Drive-Away Dolls

30 de abril de 2025

2024, 84'

Dirección: Ethan Coen


Una chica fiestera viaja de Filadelfia a Miami con una amiga más reservada. Por el camino recorren los bares y encuentran, entre otros obstáculos, una cabeza cortada en una sombrerera, una exnovia amargada, un maletín misterioso y un senador malvado.


En 2024, antes de The Substance, la nominada al Golden Globe Margaret Qualley apareció en una película de los hermanos Coen que al parecer no demasiada gente ha visto, algo que sorprende teniendo en cuenta que cuenta con breves apariciones de una gran cantidad de estrellas de cine. Pedro Pascal, Colman Domingo, Matt Damon e incluso Miley Cyrus deberían haber llamado la atención de un público amplio a pesar de que tengan papeles muy pequeños, pero por alguna razón Drive-Away Dolls no salió de los círculos cinéfilos, e incluso en ellos no ha sido una película demasiado vista. Hay que admitir que, tal y como decían muchos de los críticos, la película tampoco es una maravilla. Aun así, ¿acaso necesitamos que lo sea? ¿No es suficiente con tener a Margaret Qualley en pantalla protagonizando una película un poco boba pero divertida? Uno pasa un buen rato mientras la ve, y quizás eso sea lo único que importa. A Drive-Away Dollshay que ir sin muchas expectativas, sabiendo que busca hacer algo parecido a lo que sí consigue Bottoms pero sin llegar a ello. Nos contentamos con tener a Qualley en pantalla. 

Repato: Margaret Qualley, Geraldine Viswanathan, Pedro Pascal, Matt Damon, Beanie Feldstein, Colman Domingo, Bill Camp, Annie Gonzalez, Abby Hilden, Joey Slotnick, C.J. Wilson, Connie Jackson, Gordon MacDonald, Sam Vartholomeos, John Menchion, Michael Counihan, Haley Holmes, Fatima Fine, Sam Mazzei, Jordan Zatawski, Samsara Leela Yett, Savanna Ziegler, Michael Worden, Braxton McCollum, Daniel Kirkman, Layne LazorPhil McFallAngelo Maldonado Jr.Cristina ContrerasMichael EdelsteinMicaela Minner, Billy Hough, Alex Halpern, Angela Boehm, Josh Flitter


Título en español: Dos chicas a la fuga

Esto no es una película

29 de abril de 2025

2011, 75'

Dirección: Mojtaba Mirtahmasb, Jafar Panahi


Tras recurrir judicialmente una sentencia que lo condenaba a seis años de cárcel y veinte de inhabilitación, el director iraní Jafar Panahi tuvo que esperar meses hasta que se hizo pública la sentencia. Documental que reproduce un día en la vida de Panahi y Mojtaba Mirtahmasb (su antiguo ayudante de dirección) y ofrece una visión general de la situación actual del cine iraní.


El cine iraní nunca falla, y Panahi sin duda tampoco. Es ya conocido que es uno de los directores que se han visto obligados a exiliarse de su país por la respuesta del gobierno hacia sus películas y los temas en los que se centran. Siempre es interesante ver las obras de directores como Panahi o Rasoulof, pero esta parece particularmente especial porque es un documental que toca precisamente la censura y represión de las obras de estos grandes directores iraníes. Seguimos a Panahi a lo largo de un día en el que debe esperar en su casa a saber más acerca de su inminente condena, y cómo no, lidia con esa situación a través del cine. Esto no es una película es doblemente interesante porque es al mismo tiempo una no-película (como indica el título) y dos películas en una. Es un documental improvisado, crudo y real. Dentro del documental nos encontramos una película, la que va creando Panahi, como no la hemos visto nunca: no hay actores, ni decorados. No hay iluminación ni equipamiento, tan solo el salón del propio Panahi, unas cintas que marcan los límites de la casa ficticia y muchísima imaginación. Jafar Panahi nos obliga a construir su película en nuestra cabeza mientras nos da tan solo una breve guía para hacerlo, porque no tiene medios para ofrecernos nada más. Es un enorme esfuerzo de imaginación al mismo tiempo que resulta extremadamente interesante ver cómo le van llegando noticias de su condena por parte del gobierno, dándonos mucho que pensar y haciendo de Esto no es una película una obra magistral que prueba una vez más la altísima calidad de su director. Innumerables películas que  son películas desearían poder rozar el nivel de este documental. 

Reparto: Mojtaba Mirtahmasb, Jafar Panahi


Título en inglés: This Is Not a Film

Todos vosotros sois capitanes

28 de abril de 2025

2010, 78'

Dirección: Oliver Laxe


Presentada en el Festival de Cannes en la sección Quincena de Realizadores, Todos vós sodes capitáns, del gallego Óliver Laxe, es un ensayo visual a medio camino entre el documental y la ficción, que al tiempo que retrata el Magreb relata la historia de Óliver, un profesor que propone a un grupo de niños rodar una película en Tánger.


Descubro otra película de Oliver Laxe gracias a la preparación que estoy haciendo antes de Cannes, esta vez un documental que no parece demasiado español a pesar de que ese sea el país de producción. Seguir los comportamientos de estos niños marroquíes mientras se prepara el rodaje de una película con ellos es interesante, pero me quedo mil veces con la otra obra de Laxe que he visto, O que arde. Habrá que ver qué tiene que ofrecernos en este festival de Cannes. 

Reparto: Shakib Ben Omar, Nabil Dourgal, Mohamed Bablouh, Said Targhzaou, Asharaf Dourgal, Bilal Belcheikh, France Aline, Hicham Amidallah


Título en inglés: You All Are Captains

El amigo americano

27 de abril de 2025

1977, 125'

Dirección: Wim Wenders


El marchante americano Tom Ripley intenta poner a prueba la integridad de Jonatham Zimmermann, un humilde fabricante de marcos que padece una enfermedad terminal. Ripley le presenta a un gánster que le ofrece mucho dinero a cambio de que trabaje para él como asesino a sueldo. En un principio rechaza la oferta, pero, al pensar en el precario futuro que espera a su mujer y a su hijo después de su muerte, acaba aceptando el trato.


El amigo americano es la tercera película de este domingo, y llego a ella sabiendo que Metrópolis Cinema Paradiso han dejado el listón muy alto. La obra de Wim Wenders de 1977 no es tan Wenders como otras de sus películas, pero seguimos viendo su estilo en ella. A pesar de que el director sea alemán, la película es muy estadounidense. A pesar de ser considerablemente buena no parece encontrarse en ella mucho que la distinga de manera clara de otras de la época, pero sí cuenta con un emocionante final en el que casi no queremos parpadear para no perdernos nada de la acción. Una vez más, y aunque no sea la película más especial de su filmografía, Wenders no falla. 

Reparto: Bruno Ganz, Dennis Hopper, Lisa Kreuzer, Gérard Blain, Andreas Dedecke, David Blue, Stefan Lennert, Rudolf Schündler, Heinz Joachim Klein, Rosemarie Heinikel, Nicholas Ray, Samuel Fuller, Lou Castel, Daniel Schmid, Sandy Whitelaw, Jean Eustache


Título en inglés: The American Friend

Cinema Paradiso

27 de abril de 2025

1988, 124'

(Primer visionado: 8 de agosto de 2022)

Dirección: Giuseppe Tornatore

Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. Narra la historia de Salvatore, un niño de un pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es ir al cine. Subyugado por las imágenes en movimiento, el chico cree ciegamente que el cine es magia; pero, un día, Alfredo, el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película. Salvatore va creciendo y llega el momento en el que debe abandonar el pueblo y buscarse la vida. Treinta años después recibe un mensaje, en el que le comunican que debe volver a casa. 


Pensaría uno que quizás cuando se ha visto Cinema Paradiso ya unas cuantas veces, cuando se conoce la historia, lo que va a ocurrir y la manera en la que se va a contar, la película golpearía un poco menos. Quizás no llegara tanto al corazón, o se podría ver esa gran escena final sin que se humedecieran los ojos. En este, que es mi tercer visionado de la obra de Tornatore, he podido comprobar que nada más lejos de la realidad. 

No es nada sorprendente destacar lo importante que es Cinema Paradiso para mí. En 2022 elegí verla como la película número 100 del año para celebrar lo que el cine había hecho por mí en esos siete meses que llevaba (siete meses también de este blog). Es la primera película que aparece en mi top 4 de Letterboxd, y si no tengo un póster en casa de ella es porque no he sido capaz de encontrarlo. Además, es junto a 2001: A Space Odyssey, una de las películas de las que más hablé en la carta de motivación que me permitió acceder a una acreditación en el festival de Cannes de este año. Decir que es relevante para mí sería quedarse cortos, así que a pesar de haberla visto ya varias veces antes, no podía dejar pasar la oportunidad de repetirla en una sala de cine. A pesar de que sea una obra que pueda tocar a cualquiera, Cinema Paradiso es claramente para los cinéfilos. Una carta de amor al arte, la devoción llevada a la pantalla. Nos vemos representados en esos niños que lo hacen todo para colarse en el cine, en Totó cuando gasta el dinero que le ha dado su madre para comprar en conseguir una entrada. Entendemos su fascinación por la sala de proyección, y por qué insiste tanto en estar en ella, en tocar las películas (tanto literal como metafóricamente). Sentimos esa profunda alegría cuando vemos la manera en la que Alfredo hace que la luz del proyector se refleje, llevando la película por las paredes de la sala de proyección hasta que la obra sale por la ventana y acaba cubriendo una pared de la plaza del pueblo, convirtiendo el cine en algo compartido, en un sentimiento común. Apreciamos a cada personaje tan particular en la película, ese hombre que reclama la plaza como suya, incluso el pijo que escupe a aquellos que se sientan bajo él en la sala. Hasta el sacerdote, que va al cine solo para hacer sonar la campanilla cada vez que ve una escena que considera inapropiada para ser proyectada, nos hace una cierta gracia. Sentimos tanto amor y pasión en esa primera parte de la película, que inevitablemente las escenas más difíciles nos tocan de sobremanera. Sentimos el dolor en el pecho cuando vemos al Cinema Paradiso arder, y nos llenamos de emoción cuando se salva gracias a la ayuda de uno de los vecinos, convirtiéndolo en el Nuovo Cinema Paradiso que ahora tiene un nuevo cartel que nos transmite todo lo bueno que tiene que dar la película. Pero sin duda, lo que más nos pega de Cinema Paradiso es su final. Sabemos ya desde el principio que Totó no vive en Bagheria, que ni siquiera visita demasiado, y que Alfredo acaba de fallecer. La historia se hace más dura cuando, llegados al final, acompañamos a Totó de vuelta al pueblo en el que creció para encontrarse el cine cerrado y a punto de ser derruido. Apenas nos hemos recuperado del entierro del viejo proteccionista cuando nos vemos obligados a presenciar la caída del Cinema Paradiso, que nos duele tanto como si hubiéramos sido nosotros los que habíamos crecido allí. Nos hace pensar en lo que simboliza, en terrorífico que nos resulta la idea de un cine obligado a cerrar porque se queda sin su público, indispensable para este arte. Pensamos en si será precisamente esto a lo que nos lleve el avance del streaming, o si quizás los cinéfilos resistiremos hasta el fin de los tiempos, contagiando nuestra pasión a los que vengan detrás. Pensamos mucho, pero no durante demasiado tiempo, porque la escena final de la película llega para asegurarnos de que una obra como Cinema Paradiso no puede acabar en una nota triste, pero no por ello nos libra de las lágrimas que se acumularán en nuestros ojos. Totó se emociona viendo el montaje de todos los besos que el sacerdote obligó a Alfredo a quitar de las películas, y nosotros nos emocionamos viendo a Totó. Él pensará en la magia del cine al ver tal proyección en la gran pantalla, y nosotros sentimos lo mismo que él mientras Cinema Paradiso cierra dejándonos vacíos y llenos al mismo tiempo, recordándonos por qué amamos este arte y la manera en la que nos hace humanos. Mientras se proyectan los créditos uno piensa en todo lo asombroso que han hecho las películas, en lo mucho que nos siguen sorprendiendo a pesar de estar ya tan metidos en este mundo. La mente se va a esos momentos únicos en salas de cine, a las emociones de festivales. Me llegan recuerdos de la primera acreditación de prensa que me aceptó un festival de cine, de caminar por la alfombra roja como público, como prensa y como organización. Del correo que confirmaba que podría formar parte del festival de cine de Cannes este mismo año. No hay nada como la magia del cine, y no hay sentimiento mayor que el que vivimos los cinéfilos en las salas. Cinema Paradiso es, en esencia, un recordatorio de todo ello. 

Reparto: Philippe Noiret, Marco Leonardi, Salvatore Cascio, Jacques Perrin, Agnese Nano, Brigitte Fossey, Antonella Attili, Enzo Cannavale, Isa Danieli, Leo Gullotta, Pupella Maggio, Leopoldo Trieste

Metrópolis

27 de abril de 2025

1927, 153'

Dirección: Fritz Lang


Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder, el hijo del todopoderoso Joh Fredersen, el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María, una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.


Es ligeramente vergonzoso que a estas alturas no hubiera visto todavía el gran clásico que es Metrópolis, y sin duda no ha sido por falta de señales. No se trata solo de una de las grandes películas de la historia del cine, sino que me he ido encontrando referencias a ella a lo largo de los años, como ese gran letrero con su título sobre el reloj de la película que hay en el museo de cine de Turín, y el cual se puede apreciar especialmente bien cuando se sube en ascensor a la Mole (algo que ahora que he visto la película parece el doble de poético). Sin embargo, parece que ha merecido la pena aplazar el visionado de la película, porque me ha permitido que mi primera vez descubriéndola sea en una sala de cine con piano en directo; está claro que no había mejor manera de meterse en la famosa obra de Lang. Pero es que, aunque se vea en un ordenador en casa, la inigualable calidad de la película haría que quedara igual de claro que es una obra maestra. Metrópolis entra en esa reducida lista de películas adelantadas a su época, de la misma manera en la que lo hacen Gone with the Wind 2001: A Space Odyssey en sus respectivas décadas. Metrópolis, estrenada en 1927, no parece tener las características propias del cine mudo de esa década. Es una producción de tal magnitud y tan impresionante que cuesta creer que se llevara a cabo con las limitaciones de la época, recordando en esto más bien a películas que no nos encontraríamos hasta unas décadas más tarde. Planos espectaculares de grandes edificios, imágenes completamente futuristas, incluso efectos especiales para darle al autómata una magia especial. Todo en Metrópolis parece adelantado a su época, dándole a la película todavía más valor por la hazaña que debió suponer rodarla. Los temas que trata, al igual que el estilo en el que lo hace, resultan extraordinariamente modernos. Recuerda en ocasiones a Modern Times por la forma en la que representa las cadenas de producción y la vida de los trabajadores. También en la película de Chaplin podíamos ver ciertos argumentos comunistas, pero en Metrópolis parece mucho más obvio y cuesta pensar que alguien pudiera ver la película de Lang y no darse cuenta de ello. Es una pena que Marx viviera para verla, porque siento que le habría gustado lo que tiene que decir. La idea de una ciudad de trabajadores subterránea, en la que aquellos que se encuentran en ella deben trabajar de manera ininterrumpida para que los que viven y disfrutan en la superficie puedan seguir manteniendo sus lujos, junto con la manera en la que la película llama a estos trabajadores a despertar y revelarse, será quizás demasiado revolucionario para muchos hoy en día. ¿Acaso el gobierno actual estadounidense acabará censurando Metrópolis? El tiempo lo dirá. 

Metrópolis es más que merecedora de la fama que tiene, de todo lo bueno que se habla de ella. Una película espectacular, tanto para la época en la que se estrenó como para la actual, y cuyo mensaje se mantiene en el tiempo y no pierde ni siquiera un poco de relevancia. Esto se une a una brillante interpretación (destaca particularmente la de Brigette Helm, que debe dar vida a dos personajes muy diferentes) para resultar en una obra brillante que todo cinéfilo (y no cinéfilo) debe ver al menos una vez en su vida, preferiblemente en la gran pantalla si se tiene la oportunidad de ello. 

Reparto: Gustav Fröhlich, Brigitte Helm, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge, Fritz Rasp, Theodor Loos, Heinrich George, Fritz Alberti, Grete Berger, Heinrich Gotho, Georg John, Olaf Storm

The End

26 de abril de 2025

2024, 149'

Dirección: Joshua Oppenheimer


Dos décadas después del fin del mundo, una familia vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal. El hijo, un joven de 20 años que nunca ha visto el mundo exterior, el padre y la madre, son una de las últimas familias de la Tierra. La llegada de una chica a la entrada del búnker amenazará la apacible vida familiar.


The End, de Joshua Oppenheimer, pasó por el Zinemaldi el año pasado llevando consigo al tremendo reparto de la película. Ya tan solo por los actores que han trabajado en ella la obra prometía bastante, y aunque la premisa sea muy interesante y tenga un gran potencial, tengo que darle las razones a las críticas que hablan de ella como mediocre (casi más que a las negativas), porque parece que The End no llega a todo lo que promete. El hecho de que sea un musical puede que disuada a muchos, pero no es ese el problema de la obra; estoy bastante segura de que si no se tratara de un musical seguiría siendo una leve decepción. Se hace en ocasiones larga, y no por durar dos horas y media (hay otras muchas películas de dos horas y media que se pasan en un parpadeo), sino porque no consigue engancharnos como debería. Una pena teniendo en cuenta todo el talento asociado. Habrá que ver si la próxima película de Joshua Oppenheimer resulta ser mejor que esta. 

Reparto: Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Moses Ingram, Lennie James, Tim McInnerny, Bronagh Gallagher, Danielle Ryan

A Clockwork Orange

25 de abril de 2025

1971, 137'

(Primer visionado: 27 de julio de 2022)

(Segundo visionado: 31 de enero de 2024)

Dirección: Stanley Kubrick

Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.


(Reseñada el 31 de enero de 2024)

Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corri, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone, David Prowse


Título en español: La naranja mecánica

Your Were Never Really Here

23 de abril de 2025

2017, 89'

Dirección: Lynne Ramsay


Joe, ex marine y antiguo veterano de guerra, es un tipo solitario que dedica su tiempo a intentar salvar a mujeres que son explotadas sexualmente. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada. 


El día que se anuncia oficialmente que la última película de Lynne Ramsay (Die My Love, protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson) estará en Cannes a finales de mayo era el mejor momento para adentrarme en la filmografía de la directora. You Were Never Really Here es terriblemente oscura y cuenta con geniales aspectos artísticos, como una muy buena banda sonora. Destaca especialmente la interpretación de Joaquin Phoenix en el papel protagonista, aunque no nos sorprende del todo teniendo en cuenta que el actor siempre parece darlo todo en sus obras. La película de Ramsay de 2017 resulta interesante y genera mucha curiosidad por el resto de sus obras, pero sobretodo aumenta las ganas de una de ver qué presenta en el festival de Cannes de este año. 

Reparto: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov, Kate Easton, Jason Babinsky, Frank Pando, Ryan Martin Brown, Scott Price, Dante Pereira-Olson, Jonathan Wilde, Leigh Dunham, Vinicius Damasceno


Título en español: En realidad, nunca estuviste aquí

Santosh

22 de abril de 2025

2024, 128'

Dirección: Sandhya Suri


Gracias a un plan del gobierno, Santosh, que acaba de enviudar, hereda el trabajo de su marido como agente de policía en una zona rural del norte de la India. Cuando una niña de casta inferior aparece violada y asesinada, se ve arrastrada a la investigación bajo el ala de la carismática inspectora feminista Sharma.


Santosh, nominada el año pasado a un BAFTA y propuesta por Reino Unido para representar a su país en los Oscars, no llegó a las nominaciones de la Academia pero sí a estar en la shortlist de película internacional. Parece que 2024 estaba lleno de países que proponían para los Oscars películas que son en realidad de otras nacionalidades, como pasó con La semilla de la higuera sagrada, nominada al Oscar internacional por Alemania a pesar de ser una película iraní. Santosh, que técnicamente es una producción de Reino Unido, es una película india. Su trama es sin duda interesante y quizás no se acabe desarrollando de la manera de la que uno espera al principio de la película, pero tampoco llega a ser una obra excepcional y puedo entender después de verla por qué no llegó a estar entre las cinco nominadas al Oscar teniendo en cuenta el nivel y calidad de aquellas contra las que competía. Aún así, uno no siente que ha perdido el tiempo verla, y ofrece una visión muy interesante de la presencia policial (y el papel de la mujer) en India. 

Reparto: Shahana Goswami, Sanjay Bishnoi, Sunita Rajwar, Kushal Dubey, Shashi Beniwal


Título en español: Secretos de un crimen

O que arde

21 de abril de 2025

2019, 86'

Dirección: Óliver Laxe


Nadie espera a Amador cuando sale de la cárcel tras cumplir condena por haber provocado un incendio. Regresa a su casa, una aldea perdida de las montañas lucenses, donde volverá a convivir, al ritmo sosegado de la naturaleza, con su madre, Benedicta, su perra Luna y sus tres vacas.


En mi preparación para Cannes (festival en el que tendré la suerte de estar a finales del mes que viene, y en que todavía me cuesta creer que haya conseguido una acreditación) he recogido una pequeña lista de obras relevantes de directores que estarán en la edición de 2025 para ir un poco más preparada. Óliver Laxe lleva este año Sirât, y junto al Romería de Carla Simón, este año se convierte en el segundo de la historia en el que dos directores españoles llevan sus películas en competición a Cannes. No es, sin embargo, la primera vez que Laxe está en el festival del sur francés; O que arde ganó en 2019 el premio del jurado en Un certain regard, así que parecía más que indicado verla ahora que queda apenas un mes para estar en esa pequeña ciudad costera en la que se respirará tanto cine. A pesar de su clarísima calidad, y puede que precisamente como causa de ella, la película es extremadamente agobiante. Laxe toma la acertada decisión de no mostrarnos demasiado del pasado de Amador, y todo lo que podemos saber sobre su historia (y la razón por la que aquellos a su alrededor se comportan de manera tan inusual con él) lo deducimos por una breve conversación inicial mientras sale de la cárcel y por las interacciones que tiene con sus vecinos. No sabemos, sin embargo, lo que pasó exactamente, y por tanto nos es difícil juzgar sus acciones y las de aquellos que lo rodean. O que arde está brillantemente dirigida y muy bien actuada, haciendo de ella una obra de gran calidad merecedora de los reconocimientos que se llevó en el año de su estreno. 

Reparto: Amador Arias, Benedicta Sánchez, Inazio Abrao, Elena Mar Fernández, David de Poso, Alvaro de Bazal, Damián Prado, Nando Vázquez, José Luis Santalices


Título en español: Lo que arde


Título en inglés: Fire Will Come

El evangelio según San Mateo

20 de abril de 2025

1964, 137'

Dirección: Pier Paolo Pasolini


En clave neorrealista pero sin apartarse del texto bíblico, el siempre polémico y poliédrico Pasolini realiza un cercano retrato de Jesús de Nazaret.


El Domingo de Resurrección ha venido acompañado de películas muy apropiadas para el momento. Pier Paolo Pasolini, gay y comunista, hace una película sobre la vida de Jesús de Nazaret mucho mejor de la que lo podría haber hecho cualquier autoproclamado cristiano de derechas. El nivel artístico es el que ya se podía esperar del gran director italiano, y lo que más nos sorprende hoy en día (y especialmente en estos meses y el clima social político que han arrastrado) es ver y recordar lo que, según la religión cristiana, predicaba el que es para ellos su mesías. Jesús habla de tolerancia, de darle la riqueza de uno al pobre, de perdonar al prójimo y obrar con bondad y generosidad; algo que parece quedar muy lejos de lo que ahora proclama parte de la iglesia, o aquellos individuos de extrema derecha y gran poder que utilizan el cristianismo para justificar argumentos que van completamente en contra de lo que dice su religión. El evangelio según San Mateo es también una perfecta vía de educación para aquellos que conocemos menos de la religión cristiana, recorriendo la historia de Jesús desde su concepción hasta su crucifixión, y haciendo que resulte una obra perfecta para cerrar la Semana Santa. 

Reparto: Enrique Irazoqui, Margherite Caruso, Marcello Morante, Luigi Barbini, Mario Socrate, Susanna Pasolini, Settimio Di Porto, Natalia Ginzburg, Alfonso Gatto, Enzo Siciliano, Giacomo Morante, Alessandro Clerici, Paola Tedesco, Eliseo Boschi


Título en inglés: The Gospel According to Matthew

Life of Brian

20 de abril de 2025

1979, 94'

Dirección: Terry Jones


Brian nace en un pesebre de Belén el mismo día que Jesucristo. Un cúmulo de desgraciados y tronchantes equívocos le harán llevar una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en que se haya sumergida la Galilea de aquellos días, le harán vivir en manos de su madre, de una feminista revolucionaria y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.


La mañana del domingo de Semana Santa era un buen momento para ver por fin Life of Brian, y teniendo en cuenta que ha podido ser en la gran pantalla la experiencia ha sido todavía mejor. El toque cómico de la película aguanta el paso del tiempo a pesar de que haya pequeños detalles que no sean aceptables en la sociedad en la que ahora vivimos, pero hay que recordar que Life of Brian se estrenó en 1979 bajo un contexto muy distinto. Divertida y bien hecha, justifica que sea una película tan conocida. 

Reparto: John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle, Terry Jones, Terry Gilliam, Sue Jones-Davies, Carol Cleveland, Terence Bayler, Andrew MacLachlan, Charles McKeown, George Harrison


Título en español: La vida de Brian

Warfare

18 de abril de 2025

2025, 96'

Dirección: Alex Garland, Ray Mendoza


Basada en las experiencias reales del ex marine Ray Mendoza (codirector y coguionista de la película) durante la guerra de Irak. Introduce al espectador en la experiencia de un pelotón de Navy SEALs estadounidenses. Concretamente en una misión de vigilancia que se tuerce en territorio insurgente. Una historia visceral y a pie de campo sobre la guerra moderna y la hermandad, contada como nunca antes: en tiempo real y basada en los recuerdos de quienes la vivieron.


El año pasado, con Civil War, Alex Garland daba mucho que hablar por la manera en la que su película se enfocaba de manera aparentemente imparcial y factual en un aspecto poco hablado de la guerra. Este año vuelve con Warfare, que casualmente voy a ver a los cines 364 días después de su último largometraje. Ya tan solo juzgando por su sinopsis y su tráiler, se esperaba que esta última fuera a hacer algo bastante distinto a Civil War. Cuando hablé de su película de 2024 mencioné lo apolítica que me resultaba, y parezco confirmar ahora que quizás sea cosa de Garland el querer hacer películas frías y que tratan de no tomar bandos, de ser objetivas. Pero no se puede ser objetivos en la guerra, no es posible no tomar un bando, y este año nos ha tocado pasarnos toda la película con los estadounidenses. 

Warfare empieza con una escena curiosa, prometiendo calidad en el resto de película. El entusiasmo de los soldados que ven un vídeo de mujeres con ropas apretadas enseguida desaparece, porque volvemos a la seriedad y nos encontramos entre ellos caminando por las calles iraquíes en busca de una casa de la que apropiarse. No tardan en hacer precisamente eso, entrar en medio de la noche en la vivienda de no una sino dos familias locales y asentarse en ella, desplegando todas sus armas y todos sus aparatos y llevando a las familias (dos parejas y dos hijas de una de ellas) a una habitación donde deberán quedarse en silencio mientras ellos hacen cosas de hombres americanos. Veremos a estas familias tan solo unas pocas veces a lo largo de la película, porque, tal y como le pasa a los soldados (con los que compartimos punto de vista), nos hemos olvidado de ellos. Y es que qué importancia tendrán los iraquíes cuando uno puede centrarse en el sufrimiento estadounidense. La manera en la que vemos a estos individuos a lo largo de la película no es más que una representación de lo que nos transmite la obra en general, y el mayor de los problemas del largometraje de Garland, que hacen que me sea imposible valorarlo tan solo por su calidad artística. Warfare, a pesar de ser claramente anti-guerra y tratar con todas sus fuerzas de ser imparcial (muchos creerán que lo es), se posiciona de manera muy clara y pide de ti que sientas lástima por los soldados en los que se centra mientras ni siquiera piensas en todos los ciudadanos que están fuera de esas paredes (y, en el caso de las familias anteriormente mencionadas, también dentro). El trauma y el sufrimiento de los jóvenes americanos es innegable, obligando a que te sientas mal por ellos, a que en ocasiones sea difícil ver lo que se proyecta en la pantalla. Si eres un poco inteligente, te preguntarás por qué razón estos jóvenes con posibles futuros prometedores decidirían ir a un país ajeno a librar una guerra que no es suya, que empezaron sin ningún tipo de justificación. Si eres todavía un poco más inteligente, pensarás en aquellos ciudadanos que se ven obligados a vivir situaciones similares sin tener ninguna capacidad de decisión sobre ello, como por ejemplo los palestinos que todavía quedan en Gaza. Y en el caso de que no, te quedarás tan solo sintiéndote mal por ese grupo de estadounidenses al que acompañamos, porque aunque la película se presente como imparcial, es eso precisamente lo que busca. 

Warfare es infinitamente más interesante por lo que no muestra que por lo que sí, por aquello en lo que no se centra. ¿Qué estará pasando en los edificios cercanos? ¿Qué habrá sido de las familias que vivían en ellos después de todas esas explosiones y tiroteos? ¿Y de la gente que frecuentaba el mercado que en la primera mitad de la película tan atentamente miraban los estadounidenses? Vemos en varias ocasiones cómo uno de los soldados estudia el entorno usando la mirilla de un arma, y nuestro corazón da un vuelco cuando, mientras pasa desde un sospechoso a otro, la cruz en el medio de la imagen se desliza sobre un grupo de niños. Nos angustia todavía más ver cómo a aquel que sujeta el arma parece no afectarle la imagen. Toda la película se centra en ese concepto tan estadounidense del no man left behind; soldados que arrastran a la seguridad a otros soldados que creen que han muerto, a pesar de arriesgar sus vidas, porque son un equipo que está junto y se protegen los unos a los otros. Y, sin embargo, cerca del final de la película (después de volar la parte superior de la casa en la que se encuentran) escapan en la seguridad de sus tanques en una zona verdaderamente violenta dejando ahí sin ningún tipo de explicación (ni, claramente, solución) a las familias que allí vivían. Una representación de todo lo que ha querido transmitir la película que es tan ofensiva que casi provoca risa, porque uno ya no sabe qué hacer con lo que le han puesto en pantalla. Increíble la manera en la que una película tan anti-guerra como esta sigue representando lo absolutamente inconscientes que son los soldados estadounidenses (y, al parecer, también su país en general) del daño que le provocan a otros. 

No se puede negar, eso sí, que Warfare está muy bien dirigida, y que hace un uso interesante del cambio de puntos de vista y de un sonido muy logrado. Su calidad técnica y artística, sin embargo, no consigue distraer de lo desastroso que resulta el mensaje que transmite. Los créditos llegan insistiendo en este punto, mostrándote imágenes de los soldados reales en los que se basa esta historia y en el co-director de la película, que formó parte de ese grupo de soldados al que acabamos de seguir en esta recreación para la gran pantalla, la cual hemos visto bajo su punto de vista. No quiero pedir que se hagan películas desde el punto de vista de los iraquíes, porque sé que ya las hay y lo magníficas que son (tan solo hay que salirse del cine tan comercial), pero sí pediré que, por favor, se deje de dar tanta voz a películas que pintan a los estadounidenses como unos héroes que no son. Me quedo con la esperanza de que Alex Garland vuelva en algún momento a un trabajo más similar a lo que hizo en Ex Maquina

Reparto: D'Pharaoh Woon-A-Tai, Will Poulter, Cosmo Jarvis, Kit Connor, Finn Bennett, Taylor John Smith, Michael Gandolfini, Adain Bradley, Noah Centineo, Evan Holtzman, Henry Zaga, Joseph Quinn, Charles Melton, Alex Brock, Jake Lampert, Joe Macaulay, Aaron Deakins, Aso Sherabayani, Nathan Altai, Aaron Mackenzie, George Pavlidis, Tom Dunne

Teorema

17 de abril de 2025

1968, 95'

Dirección: Pier Paolo Pasolini


A una familia de clase alta italiana, compuesta por un matrimonio, un hijo y una hija, llega un misterioso joven que irá alterando el comportamiento de todos ellos. Polémica película -fue declarada inmoral por la Iglesia- del siempre controvertido Pier Paolo Pasolini.


Llego a Teorema de Pasolini después de haber visto The Visitor, la película de 2024 que se basa en ella y le da una visión mucho más explícita. No está demasiado claro cuál es el orden ideal en el que ver ambas, porque su historia es tan similar (prácticamente igual salvo por pequeños detalles) que las comparaciones son inevitables. Teorema, mucho más clásica y dramática, se centra mucho más en su tercer acto (después de que se vaya el joven de la casa) de lo que lo hace The Visitor, cambiando bastante el mensaje y la sensación que le queda a uno de la película. Tiene sentido que sea así teniendo en cuenta que en esta Pasolini no tiene con qué rellenar el tiempo que en The Visitor ocupan todas esas escenas de sexo tan explícitas. A cambio, nos da una segunda mitad de la película dramática y muy de la Italia rural, con ciertos simbolismos y un final mucho más espectacular que la de su reciente adaptación. Es entendible que resultara polémica para la época, pero ahora que podemos verla con otros ojos queda tan solo la calidad que tanto podemos apreciar en su director, y del cual es la primera película que veo. 

Reparto: Terence Stamp, Laura Betti, Silvana Mangano, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Ninetto Davoli, Andrés José Cruz Soublette, Adele Cambria, Alfonso Gatto


Título en inglés: Theorem

Black Bag

16 de abril de 2025

2025, 94'

Dirección: Steven Soderbergh


Cuando su amada esposa Kathryn es sospechosa de traicionar a la nación, el legendario agente de inteligencia George Woodhouse se enfrenta a la prueba definitiva: la lealtad a su matrimonio o a su país.


La última película de Soderbergh venía con bastantes expectativas, ya no solo por lo que viene ligado al nombre de su director sino también por los actores que dan vida a sus dos protagonistas. De Black Bag se ha escuchado un poco de todo, principalmente positivo, y a pesar de que sí considere que está bastante bien hecha y resulta entretenida, es el tipo de película de la que uno se olvida a las pocas horas de haberla visto. No hay nada particularmente malo en ella, pero tampoco ningún aspecto que destaque demasiado o que consiga que se quede en la mente del espectador después de que la pantalla se oscurezca de nuevo. Cuenta, eso sí, con unas estupendas interpretaciones por parte de sus dos protagonistas pero sobretodo por la de Michael Fassbender, algo que tampoco nos sorprende demasiado teniendo en cuenta el nivel del actor así como el de Cate Blanchett. Una pena que Black Bag no haya llegado a más de lo que acaba siendo. 

Reparto: Michael Fassbender, Cate Blanchett, Gustaf SkarsgårdTom BurkePierce BrosnanMarisa AbelaNaomie Harris, Regé-Jean PageOrli ShukaAlex MagliaroDane JulerKae AlexanderMartin BassindaleMegan KimberPaul BaileyBruce MacKinnonDaniel DowReena DusilaAmbika Mod


Título en español: Confidencial

A Simple Favor

15 de abril de 2025

2018, 117'

Dirección: Paul Feig


Stephanie es una joven madre bloguera de una ciudad pequeña cuya mejor amiga, la sofisticada Emily, desaparece un día repentinamente. A Stephanie le ayudará en su búsqueda el marido de Emily, Sean.


Dado que se va a estrenar la secuela en unas pocas semanas, no era mal momento para ver por fin A Simple Favor. Nada en esta película tiene sentido, pero sería mentira decir que uno no se entretiene viéndola a pesar de lo poco realista que es. No se podía esperar más que precisamente eso, un divertimento temporal sin mayor significado cuyo sinsentido se vuelve incluso gracioso en ocasiones. Si la secuela resulta ser igual que la original, estará claro que no va a resultar demasiado aburrida. 

Reparto: Anna Kendrick, Blake Lively, Henry Golding, Glenda Braganza, Zach Smadu, Rupert Friend, Eric Johnson, Sarah Baker, Kelly McCormack, Gia Sandhu, Joshua Satine, Andrew Rannells, Aparna Nancherla, Dustin Milligan, Danielle Bourgon, Andrew Moodie, Sugenja Sri, Bashir Salahuddin, Howard Hoover, Ronnie Rowe, Melody Johnson, Melissa O'Neil, Linda Cardellini, Paul Jurewicz, Jean Smart, Roger Dunn, Corinne ConleyOlivia Sandoval, Umed Amin, Lesleh Donaldson, Chris Owens, Jung-Yul Kim, Domenic CinaJulio Benitez


Título en español: Un pequeño favor

Good Night Oppy

14 de abril de 2025

2022, 105'

Dirección: Ryan White


La película sigue a Opportunity, el Mars Exploration Rover apodado cariñosamente Oppy por sus creadores y científicos de la NASA. Originalmente, se esperaba que Oppy viviera solo 90 días, pero finalmente exploró Marte durante casi 15 años.


Good Night Oppy nos acerca a lo que vivieron los científicos e ingenieros encargados del seguimiento de Spirit y Opportunity durante los años que duró su misión, haciendo que para el final del metraje tengamos tanto cariño a esos robots que llegamos a entender lo emocionante que fue para sus creadores ver sus finales. El documental es científicamente interesante y hace que cualquiera se motive a formar parte de un equipo como ese de la NASA, independientemente de si tiene o no formación en ámbitos científicos, algo que sin duda es gracias a lo que vemos en los profesionales que tenemos en la pantalla. Quizás no sea excepcional a nivel cinematográfico, pero el valor de su historia lo compensa sin problemas. 

Reparto: Angela Bassett


Título en español: Buenas noches, Oppy

Drop

13 de abril de 2025

2025, 95'

Dirección: Christopher Landon


Violet es una madre cuyo marido falleció y que tras mucho tiempo dedicada a sus hijos decide tener su primera cita en años. Cuando llega al restaurante descubre además que su cita, Henry, es un hombre mucho más encantador y guapo de lo que podía esperar. Pero la velada empieza a estropearse cuando Violet comienza a recibir una serie de inquietantes mensajes anónimos en su teléfono.


La primera media hora de Drop nos quiere recordar un poco a The Menu, y nos crea unas ciertas expectativas mientras nos adentramos en una película que promete ser muy entretenida. También puede que otros muchos, al igual que yo, fueran a la sala de cine a ver la última película de Christopher Landon por lo mucho que atrae su póster. Sea como sea, parecemos ignorar las críticas negativas de la película con la esperanza de que quizás fueran los demás los que no la entendieron. La trama promete, estando claro que Drop es una película que entretiene y siendo además de una temática que a nivel personal me gusta mucho, pero todo lo demás del largometraje justifica lo mal que habían hablado de él todos aquellos que ya la habían visto. Un montaje algo cuestionable en ocasiones con una historia que quiere llegar a mucho pero que por alguna razón no lo consigue, acaba culminando en un final con tantos fallos y tan ridículo que puede incluso hacer gracia. Llegados a ese punto uno ya ha perdido toda esperanza en la película (y, visto lo visto, en que sea mínimamente realista), así que al público lo único que le queda es tomárselo con humor (verla como una de estas películas que es tan mala que acaba haciendo gracia), porque de otra manera estará destinado a bufar en la sala y maldecir el momento en el que se dejó llevar por un póster atractivo. Una pena teniendo en cuenta lo bien que se podría haber hecho una película con una trama como esta. 

Reparto: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Ed Weeks, Travis Nelson, Gabrielle Ryan, Jeffery Self, Fiona Browne, Jacob Robinson, Stephanie Karam, Saoirse Hayden, Sarah McCormack, Reed Diamond, Ben Pelletier, Michael Shea


Título en español: La cita

Muy lejos

13 de abril de 2025

2025, 100'

Dirección: Gerard Oms


Sergio viaja a Utrecht con su familia para asistir a un partido de fútbol. Antes de coger el vuelo de regreso a Barcelona, sufre un ataque de pánico y decide quedarse en Holanda. Incapaz de dar una explicación lógica a los suyos, corta el contacto con su pasado. A partir de ese momento, tendrá que sobrevivir sin dinero, sin casa y sin hablar el idioma.


Después de la brillante interpretación de Mario Casas en la reciente Escape, nos trae ahora una película en la que su trabajo mantiene el nivel que el anterior. A pesar de que el final parezca quizás demasiado abierto, las interpretaciones de sus actores y la complejidad de las situaciones que se muestran en la pantalla hacen de Muy lejos una película que merece mucho la pena ver, aunque quizás no llegue a llevarse el título de excepcional. 

Reparto: Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani, Nausicaa Bonnín, Raúl Prieto, Jetty Mathurin, Hanneke van der Paardt, Daniel Medrán


Título en catalán: Molt lluny

Breakfast at Tiffany's

13 de abril de 2025

1961, 115'

Dirección: Blake Edwards


Holly Golightly es una bella joven neoyorquina que, aparentemente, lleva una vida fácil y alegre. Tiene un comportamiento bastante extravagante, por ejemplo, desayunar contemplando el escaparate de la lujosa joyería Tiffanys. Un día se muda a su mismo edificio Paul Varjak, un escritor que, mientras espera un éxito que nunca llega, vive a costa de una mujer madura.


Queda más que claro que un clásico como Breakfast at Tiffany's tiene una enorme calidad cuando parece mejorar en un segundo visionado a pesar de lo mucho que hubiera gustado ya el primero. Hace unos años tuve la oportunidad de leer el libro de Truman Capote en el que se basa la película, y sin duda no me gustó tanto como esta adaptación a la pantalla. Es muy probable que tenga algo que ver con el magnetismo de Audrey Hepburn, que demuestra ya tan solo en esta obra que era merecedora del título de gran estrella de cine, pero incluso de manera general Breakfast at Tiffany's está brillantemente ejecutada y recrea un ambiente que te hace desear estar dentro de esa historia junto a sus protagonistas. Holly es muy peculiar, sin duda quedando lejos del estereotipo femenino de la época, haciendo así a su personaje todavía más interesante. Un clásico al que sin duda merece la pena volver de vez en cuando. 

Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, Mickey Rooney, José Luis de Vilallonga, John McGiver


Título en español: Desayuno con diamantes