ellos no lo sepan). Ves el desprecio que tienen por la vida del animal y por la suya propia. No ves, curiosamente, al público, al que se escucha solo como un ruido de fondo. Cuando uno ve Tardes de soledad y la sufre tanto como lo he hecho yo, quizás empiece a darse cuenta o analizar ciertos detalles que podrían pasarse por alto pero a los que yo me aferraba para intentar alejar la atención de mi propio sufrimiento. Por ejemplo, la manera en la que se escucha a los vencejos de fondo en la última corrida, reflejando lo bello de la naturaleza y de la vida y contrastando con las imágenes que nos vemos obligados a ver. O quizás las similitudes que veo entre esta película y la de Gladiator II que vi hace dos días, la manera en la que ambas llevan a algún tipo de estadio a seres a los que consideran inferiores, buscando disfrutar no solo de su muerte frente a sus ojos sino del sufrimiento que tendrán que soportar hasta llegar a ella. No conozco la intención de Serra al hacer Tardes de soledad (y tampoco quiero intentar inferirla en base al corto encuentro que tuvimos con él después de su proyección), si pretende llevar a aquellos que la ven a un extremo o al otro, pero en el fondo no importa, porque una vez que se estrena una película pasa a ser de su público, que se vuelve dueño de la narrativa y convierte la obra en lo que sea que quieran interpretar de ella. Supongo que esa es la magia del cine, para bien o para mal. No puedo negar que la calidad artística de la película sea alta, pero es lo único en lo que me atrevería a calificarla, porque no soy capaz hacerlo en general. Será, de hecho, la primera película que en mi Letterboxd se quede sin una puntuación, y es que mi mente no es capaz de saber qué poner. Tardes de soledad ha sido para mí muy probablemente una de las experiencias más sufridas que he vivido en un cine; que eso hable positiva o negativamente de la película ya no lo sé, quedará a entendimiento de cada uno, tal y como ocure con la obra y su público. 

Reparto: Andrés Roca Rey

Título en inglés: Afternoons of Solitude